KTU, la unión hace la fuerza

En una de mis últimas incursiones por la disquería Triangel de Providencia, adquirí un disco bastante interesante que me atrajo por la nómina de sus músicos (bueno, esa es una de la garantías que tiene ese lugar…uno siempre encuentra cosas interesantes). Se trata de KTU (pronunciado como K-Two en inglés); un proyecto de música experimental formado por dos duplas que unieron sus fuerzas creativas de sus respectivas bandas de origen: los finlandeses Kimmo Pohjonen y Samuli Kosminen (ambos como dúo conformaban Kluster; no confundir con el antecesor de inicios de los 70s del grupo de krautrock Cluster) y los estadounidenses Pat Mastelotto y Trey Gunn (ambos del dúo TU, además de ser miembros actuales de King Crimson).

Indagando por la historia de KTU, me doy cuenta de su génesis a partir de la de sus dos mitades. La leyenda que circula por Internet cuenta que Kimmo y Samuli formaron Kluster en 2001 con una clara intención: construir un universo distinto con dos instrumentos pocas veces unidos en una misma pieza y mucho menos dentro del contexto de la experimentación; mientras Kimmo sacaba sonoridades espectaculares de su acordeón y su voz cruda, Samuli hacía arqueos con sus sampleadores sobre esas sonoridades. Este afán creativo, en el que logran transitar por recónditos e inexplorados sitios de la música moderna en que el instrumento de viento distorsionado crea sus parajes, es uno de los elementos fundamentales que caracterizan el sonido de KTU. La sonoridad de este dúo es tan potente y radical que ha atraído la atención de importantes músicos que han derivado en colaboraciones con los islandeses MUM, el Kronos Quartet y el Proton Quartet, entre otros.


Por el lado de la segunda mitad de KTU, los orígenes de TU se remontan a la época en que el percusionista Pat Mastelotto y el stickista-guitarrista Trey Gunn participaron juntos por primera vez en el tour de David Sylvian & Robert Fripp como músicos de sesión. La cohesión que desarrollaron en la base rítmica de dicha banda atrajo irremediablemente la atención de Fripp, quien los invitó a formar parte de una de las últimas alineaciones de King Crimson, una de las agrupaciones más importantes del mundo en la escena experimental y progresiva de las últimas décadas, y con quienes Mastelotto y Gunn han forjado una exitosa carrera que ha actuado como trampolín para hacer sus propios proyectos en solitario (uno de ellos trajo a Gunn a Chile junto al canadiense Joe Mendelson en octubre del año pasado) y como dúo con el propio TU. Después de la experiencia con los maestros Fripp y Sylvian, y de innumerables colaboraciones con otros músicos (John Paul Jones, XTC, Trail of the Dead, Julia Fordham, Vernon Ried, Hall & Oats, The Sugercubes, Jude Cole, Steve Hackett, por nombrar sólo algunos), ellos quedan claros de su potencial como estructura de bajo y percusión, lo que los lleva a afianzar su proyecto TU cuyo sonido explora la improvisación al máximo siempre con un toque distintivo, el que ya dejan como sello en las últimas producciones de King Crimson y en el primer disco como dupla editado en 2004.

Lo claro que uno descubre al oír a KTU es que ambas medias naranjas conjugan en perfecta simbiosis los elementos particulares que tanto Kluster como TU venían desarrollando por separado. El resultado es una explosiva e ingeniosa fusión instrumental con fuertes dosis de improvisación entre la batería, el stick, el acordeón, el sampler y la voz que obligan al oyente no entrenado a mutar de una personalidad apacible a otra totalmente delirante para poder digerirlos de buenas a primeras. Ojo que la mitad de su primer y único disco editado hasta la fecha (“8 Armed Monkey”, lanzado por el sello finlandés RockAdillo en 2005) no es apto para oídos sensibles.

Lo que les dejo a continuación es el tema “Optikus”, escrito por Pohjonen, y que corresponde a una presentación de KTU en el festival FMM de Sines, Portugal, en julio del 2005; una de las composiciones más fascinantes del primer trabajo discográfico del cuarteto. El diseño del sonido surround y los efectos adicionales de la interpretación están a cargo de otro finlandés, Heikki Iso-Ahola.

"Optikus" (Pohjonen)


Más información en:
Sitio web oficial de Kimmo Pohjonen
Sitio web oficial de Trey Gunn
Sitio web oficial de Pat Matelotto

Los ojos del alma de Mal Waldron

El haber presenciado este martes pasado el extraordinario concierto ofrecido por el gran contrabajista inglés Dave Holland y su quinteto en el Montercamelo de Providencia, Santiago, me dejó con muchísimas ganas de retomar algunos de mis queridos discos de jazz de la línea más tradicional. El álbum compilatorio “Soul Eyes: The Mal Waldron Memorial Album” (2003) del desaparecido pianista estadounidense Mal Waldron es uno de ellos y aunque musicalmente no se relaciona mucho con el estilo de Holland, ambos poseen la misma intensidad y distinción para componer e interpretar sus temas.

Debo reconocer que el disco enunciado fue una sorpresa para mí al conocerlo gracias a las siempre certeras sugerencias de mis estimados amigos Juan Pablo y Sergio de la disquería B Music de Providencia. El descubrimiento surgió apenas cuando el disco sonaba como música promocional en el local y “paré la oreja” para prestarle mayor atención y darme cuenta de la delicadeza musical que emanaba del piano de Malcolm Earl Waldron (como es su nombre completo). Al leer las referencias que aperecen en el inserto del CD, me percato que la música que en él se retrata se registró principalmente en su etapa de colaborador y músico de sesión desde fines de los cincuentas hasta mediados de los sesentas; pese a este rol más “secundario”, el compilatorio resalta sus obras como compositor para emblemáticos artistas del mundo del jazz tales como Charles Mingus, John Coltrane, Webster Young, Teddy Charles y Eric Dolphy, entre otros tantos (de hecho en el disco figura una contundente lista de consagrados músicos que supera la veintena). De esta forma, se aprecia la capacidad de Waldron para construir melodías conforme a ritmos y estilos diversos según el instrumento y el intérprete, pasando por el saxo tenor, el corno francés, el saxo alto, el vibráfono y, por supuesto, el propio piano. La constante en este caso es la elegancia y frescor de su música, eso sí con un toque bastante introvertido que plasma en su sonido, sin caer en absoluto en la ligereza ni en la futilidad que en no pocas ocasiones nos encontramos en este tipo de compilados y que nos hacen sentir que más bien estamos en la típica consulta médica o en los actuales resto-bar que pretenciosamente quieren darle un toque “cool” a su ambiente con ese insulso jazz sintético.

Con este trabajo tenemos el privilegio de escuchar interpretaciones del Prestige All Stars, del Prestige Jazz Quartet, del Mal Waldron Trio, y del Dolphy Quintet, por nombrar unos cuantos; algo que deja en claro el “colaboracionismo” del pianista en aquel período y que heredó desde sus inicios en New York como piano-man de numerosos grupos de rythm&blues y posteriormente de Billie Holiday y del grupo de Charles Mingus. En definitiva, este recopilatorio de Waldron es un disco sumamente aconsejable, sobre todo para quienes se interiorizan por primera vez en su música.

La pieza musical escogida, como casi siempre, resultó difícil de escoger. La de esta oportunidad se titula “Dear Elaine”, una hermosa balada de más de ocho minutos que se construyó básicamente sobre la figura minimalista de dos tonos, y que fue dedicada a la primera esposa del músico. Esta obra fue registrada originalmente en Junio de 1957 para el álbum “The Prestige Jazz Quartet” lanzado por el cuarteto homónimo liderado por el vibrafonista Teddy Charles. La alineación que aquí interpreta es:

• Teddy Charles: vibráfono
• Addison Farmer: contrabajo
• Jerry Segal: batería
• Mal Waldron: piano

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Links:
Entrevista a Waldron en 1977
Waldron en Wikipedia
Waldron en The Jazz Pages (en alemán, con extensa discografía)

MAL WALDRON

(New York, EEUU, 1925 - Bruselas, Bélgica, 2002)

Los años azules de Medeski, Martin & Wood

Como si se tratara de una moda o de una fórmula comprobada de buenos dividendos comerciales, los sellos cada vez más se empecinan en lanzar ediciones de discos en doble formato CD+DVD. Para bien de los fans o para mal de los puristas anticomerciales, esta nueva forma de lanzar álbumes llegó para quedarse un buen tiempo. Yo, al menos, disfruto cuando salen trabajos en este doble formato, sobre todo cuando el material del CD y del DVD son complementarios entre sí y no una mera réplica del otro en que la única diferencia entre el DVD y el CD es que el primero trae imagen y el segundo no (debo confesar que eso es lo único que no me agrada mucho de la edición especial de la celebración de los 100 discos del sello Klang Elektronik que comenté en mi posteo anterior). Con todo, replicado o no, el hecho de tener alguna parte del formato (CD o DVD) ya puede valer bastante por sí sólo.

Una de estas ediciones que vuelven a alegrar mi búsqueda musical es la que acaba de sacar nuestro siempre bien ponderado sello Blue Note para recopilar los pasos emprendidos por los magníficos Medeski, Martin & Wood (MMW) en esa casa discográfica luego de que este trio dejasen Gramavision (Rykodisc), su antiguo hogar establecido en el seno del downtown de Manhattan y que les albergó durante la primera etapa de su carrera. Este ábum en concreto se titula “Note Bleu: Best of the Blue Note Years 1998-2005” y vió la luz en abril de este año. Mientras el CD reúne temas de los ya clásicos discos “Combustication” (1998), “Tonic” (2000), “The Drooper” (2000), “Uninvisible” (2002) y “End of the World Party (Just in Case)” (2004), más 3 bonus tracks inéditos, el DVD ofrece mucho material audiovisual interesante, desglosado en documentales, conciertos, video-clips, fotografías y algunos links en la web.

Uno de los documentales que más me atrajo de este DVD es “The Medeski, Martin & Wood’s Drooper”, realizado y dirigido en 2002 por la francesa Marie-Pierre Jaury. En él se reseñan las biografías individuales de los músicos, los orígenes de la banda, y sus influencias, entre otras cosas; siempre intercalando las entrevistas a los músicos con interpretaciones en vivo, donde muestran sus dotes musicales. Entre las anécdotas relatadas figura la creación del logo de este trio creado por el baterista Billy Martin, el cual, según los propios integrantes, no representa nada en particular salvo la confluencia de elementos característicos de sus instrumentos “dispuestos armónicamente como si se tratase de una composición visual de Andy Warhol” y que contribuye a identificar y asociar más rápidamente en nuestras mentes al grupo dado que su nombre largo resulta difícil de memorizar para muchos (…la verdad, estos tipos se la piensan todas y el manejo de los detalles de los diseños y su imagen se notan).

Por otro lado, existen los video-clips que nos evocan permanentemente a la agitada New York, centro operativo de MMW, y a los años 60’s, que es donde estos músicos vivieron su niñez. Las características visuales son algo que podría llamarle “efecto deja-vu” (no sé su nombre técnico y me declaro totalmente ignorante en esta materia), que en el fondo es la repetición permanente en ciertos intervalos de tiempo de una secuencia de imágenes al ritmo de la pieza musical; esta repetición incluso se da nuevamente más avanzados en el video-clip, creando una sensación de deja vu a la primera mirada del video.

Por último, al ver las grabaciones de los conciertos uno no deja de quedar asombrado con la calidad creativa e interpretativa de estos tipos y de moverse con su contagiante música que remueven hasta la misma arteria aorta. Con ello, también resulta inevitable recordar la grandiosa presentación que rindieron en el Teatro Oriente, Santiago, el 24 de marzo de este año, y la sensación de tener la suerte de ser testigos de uno de los grupos que están marcando la pauta de la música jazz (y sus derivados) en el presente y que, con seguridad, será una influencia difícil de soslayar para las bandas de acid-jazz del futuro.

El tema pertenenciente a esta edición que les he comentado se llama “Toy Dancing”; pieza inédita que da término al CD y que se grabó en una de la sesiones previas al registro de su disco “End of the World…”. La música hace honor a su nombre y se percibe el disfrute de John Medeski (piano, órganos, teclados), Billy Martin (batería, percusión) y Chris Wood (bajo) en una de las piezas más “afro” que hayan hecho.


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La sugerencia final es estar atentos a las noticias de estos músicos que están ad portas del lanzamiento de un nuevo disco junto al notable guitarrista John Scofield bajo la sigla MSMW. Para ello les dejo los links oficiales:

Link a sitio web oficial de MMW.
Link a noticia de disco con Scofield.

Link en Wikipedia.

MADLIB y su hip-hop azulado

Descubrí a Madlib casi por casualidad en una de esas habituales excursiones por disquerías en que uno sospecha que el disco que tiene en sus manos puede gustarle y hace una apuesta por él al adquirirlo. Por fortuna, no me equivoqué…

Resulta que Madlib es uno de los tantos apelativos que utiliza el productor y rapero Otis Jackson Jr. y que alterna, según el estilo desarrollado en sus álbumes, con los de Quasimoto (un cartoon que tiene una voz muy aguda y que se pone a comentar en medio de numerosos cut & paste de diálogos de series basura de la TV estadounidense), Yesterday’s New Quintet (un quinteto imaginario de jazz donde todos los integrantes resultan ser el mismo Otis), Madvillain (junto al músico MF Doom) y The Looptack (su proyecto original donde se dio a conocer en el ambiente del rap), por nombrar algunos. Ya con esto, uno se puede hacer una idea de que este hombre se las trae con su versatilidad y capacidad de reinventarse.

El disco en cuestión que adquirí fue el excelente “Shades of Blue” (2003) editado por el sello Blue Note. Al leer la contraportada al principio no me atrajo mucho, pues se trata de un disco de remezclas de viejos y escondidos temas de la fonoteca del famoso sello de jazz, de los cuales ya hay bastantes trabajos editados y con un dejo de ligereza que me hacen sentir en una consulta médica o de compras en el supermercado. Sin embargo, algo me decía que este disco podría ser distinto de aquellos y al escucharlo lo comprobé; Madlib es un genio que sabe desarrollar sobre temas de grandes del jazz como Horace Silver, Wayne Shorter, Herbie Hancock y Donal Byrd, entre otros, un interesante cultivo de mezclas de hip-hop, jazzy, funky, scratch y hasta música docta. Se trata de una forma inteligente de fusionar las bases originales con las creadas por Otis del modo de dejarnos moviendo el cuello de manera hasta peligrosa con miras a una tortícolis. Es realmente atrapante, y la mística que él captura de los temas originales se muestra con mayor esplendor en sus remezclas, pese a que varios de estos mismos temas no se muestran totalmente reconocibles en esta colección.

La conclusión rescatable de este álbum es que no es un disco de rap propiamente tal; en él Madlib logra direccionar el hip-hop hacia el jazz de forma análoga como lo hizo St. Germain con el house también hacia el jazz, o GoTan Project con la electrónica hacia el tango, dándole con ello bastante crédito a este trabajo.

En esta ocasión les dejaré dos muestras de este “Shades of Blue”: en primer lugar se trata del tema “Funky Blue Note”, la única pieza original en este disco que figura compuesto por Otis Jackson Jr. (aparte de los interludios de diálogos y rapeos que hay entre medio de algunos tracks). En él se aprecia el juego instrumental que desarrolla Otis, sobre todo en la percusión; interpreta el Morgan Adams Quartet Plus Two con la siguiente conformación virtual:

• James King*: flauta
• Dan Ubick*: guitarra
• Morgan Adams III: órgano
• Derek Holman: juego de arpas
• Monk Hughes: bajo eléctrico
• Malcom Catto: percusión y batería

(de éstos sólo 2 músicos son reales, James King y Dan Ubick, mientras que el resto son alter egos de Otis…una muestra de la mente lúdica de este productor).


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El segundo tema se llama “Montara” y es una remezcla de una pieza original compuesta por el destacado vibrafonista Bobby Hutcherson (recordada originalmente en el álbum homónimo de este músico en 1975), y que emana una gran mística como oda hacia la cultura afroamericana. Los músicos que aparecen en la nómina son el mismo Bobby Hutcherson como vibráfono subliminal y el DJ Lord Duch en los cortes, que no es nada menos que otro alias de Otis.

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Si les gustó, les recomiendo también el último trabajo editado por Madlib hace poco en este año 2006 titulado “Beat Conducta Vol.1-2: Movie Scenes”, el cual es buenísimo.

Por último, les dejo el link a una interesante página del sello Stone Throw Records que presenta bastante información acerca de la biografía y obra de Otis Jackson Jr. y sus "secuaces".

La Máquina Suave

Tardó pero llegó…por fin se ha editado un DVD oficial y exclusivo de la leyenda del rock canterburiano y uno de los artífices del jazz rock británico; me refiero a Soft Machine. Y es que se trata de una de las bandas más importantes de este sonido particular que se forjó en torno a las iglesias y monumentos medievales de la sureña localidad de Canterbury, aunque su música no mucho grafica este entorno. ¡Si!…por fin podemos ver al cuarteto más emblemático en pleno conformado por el baterista Robert Wyatt, el tecladista Mike Ratledge, el bajista Hugh Hopper y el saxofonista Elton Dean (fallecido lamentablemente el 7 de febrero de este año).

Por primera vez podemos disfrutar de una presentación de este grupo en su mejor etapa con un sonido e imagen de excelente calidad (si sé…rondaban varios videos piratas por ahí y algunas apariciones en trabajos audiovisuales recopilatorios, incluso un DVD de una reunión en el 2005…pero nada como esto). Esta grabación, lanzada en disquerías recién en mayo pasado bajo el nombre de “Grides”, se conforma de un CD y un DVD, y se la debemos agradecer a la prestigiosa Radio Bremen (que se encargó de registrar buena parte de la gira de 1970-71 de Soft Machine) y su alianza con el no menos importante sello Cuneiform Records, quienes ya habían trabajado juntos en la edición de otro disco en vivo de esta banda en la misma época “Virtually” (salido en 1998). El CD corresponde a una aparición en el Concertgebouw de Amsterdam en octubre de 1970 y el DVD a una interpretación en marzo de 1971 en los estudios de TV de la emisora germana; ambos registros reflejan la intensidad e ímpetu de ese jazz sicodélico con fuertes tintes europeos que podrán descubrir en lo que les comparto hoy.

El botón de muestra, para serles franco, me costó muchísimo seleccionarlo…para mí se trata de un excelente disco, redondo por donde se le mire y oiga. Finalmente, me decidí por el clásico tema “Facelift” (compuesto por Hugh Hopper) que da inicio a la presentación que estos virtuosos ofrecieron en la grandiosa sala de conciertos holandesa y que puede reflejar aquella intensidad de las que les comentaba. Ésta parte con ese imponente bajo distorsionado de Hopper que abre espacio a un piano que marca la melodía base al compás de unos platillos y de unos trémolos de saxello; a continuación comienza la segunda parte de la melodía con el eximio Dean dándole a su instrumento de viento custodiado de una batería más acelerada del maestro Wyatt mientras en el fondo replica esta melodía el órgano de Ratledge que se descuelga del resto en una carrera y comienza un majestuoso y ácido solo con carácter épico…el jazz sicodélico en pleno desarrollo. Mientras, la base rítmica de Wyatt, Hopper y Dean (quien en esta fase cambia saxello por piano) está ahí haciendo de las suyas, y por momentos cada uno va por su lado (como usualmente ocurre en el free jazz), hasta que después de un buen e intenso rato Ratdledge vuelve a invocar la melodía inicial a la cual se suma nuevamente el saxello de Dean hasta bajar las revoluciones en un juego de toques aleatorios de todos los músicos…¡brillante!

Ahora, imagínense esto mismo en la experiencia de ver en video a estos genios, donde los efectos luminosos y colores sicodélicos juegan un rol importante…lo bueno es que Cuneiform anunció que prontamente lanzará más material audiovisual de esta banda.


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Si quedaron entusiasmados, les recomiendo totalmente los álbumes de este período: “Third” (1970) y “Four” (1971), además de cualquier disco en vivo de este cuarteto (…en realidad todas etapas de Soft Machine son buenas, pero en lo personal encuentro que ésta es la mejor).

La bella tristeza de Tindersticks

Al comunicarle a un amigo acerca de la existencia de este humilde blog, él me hizo una sugerencia acerca de uno de los grupos más auténticos y elegantes que surgieron en la escena británica de los 90`s: Tindersticks (¡gracias Alex por recordármelos y por el apoyo!). Al mismo tiempo me comunicó la noticia de su reciente disolución, cosa que lamento mucho de ser así, sobre todo por la magia y delicadeza de su particular sonido.

Tindersticks sin duda llegó desde Nottingham, por allá en 1991, para convertirse en uno de los más grandes exponentes del “pop adulto” que había sido demarcado por otros genios como Tom Waits, Leonard Cohen y Nick Cave. Le dio frescura a un movimiento de cantautores (pese a que ellos eran un grupo y no solistas) que buscaba transmitir sentimientos típicamente “oscuros” como la angustia, el abandono y la desesperación pero otorgándoles a la vez una importante cuota de aliento para salir adelante y sobreponerse a dichos estados anímicos. Al mismo tiempo, supieron darle a su sonoridad un toque de clasicismo por medio de una única mezcla de música de cámara acompañada de folk, rock tradicional y jazz, además del sello proporcionado por la inconfundible voz grave y trasnochada de su líder Stuart Staples.

Esta agrupación supo también mantenerse alejada pero a la vez lo suficientemente alineada con el ambiente indie inglés y el brit-pop, atrayendo la atención de los seguidores de uno y otro, lo cual logró no sólo con su música sino también con las introspectivas, obsesivas y hasta irónicas letras aportadas por Staples, sobre todo en sus primeros discos. Uno de aquellos es “The Second Tindersticks” (también conocido como “II”), editado en 1994; una obra maestra con pasajes orquestados brillantes que hacen recordar a ratos las baladas de grandes del vocal jazz como Tonny Bennett, Nat King Cole y Frank Sinatra, junto con la belleza murmurante y reposada del sonido que ha sido característico de esta banda europea.

Lo que les comparto hoy pertenece justamente a este álbum, a mi gusto uno de los más completos que he escuchado de Tindersticks (junto con el anterior, “I”, que siendo su trabajo debut fue declarado como disco del año por la prestigiosa revista Melody Maker). El tema seleccionado se titula “My Sister”, que posee una extraordinaria musicalización. En él colaboran Isabel Monteiro del grupo Drugstore con su susurrante voz, y Terry Edwards en los bronces; la agrupación la completan Al Macauley en batería, Dickon Hichcliffe en violín y guitarra, Dave Boulter en teclados, Neil Fraser en guitarra y, por supuesto, Stuart Staples en voz. Un dato adicional: en este álbum también colabora en la pieza central “Travelling Light” Carla Torgueson, vocalista del grupo estadounidense The Walkabouts, en un precioso dúo con Staples.

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My Sister

(Tindersticks)

Do you remember my sister? How many mistakes did she make with those never blinking eyes? I couldn't work it out. I swear she could read your mind, your life, the depths of your soul at one glance. Maybe she was stripping herself away, saying

Here I am, this is me

I am yours and everything about me, everything you see...

If only you look hard enough

I never could.

Our life was a pillow-fight. We'd stand there on the quilt, our hands clenched ready. Her with her milky teeth, so late for her age, and a Stanley knife in her hand. She sliced the tyres on my bike and I couldn't forgive her.

She went blind at the age of five. We'd stand at the bedroom window and she'd get me to tell her what I saw. I'd describe the houses opposite, the little patch of grass next to the path, the gate with its rotten hinges forever wedged open that Dad was always going to fix. She'd stand there quiet for a moment. I thought she was trying to develop the images in her own head. Then she'd say:

I can see little twinkly stars,

like Christmas tree lights in faraway windows.

Rings of brightly coloured rocks

floating around orange and mustard planets.

I can see huge tiger striped fishes

chasing tiny blue and yellow dashes,

all tails and fins and bubbles.

I'd look at the grey house opposite, and close the curtains.

She burned down the house when she was ten. I was away camping with the scouts. The fireman said she'd been smoking in bed - the old story, I thought. The cat and our mum died in the flames, so Dad took us to stay with our Aunt in the country. He went back to London to find us a new house. We never saw him again.

On her thirteenth birthday she fell down the well in our Aunt's garden and broke her head. She'd been drinking heavily. On her recovery her sight returned, a fluke of nature everyone said. That's when she said she'd never blink again. I would tell her when she started at me, with her eyes wide and watery, that they reminded me of the well she fell into. She liked this, it made her laugh.

She moved in with a gym teacher when she was fifteen, all muscles he was. He lost his job when it all came out, and couldn't get another one. Not in that kind of small town. Everybody knew everyone else's business. My sister would hold her head high, though. She said she was in love. They were together for five years until one day he lost his temper. He hit her over the back of the neck with his bullworker. She lost the use of the right side of her body. He got three years and was out in fifteen months. We saw him a while later, he was coaching a non-league football team in a Cornwall seaside town. I don't think he recognised her. My sister had put on a lot of weight from being in a chair all the time. She'd get me to stick pins and stub out cigarettes in her right hand. She'd laugh like mad because it didn't hurt. Her left hand was pretty good though. We'd have arm wrestling matches, I'd have to use both arms and she'd still beat me.

We buried her when she was 32. Me and my Aunt, the vicar, and the man who dug the hole. She said she didn't want to be cremated and wanted a cheap coffin so the worms could get to her quickly. She said she liked the idea of it, though I thought it was because of what happened to the cat and our mum

Como siempre les dejo el sitio web oficial del grupo.

Bugge Wesseltoft y su nueva mirada del Jazz

Como todos los fines de semana en que nos vemos, mi hermano mayor y yo nos permitimos un buen espacio para comentar de actualidad, hartas trivialidades y, por supuesto, también de música. Esta vez quedé gratamente sorprendido con algunos de sus descubrimientos más recientes en el campo del jazz contemporáneo...o algo que se le ha tendido a denominar future jazz. Entre ellos, resalto a un músico noruego que ha venido a integrar la escasa pero poderosa estirpe de connotados exponentes de ese país escandinavo; su nombre: Bugge Wesseltoft (¡gracias Marceliño!).

El disco enseñado en cuestión se denomina, al igual que el grupo de Wesseltoft, "New Conception of Jazz" (1997); un título un tanto pretencioso si pensamos que se trata del primer disco de este joven músico bastante desconocido por aquellos años de su edición y tomando en cuenta la enorme variedad de vertientes que hay dentro del amplio género del jazz. No obstante, a medida que uno escucha detenidamente la obra en su conjunto, uno empieza a convencerse de que hay algo de razón en esta nueva concepción, pues la mezcla de jazz tradicional con la electrónica y ritmos del Medio Oriente no había tenido hasta entonces quizás la fuerza y notoriedad que tiene hoy, salvo por algunos nombres como los franceses Ludovic Navarre (con su proyecto St. Germain) y Laurent Garnier, y el colectivo alemán Jazzanova; exponentes que en realidad se dedicaban más a explotar la electrónica (en especial la música house) con remezclas de sonidos jazzeados en vez de darle un toque de electrónica avant-garde al jazz, como ocurre con Bugge Wesseltoft.

Otra gracia que tiene este disco es que es tocado en su mayoría por instrumentos tradicionales del jazz, vale decir contrabajo, batería y piano (algo parecido a MMW, pero menos intensivo en las teclas), además de notables secciones de viento y sintetizadores que le dan a su sonido una mixtura única, con algunos pasajes muy espaciales y fantasmagóricos que hacen pensar que la banda estuviese intentando entablar algún contacto del tercer tipo. Como en muchas de las piezas de jazz contemporáneas, hay una cuota importante de minimalismo y trance que hacen entrever la influencia de grandes jazzistas como John Coltrane, Pharoah Sanders y el grupo Codona en sus trabajos más vanguardistas y místicos.

El tema que les muestro hoy de este excelente disco se llama "Poem"; una obra muy concreta que comienza con un juego percutivo de teclados tipo moog (incluyendo uno muy parecido a pelotazos de tenis) para dar pié a una suave melodía en piano que se repite varias veces como prólogo de unos asomos intermitentes de bajo eléctrico, sección de vientos y sintetizadores (nuevamente con unos beats "tenísticos" muy concretos) que luego en su conjunto marcan el compás de la pieza. Algo extraordinario sucede al introducirse la batería y el saxo con gran fuerza para ser acompañados de solos de trompeta hasta llegar a la cúspide de la obra en la cual se entremezclan todos los instrumentos, luego de la cual viene la calma con un teclado lejano muy etéreo que abre camino nuevamente al piano principal, junto a los sonidos percutivos del inicio, para irse apagando de a poco hasta el fin del tema.


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Invito principalmente a quienes no conocían este músico, al igual que yo, a seguir descubriéndolo por medio de su página web aquí.

GLO...un viaje hacia lo enigmático

Indagando entre las distintas formaciones del reconocido grupo multinacional Gong y las bandas derivadas de sus carismáticos músicos, me encontré hace algunos años con GLO ("Goddesses Love Oranges"); una agrupación que nació para completar la ruta natural que venía construyendo la gran familia Gong en el ámbito de la música espacial.

Para quienes han escuchado Gong en alguna oportunidad, se darán cuenta de su marcada influencia en GLO. Y no es para otra cosa, ya que GLO lo conforman nada más y nada menos que la legendaria cantante Gilli Smyth (fundadora de Gong junto a su marido y líder de la agrupación, el australiano Daevid Allen) y el multi-instrumentista Stephan Lewry (más conocido como Steffi Sharpstrings; guitarrista de Planet Gong y Here And Now). Pese a la presencia de este distintivo sonido gongiano, esta banda viene a desarrollar una especie de fusión entre éste y el ambient trance de principio de los noventas; algo que ha sido objeto de culto para muchos zippies hasta hoy y referente musical en las fiestas raves al aire libre (...bueno, no por nada GLO participó de estas festividades en el Whirligig de Londres, en el Bath Festival y en el Hanover Club en 1995).

El primer disco, y único hasta la fecha, que ha grabado este dúo se titula "Even As We" (1996). En él se plasma el misticismo de la inconfundible voz de Gilli con sus infaltables gemidos espaciales que transportan al oyente hacia los más enigmáticos paisajes mentales, al mismo tiempo que se despliegan notables sonoridades de los sintetizadores de Steffi, los cuales se pasean fluidamente desde el dub, el trance, el ambient y el drum & bass. Adicionalmente, estas sonoridades son reforzadas por la voz calma de ambos músicos, que a veces son distorsionadas con algunos efectos tipo "avión-jet" (algo que era muy utilizado por los DJs radiales cuando fusionaban sus temas en plena onda disco), a la vez que se remezclan algunos riffs característicos grabados en Gong por las guitarras de Steve Hillage y los saxos de Didier Malherbe. En definitiva, un álbum que de verdad considero magnífico y totalmente recomendable.

Como la mayoría de los proyectos paralelos a Gong, GLO termina fundiéndose en otro para terminar desapareciendo al poco tiempo. Es así como este dúo derivó en Goddess T (la "T" viene de trance), que se desarrolló en Australia y que incluyó en su formación a Orlando Allen en batería, Tony Wandella en bajo, Nick Spacetree en sintetizadores, Kavi en flauta y percusión, y FX Sonic Bloom (conocido también como Dr Tone) en efectos de sonido; en esta oportunidad ya no aparece Sharpstrings, pero sí continúa Smyth. Esta agrupación también ha editado un solo trabajo, el cual se registró en vivo en la fiesta de víspera de año nuevo de la Bahía de Byron en Australia al parecer en el cambio de 1997 a 1998; en dicho encuentro también colaboraron Daevid Allen (en voz y guitarra) y Taliesin (en congas). El resultado fue el disco denominado "Goddess Trance" (1998), y en él se desarrolla la misma línea musical que GLO pero con un énfasis mayor en el trance ambient, eso sí, con instrumentos de rock más tradicionales.

De cualquier forma, ambos proyectos Goddess son aconsejables.

El tema de rigor viene dado por "Walk the Streets", compuesto musicalmente por Steffi y escrito por Gilli, perteneciente al único álbum de GLO. Escuchen y los invito a que me den su opinión al respecto.


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Walk the Streets
(Sharpstrings / Smyth)

We walked through the streets as if they were snakes, but their skins never fell, and beneath gasped the children of our antiquity, the memory of our power.

We walked through the streets, we walked through the streets, like snakes with old scales, glued to our nakedness and tongues flicked into the oily syrup of air. the fear of vulnerability, the vulnerability of fear...

We walked through the streets as if we had always done so, and cold winds of forked tongues licked screams upon our lobes, perhaps our own.

The streets walked through us, and as we now gasped beneath water from our eyes washed our dead scales and the curled bone of a leather finger pointed to a moth, or perhaps the moon as the naked shadows of our indigina, our indigina, melted like alcohol into the wind...

The streets walked, the streets walked, and we rose off them like steam to curl onward, to forget.

And shells whispered spirals on the shores of our silence as the moons around our heart could be quiet no longer! they called, ullulated to their oceans, rivers, puddles, rains, clouds, blood, like a lobsters death cry, a planet cracking like an egg.

The sun cracked, the galaxy cracked, the universe scracked, curling our fingers of steam, with skins of leather, into embryos... and the streets ran, and the streets ran! shimmered, ran, shimmered, coiled, shimmered, steamed, into scales that fell like crystal tears, to shatter upon the earth, and become the mist it once was...

Father lies, mother cries, streetwise...


La vida, pasión y locura de la gran familia Gong y, por supuesto de GLO, la pueden descubrir en el sitio oficial de este fabuloso colectivo.

Tortoise...nuevamente lo hizo ("The Brave an The Bold")

Al tener un espacio para escribir sobre música, no puedo dejar de comentar acerca de una de las bandas más importantes en la actualidad de Chicago y de su movimiento post-rock; me refiero a Tortoise. Este grupo, que más bien responde a una especie de colectivo, representa uno de los referentes activos más emblemáticos para aquel movimiento de música de vanguardia, uno de los más interesantes de la última década. Al estudiar la historia musical del siglo pasado, uno se puede dar cuenta de que algo similar le ocurrió, por ejemplo, a Soft Machine con el rock canterburiano, y a Henry Cow con el Rock in Opposition (RIO), en donde cada una de estas bandas actuó como pivote del resto en su ambiente musical. En el caso de Tortoise, en torno a esta banda también gira una infinidad de otras por las cuales se pasean los músicos de la agrupación, tales como Eleventh Dream Day, The For Carnation, Pullman, Isotope 217, The Eternals, Chicago Underground, Bastro y The Sea and Cake, entre tantas otras. Todas con un sello distintivo pero al mismo tiempo con una identidad de movimiento.

El primer disco que escuché de ellos fue su debut, que simplemente se llama "Tortoise" (1994). Recuerdo haber quedado muy prendido (hasta ahora incluso) por su inusual sonido que amalgama algo de krautrock, dub, y groove con una importante cuota de experimentación. Dicha experimentación es quizás el sello de esta banda, donde uno descubre ese timbre típico de guitarra jazzera mezclada con electrónica, teclados ambient y ritmos afro-americanos; estos últimos provistos principalmente por el líder del colectivo y productor de multiples agrupaciones John McEntire.

La historia discográfica de Tortoise se representa por cerca de una decena de álbumes, los cuales han ido reflejando la evolución natural que ha tenido su sonido desde aquellos trabajos iniciales más experimentales, hasta los más electrónicos actuales pasando por los más jazzísticos. Los trabajos cumbres de este período vienen a ser los geniales "Millions Now Living Will Never Die" (1996) y "TNT" (1998). El último de sus discos, "The Brave and The Bold" (editado en enero de este año en conjunto con el cantante Bonnie 'Prince' Billy), ha dejado nuevamente a la crítica boquiabiertos por su calidad en arreglos e interpretación, aunque muchos podrían decir que no aporta mucho a su carrera pues se trata de un disco enfocado completamente a reversionar temas de otros artistas; pero es justamente ahí donde radica la gracia de este trabajo: en el repensar temas clásicos de otros músicos de renombre y llevarlos al sonido de Chicago. Entre los reversionados se hallan Bruce Springsteen, Elton John, Devo, Richard Thompson y Milton Nascimento. Lo que aporto hoy es el conocido tema "Cravo é Canela" de Nascimento, en sus dos versiones (el de Tortoise y el original editado en 1972 por el músico brasileño) para que se puedan comparar. Es notable la asimilación de los ritmos de Brasil por parte de los muchachos de Chicago y de la entereza de esa voz carraspeada aportada por Bonnie.

Aquí van. Primero la versión de Tortoise:

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Ahora la original de Milton Nascimento:


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Revisar la historia y carrera de esta banda es de sumo interés para quienes siguen de cerca las tendencias de Chicago. A modo referencial sugiero visitar la página oficial de Tortoise y revisar los grupos del sello Thrill Jockey.

HELDON - Stand Up

El rock progresivo tiene muchas variantes y estilos que giran en torno a una complejidad musical compositiva e interpretativa cercana a los cánones dictados por la música contemporánea. Dentro de estas variantes se pueden hallar polos bastantes opuestos entre sí, que van desde el ácido minimalismo electrónico por un lado hasta el frío metal virtuoso por otro. Entiendo que muchas de estas tendencias se explican y manifiestan según el sello localista que le imprimen sus músicos y que tiene mucho que ver con su idiosincrasia, mitología y folclor de su pueblo. Así, se tiene, por ejemplo, el rock progresivo francés, que se caracteriza por ser muy cerebral, de carácter filosófico, pero al mismo tiempo muy apasionado y catártico en el que muchos de sus exponentes desarrollan temas en el que su leimotiv de aparente calma desemboca en una carrera cuesta arriba hacia el clímax. Uno de los referentes en este sentido que más me ha atrapado últimamemente es el grupo Heldon.

Heldon es un interesante proyecto creado por el guitarrista e innovador compositor electrónico Richard Pinhas a principios de los 70's, y que inauguró su discografía con el álbum Electrique Guerilla (1974); una muestra primitiva que representa una mezcla de rock y música contemporánea entre viejos sintetizadores y guitarras eléctricas que ya hacían sospechar la línea conceptual que trabajaría este grupo en sus discos futuros: una fuerte apuesta por el minimalismo en que se desarrollan conceptos de repetición, temporalidad, material y procesos para generar cambios y aperturas a otros mundos. En palabras del propio Pinhas ofrecidas en una entrevista para la revista "Margen" de España: "Estoy muy interesado en los procesos de repetición porque te dan cierta percepción del elemento particular. No hay que olvidar que la buena repetición hace una diferencia y abre otro mundo, y la mala repetición te aprisiona en el hábito. Por lo que todo proceso de repetición es un proceso de dos caras, una que es revolucionaria y abre la mente, y la otra, la mala, que imposibilita el cambio." Esta concepción acerca de la repetición se manifiesta permanentemente en los discos de esta agrupación al mismo tiempo que en algunos se hacen claras referencias políticas, concretamente hacia temas como el movimiento estudiantil de Mayo del '68, o la acción del grupo terrorista alemán Baader-Meinhof.

Como se aprecia, la temática y expresión intelectual de Heldon (y Pinhas) llega a ser muy particular dentro de la escena del rock progresivo al ir por una línea más filosófica y social, a diferencia de otros exponentes que se inclinan más por el desarrollo de temas mitológicos.

Uno los discos que considero más sobresalientes de esta agrupación es Stand By (1979), último álbum en estudio en su período 70-80's considerado por muchos como el más completo de la banda, y que en la actualidad es publicado (al igual que toda la discografía de Heldon / Pinhas) por el sello de música de vanguardia Cuneiform Records. Este trabajo es interpretado por el trío clásico de Heldon que se mantuvo durante los últimos cuatro discos de la agrupación en aquella etapa: Richard Pinhas en guitarra y efectos electrónicos; Patric Gauthier en Moog y sintetizadores, y François Auger en batería. A ellos se suman el bajista Didier Batard y la colaboración del vocalista de Magma, Klaus Blasquiz. Este disco, que sólo contiene 3 temas (2 extensos y uno intermedio de corta duración), presenta desde piezas de guitarra bastante sucias y distorsionadas que se superponen de manera amenazante al sonido hardcore del bajo y la batería (acercándose a lo que se denominaría sonido "zeuhl" de la banda compatriota Magma), hasta algunos leves atisbos de típicos ritmos españoles que derivan en largos espacios de "improvisación" para desembocar en fuertes secuencias de pulsos electrónicos (algo parecido a lo que hacía Klaus Schulze en su "kosmiche" música espacial). El tema que en esta oportunidad comparto es el interludio que separa los dos temas largos de este disco y que se titula "Une Drôle de Journée", compuesto esta vez no por Pinhas sino por el tecladista Gauthier, y donde se reconoce al inicio del tema la inconfundible voz de Blasquiz.


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Al escuchar a Heldon es posible percatarse un poco por qué Pinhas, tanto en Heldon como solista y en sus posteriores proyectos musicales, se ha convertido en uno de los mayores exponentes de la música experimental en Francia y en una de las figuras clave del desarrollo del rock electrónico (sobre todo dentro de los lineamientos progresivos).

Espero comentar pronto algo de Pinhas solista, mientras tanto les dejo el sitio oficial de Heldon, que si bien no resalta por su estética, contiene información relevante acerca de este músico y su banda.

Link a web oficial de Heldon / Pinhas

¡Grande Bill!...Frisell, por supuesto

Bill Frisell es sin duda uno de los máximos exponentes de la guitarra en la escena del downtown neoyorquino (un extraordinario submundo musical que muy bien conoce y nos enseña nuestro amigo Julio en Música pa la piña). El timbre de su guitarra y su forma de tocarla es única e irrepetible, llevando con ella la improvisación a un nivel de absorción de nuestras mentes increíble. Su versatilidad le ha hecho ser cotizado por múltiples bandas y artistas tan diversos como Vernon Reid, Paul Bley, Wayne Horvitz, John Zorn, Elvis Costello, Marianne Faithfull, John Scofield, Suzanne Vega, Lyle Mays, Ginger Baker...y un largo etc etc.

Las obras de Frisell son de excelente factura, sorprendiéndonos siempre con la enorme variedad de estilos que abarca en sus discos (música contemporánea, avant-jazz, música para ballet, pop...); incluso sus guitarras, en su faceta de compositor, pueden ser escuchados en algunas películas como "Million Dollar Hotel" (de Wim Wenders), "Psycho" (de Gus van Sant) y en "Tales from the Farside" (de Gary Larson).

Recuerdo haber conocido a este músico al oirlo en el disco Naked City de John Zorn (ver comentarios en Música pa la piña), transmitido, sospecho que por primera vez en Chile, en un programa radial de gran aporte que se emitía a inicios de los 90's en la querida Radio Beethoven; a saber, este programa se llamaba "Interfase". Desde aquel momento ha sido imposible desprenderme de su escucha. Para aquél que no esté familiarizado con su música, se recomienda partir con algunos trabajos más soft como su último disco llamado "East / West", editado el año pasado por el sello Nonesuch. Este álbum es doble en vivo, y concentra gran parte de las obras más representativas de este genio. El CD1 es una grabación en el club Yochi's en Oakland, CA (lado Oeste de EEUU), mientras que el CD2 corresponde a una presentación en el prestigioso Village Vanguard de Nueva York (lado Este de EEUU). Frisell, en ambos conciertos, se hace acompañar por músicos de gran calibre como el baterista Kenny Wollesen (colaborador frecuente del guitarrista), Viktor Krauss y Tony Scherr en bajo para las grabaciones de Oakland y Nueva York, respectivamente. Como costumbre, presento como muestra un botón: el tema que da inicio a este álbum, llamado "I Heard It Through the Grapevine"; por si les parece conocido, se trata del famoso tema compuesto por Norman Whitfield y Barrett Strong, y que popularizara el malogrado cantante Marvin Gaye al agregarle sus letras...tanto aquella como la que les presento son versiones exquisitas.

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Si este disco doble se hace poco, existe una versión de estas presentaciones llamado "Further East / Further West", que nos entrega aquellos temas no aparecidos en "East / West".

Link a sitio oficial de Bill Frisell (no confundir la foto del home...no es Robert Fripp)

Sonido del futuro

Recuerdo haber visto en un canal por cable, hace 9 o 10 años atrás, un documental acerca del fenómeno cultural que se desenvolvía alrededor de las nuevas tendencias de la música electrónica. Era la época en que en Europa y EEUU este movimiento estaba tomando su punto de inflexión que diferenciaba su música como concepto (como estilo de vida) de su música como moda (que es la banalización actual), mientras en Chile recién empezaba a trascender como lo primero a través de las fiestas raves que comenzaban a realizarse acá (lógicamente ya alcanzamos la segunda etapa desde el momento que curiosos personajes como Jennifer Warner, Kenita Larraín, Hermanitas Campos ¡promocionaban estos encuentros!). Una de las vertientes que más me llamó la atención por entonces tanto en ese documental como en esas primeras fiestas (sobre todo Earthdance'98) fue el progressive techno: un estilo bastante complejo y evolutivo que se caracterizaba por la mezcla de la electrónica de los ochentas (con una fuerte base en Detroit), beats sintetizados de electro-funk, dubs, pop y todo tipo de música exótica (sobre todo Oriental). Con el tiempo este estilo empezó a desdoblarse en otras derivaciones hacia el ambient, el hardcore y el jungle. Uno de los conjuntos que más me cautivó en este contexto musical fue The Future Sound of London (FSOL), cuyo estilo fue denominado en ocasiones como intelligent progressive techno (me imagino que por sus intrincados lineamientos sonoros).

FSOL, conformado en Londres por Garry Cobain y Brian Dougans, es uno de los dúos más interesantes que hayan surgido dentro de la electrónica de los noventas, adquiriendo notoriedad por las verdaderas obras maestras que surgían de sus complejas remezclas hechas de Vangelis, Jon Anderson, Ozric Tentacles, David Sylvian, y Robert Fripp (en algunos discos Fripp colabora directamente con ellos). Esta agrupación no sólo abordó la experimentación de la música en sí, sino también del medio donde la reproducían (fueron uno de los primeros, sino el primer grupo, en transmitir un concierto suyo por Internet, cuando la web estaba recién empezando su fase de masificación). Uno de los discos claves de FSOL, y quizás su peak, es Dead Cities (1996), donde llevan al extremo el concepto de remezcla de laboratorio (tardaron cerca de dos años en construir los temas), por ello su interpretación en vivo se torna prácticamente imposible. Aún así, el espíritu de este álbum es verdaderamente fenomenal, transmitiéndonos un cúmulo de sensaciones que van desde una intensa violencia otorgada por el tema que le da título al disco, hasta una bella calma generada por la atmoférica "Antique Toy". El tema que comparto es el primer single que editó el sello discográfico Astralwerks para este trabajo: My Kingdom; una obra fascinante que entremezcla diversas sonoridades con unos beats invertidos (similar a como lo hacía Robert Fripp con su "frippertronics" al invertir los sonidos de su guitarra). El manejo de los samplers evoluciona desde el misticismo de unos instrumentales orientales que da pié a una carrera rítmica, el que proteje la melodía de unas "flautas" que se asoman intermitentemente a lo largo de todo el tema, para finalizar con una hermosa voz femenina (un tributo a Vangelis, representado por la remezcla del tema "Rachel's Song" inserto en el soundtrack del filme de Ridley Scott de 1982 "Blade Runner").

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Los álbumes de FSOL posteriores a los noventas no han alcanzado los niveles de sus predecesores, sin embargo, no dejan de ser buenos. En esta nueva etapa han mirado más hacia los sonidos hindúes con fuertes reminiscencias a los trabajos de George Harrison en plenos setentas. Un deleite para los actuales zippies.

Link a sitio web oficial de FSOL.
Link a sitio de fans de FSOL.

La mágica orquesta amarilla

Desde hace algunos meses vengo escuchando una banda japonesa que para mí ha sido un total descubrimiento dentro del sonido electrónico de fines de los setenta y principio de los ochenta: Yellow Magic Orchestra. Por lo que he percibido, quizás sea una de las agrupaciones niponas más importantes de la historia de la música Pop. Este trio se conformó en 1978 por Yukihiro Takahashi, Haruomi Hosono, y Ryuichi Sakamoto (sí, el mismo de las bandas sonoras de "Furyo" - film de Nagisa Oshima, de 1983 - , donde protagoniza David Bowie, y de "The Last Emperor" - dirigida por Bernardo Bertolucci, de 1987 -, donde coescribió las partituras junto con David Byrne y Cong Su).

Una de las gracias que tiene este grupo es que mezcla de una manera muy original influencias de la música de los alemanes Kraftwerk (bueno, hasta el día de hoy abstraerse de su peso musical es inevitable dentro de la electrónica) y la música tradicional japonesa llamada Okinawa. El álbum que más he degustado últimamente de ellos se titula Technodelic, editado en 1981(!!), y para mí es una obra maestra dentro de estea vertiente, donde recrean diversos parajes del Oriente (y también del Occidente) que nos hacen pasear por sensaciones diversas. Cuando lo escucho, sobre todo el tema Gradated Grey, me hace recordar aquellos programas especiales que se hacían acerca del boom económico, tecnológico y social que sufría Japón en los 80's (producción en masa, JIT y esas cosas); nada de raro que en Mundo 86 o espacios por el estilo hayan utilizado efectivamente su música como fondo de los reportajes.

Con todo, al poner atención a la historia de este grupo, queda claro que fueron los precursores de la música de los video-juegos japoneses, la música manga y de la electrónica oriental con miras hacia el Viejo Mundo y el Nuevo (mitad anglosajona, claro está), a la cual fueron capaces de añadir una cuota de humor con revisiones de temas como "Day Tripper" de los Beatles (extraordinaria versión en el disco Solid State Survivor, de 1979) y las recurrentes referencias a las secuencias de sintetizadores y cajas rítmicas de Kraftwerk, convirtiendo sus maniquíes en simples juegos infantiles.


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Gradated Grey
(Barakan / Hosono)

My car radios playing a song
That makes me feel very strange
It's taken so long
Through the gradation of the grey scale

A landscape like I've never seen
As far as my eyes can see
Out on the road
I've seen so many shades, shades of grey

Now I'm back in the tunnel again

Every minute, every second
I can feel it getting closer

Speeding ahead
To where grey meets white


No está demás recomendar a Ryuichi Sakamoto en su destacadísima labor como solista. Espero comentar alguna obra suya dentro de poco.