GLO...un viaje hacia lo enigmático

Indagando entre las distintas formaciones del reconocido grupo multinacional Gong y las bandas derivadas de sus carismáticos músicos, me encontré hace algunos años con GLO ("Goddesses Love Oranges"); una agrupación que nació para completar la ruta natural que venía construyendo la gran familia Gong en el ámbito de la música espacial.

Para quienes han escuchado Gong en alguna oportunidad, se darán cuenta de su marcada influencia en GLO. Y no es para otra cosa, ya que GLO lo conforman nada más y nada menos que la legendaria cantante Gilli Smyth (fundadora de Gong junto a su marido y líder de la agrupación, el australiano Daevid Allen) y el multi-instrumentista Stephan Lewry (más conocido como Steffi Sharpstrings; guitarrista de Planet Gong y Here And Now). Pese a la presencia de este distintivo sonido gongiano, esta banda viene a desarrollar una especie de fusión entre éste y el ambient trance de principio de los noventas; algo que ha sido objeto de culto para muchos zippies hasta hoy y referente musical en las fiestas raves al aire libre (...bueno, no por nada GLO participó de estas festividades en el Whirligig de Londres, en el Bath Festival y en el Hanover Club en 1995).

El primer disco, y único hasta la fecha, que ha grabado este dúo se titula "Even As We" (1996). En él se plasma el misticismo de la inconfundible voz de Gilli con sus infaltables gemidos espaciales que transportan al oyente hacia los más enigmáticos paisajes mentales, al mismo tiempo que se despliegan notables sonoridades de los sintetizadores de Steffi, los cuales se pasean fluidamente desde el dub, el trance, el ambient y el drum & bass. Adicionalmente, estas sonoridades son reforzadas por la voz calma de ambos músicos, que a veces son distorsionadas con algunos efectos tipo "avión-jet" (algo que era muy utilizado por los DJs radiales cuando fusionaban sus temas en plena onda disco), a la vez que se remezclan algunos riffs característicos grabados en Gong por las guitarras de Steve Hillage y los saxos de Didier Malherbe. En definitiva, un álbum que de verdad considero magnífico y totalmente recomendable.

Como la mayoría de los proyectos paralelos a Gong, GLO termina fundiéndose en otro para terminar desapareciendo al poco tiempo. Es así como este dúo derivó en Goddess T (la "T" viene de trance), que se desarrolló en Australia y que incluyó en su formación a Orlando Allen en batería, Tony Wandella en bajo, Nick Spacetree en sintetizadores, Kavi en flauta y percusión, y FX Sonic Bloom (conocido también como Dr Tone) en efectos de sonido; en esta oportunidad ya no aparece Sharpstrings, pero sí continúa Smyth. Esta agrupación también ha editado un solo trabajo, el cual se registró en vivo en la fiesta de víspera de año nuevo de la Bahía de Byron en Australia al parecer en el cambio de 1997 a 1998; en dicho encuentro también colaboraron Daevid Allen (en voz y guitarra) y Taliesin (en congas). El resultado fue el disco denominado "Goddess Trance" (1998), y en él se desarrolla la misma línea musical que GLO pero con un énfasis mayor en el trance ambient, eso sí, con instrumentos de rock más tradicionales.

De cualquier forma, ambos proyectos Goddess son aconsejables.

El tema de rigor viene dado por "Walk the Streets", compuesto musicalmente por Steffi y escrito por Gilli, perteneciente al único álbum de GLO. Escuchen y los invito a que me den su opinión al respecto.


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Walk the Streets
(Sharpstrings / Smyth)

We walked through the streets as if they were snakes, but their skins never fell, and beneath gasped the children of our antiquity, the memory of our power.

We walked through the streets, we walked through the streets, like snakes with old scales, glued to our nakedness and tongues flicked into the oily syrup of air. the fear of vulnerability, the vulnerability of fear...

We walked through the streets as if we had always done so, and cold winds of forked tongues licked screams upon our lobes, perhaps our own.

The streets walked through us, and as we now gasped beneath water from our eyes washed our dead scales and the curled bone of a leather finger pointed to a moth, or perhaps the moon as the naked shadows of our indigina, our indigina, melted like alcohol into the wind...

The streets walked, the streets walked, and we rose off them like steam to curl onward, to forget.

And shells whispered spirals on the shores of our silence as the moons around our heart could be quiet no longer! they called, ullulated to their oceans, rivers, puddles, rains, clouds, blood, like a lobsters death cry, a planet cracking like an egg.

The sun cracked, the galaxy cracked, the universe scracked, curling our fingers of steam, with skins of leather, into embryos... and the streets ran, and the streets ran! shimmered, ran, shimmered, coiled, shimmered, steamed, into scales that fell like crystal tears, to shatter upon the earth, and become the mist it once was...

Father lies, mother cries, streetwise...


La vida, pasión y locura de la gran familia Gong y, por supuesto de GLO, la pueden descubrir en el sitio oficial de este fabuloso colectivo.

KINSKI...o cómo tocar en las montañas

Hace un tiempo unos amigos de una disquería me recomendaron un grupo que ha sido una total sorpresa para mí y que ha revitalizado mi más dormido interés por el heavy rock de los setentas, con todo el respeto que se merecen y les he tenido siempre a sus intérpretes. Se trata de unos chicos de Seattle que realizan una suerte de mezcla del más intenso y tradicional rock duro de aquella década con lo más experimental del sonido noise de los 90's. Hablo de Kinski.

Indagando y escuchando más acerca de Kinski, me entero que esta banda se forma en 1998 a partir de una entusiasta conversación entre sus miembros acerca de qué formato de grabación tiene más meritos, el análogo o el digital (...¿qué melómano no ha tenido alguna vez una discusión al respecto?). La conclusión en esa oportunidad fue unánime a favor del sonido análogo y desde ese entonces estos músicos se han empecinado en demostrar aquello por medio de la espontaneidad, crudeza y sinceridad que caracteriza sus grabaciones, las cuales son registradas de corrido con el objeto de no manipular digitalmente el sonido. Pese a ello, la calidad interpretativa de estos chicos les hace alejarse bastante del concepto de low-fi, que es el extremo cuando nos referimos al deseo de registrar de la forma más pura el momento en que se toca y que tiene a otros exponentes entre sus filas.

El primer álbum de Kinski se titula "Space Launch for Frenchie" y fue editado un año más tarde de la formación del grupo, el cual parece más bien un EP que un LP por su corta duración. En esta oportunidad plasmaron un sonido muy noise-rock con algunos toques espaciales de una manera bastante original, rememorando un poco los trabajos de los neoyorquinos Sonic Youth. Por ese entonces la formación estaba constituida por el guitarrista Chris Martin (no confundir con el sobrexpuesto vocalista de Coldplay), la bajista Lucy Atkinson y el baterista Dave Weeks. La búsqueda de una mayor identidad en su sonido les hizo incorporar a un músico de apoyo para sus presentaciones en vivo, el multi-instrumentista Matthew Reid Schwartz, quien al poco andar pasó a formar parte oficial de la banda al impactar de lleno con sus guitarras, teclados y flautas en las texturas que le otorgaba a las nuevas composiciones.

Este nuevo sonido de Kinski, que ha ido creciendo en estos años, se consolida con su último disco editado hasta ahora: "Alpine Static" (2005; sello Sub Pop); en él se refleja una crudeza e intensidad visceral que abre paso entre los ritmos fuertes y duros a la experimentación, como también nos hace una invitación a la calma y a la meditación con temas como "All Your Kids Have Turned to Static" y "Waka Nusa". De esta forma, nos acercan a varios géneros que hace difícil su clasificación musical (¿power rock?, ¿space rock?, ¿stoner rock?...¿postrock?). Con todo, lo claro que queda de este trabajo es que no pasa indiferente para quien lo escucha, dejando la sensación de que quien lo interpreta es una agrupación que puede aportar mucho a la renovación del sonido hard rock.

Lo que les comparto hoy es justamente una pieza de este último álbum titulada "The Party Which You Know Will Be Heavy", el que creo representa uno de los puntos más altos del disco.


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Como de costumbre, dejo el link a la página oficial del grupo: Kinski.

¿ART ZOYD: música contemporánea o rock progresivo?

Una vez que ya comencé a hablar de rock progresivo francés con Heldon, creo lógico continuar haciéndolo con otro de sus cultores más complejos y únicos: Art Zoyd. Este grupo, representa para el rock progresivo lo que fue Béla Bartók para la música contemporánea...o más bien podría decirse que es como imaginarse a Béla tocando rock progresivo. En muchas ocasiones se ha denominado a su estilo como "rock de cámara", tratando de congraciar en un único concepto lo que representan la música contemporánea del siglo XX y el art rock.

Acá va un poco de historia de sus orígenes. Art Zoyd nació a fines de la década de los 60`s bajo el alero del guitarrista Rocco Fernandez, quien tocaba una exuberante guitarra de tres brazos que hacía ver a Jimmy Page un chiste. La banda por ese entonces se hacía llamar Experimental Music, un nombre que si bien reflejaba su intención musical, no era lo suficientemente atractivo para el público. En este período sus influencias eran principalmente el rock de Zappa y su apadrinado Captain Beefhart; sin embargo, con la incorporación a la banda de los geniales músicos y compositores Gérard Hourbette y Thierry Zaboitzeff, su línea musical giró definitivamente hacia la música docta. Esto se refleja desde la edición de su primer disco oficial como Art Zoyd (ya sin Rocco), "Symphonie Pour le Jour Ou Bruleront les Cités" (1976), donde manifiestan todos los ingredientes de su sonido dentro de esta primera década: una inusual instrumentación acústica para una "banda de rock" de esa época (violín, cello, piano y trompeta, más guitarra, bajo y percusión); atmósferas oscuras y fantasmagóricas; y una mezcla única de rock con música contemporánea, comparables sólo con sus compinches Magma y Univers Zero. Todos estos agregados iban acompañados de un fuerte planteamiento de orden estético y ético que los posicionaba como uno los máximos opositores del mainstream, por cuanto el descarnado interés monetario que dominaba a los géneros populares los hacía carecer fundamentalmente de un rol creativo; esta manifestación, derivada principalmente de la otrora contracultura de los sesenta, generó incluso un "manifiesto Zoydiano".

El quehacer de este conjunto los ha llevado a transformarse desde una banda precursora del rock de cámara (o "chamber progressive rock") a un colectivo de art rock donde no sólo dan cabida a la música, sino también a la danza, el teatro, el cine y algunas performances conceptuales bastante interesantes, como la opereta "Armageddon", del año 2004, que es interpretada por unos robots mientras se proyecta material audiovisual y donde el libreto corresponde a unos apócrifos bíblicos (...o sea, estos músicos/artistas no se andan con pequeñeces). En más de tres décadas de actividad, han atravesado por Art Zoyd un número importante de integrantes como Jean Pierre Soarez (trompeta), Alain Eckert (guitarra), Franck Cardon (violín), los saxofonistas Gilles Renard y Didier Pietton, la percusionista Mireille Bauer, y el pianista Thierry Willems, entre tantos otros. El vínculo con los belgas de Univers Zero para una serie de conciertos también propició las colaboraciones posteriores de instrumentistas como André Mergenthaler (cello, saxo alto), Michel Berckmans (oboe, fagot) y sobre todo el baterista Daniel Denis, quien le dió un gran impulso percutivo y rítmico al sonido zoydiano.

Para quienes se interesan en el séptimo arte, pueden descubrir la música de Art Zoyd en la musicalización de clásicas películas del expresionismo alemán tales como "Nosferatu" (álbum editado en 1989), "Faust" (1995), "Haxan" (1997) y "Metropolis" (2002), basados en las cintas homónimas de Murnau, Christensen y Lang.

El tema que les comparto a continuación es una pequeña muestra del álbum en vivo "Berlin", editado en 1987, y se denomina "Unsex me here", track que cierra el disco y compuesto por Zaboitzeff. Este trabajo pertenece a un período del colectivo que se caracteriza por la utilización de reproducciones de grabaciones magnetofónicas sincronizadas con las intervenciones de los músicos, quienes alternaban entre la instrumentación acústica y la electrónica. Como dato adicional les señalo que las letras de este trabajo son extractos de "Macbeth", la obra universal de William Shakespeare. La notable alineación que interpreta en este disco es:

• Patricia Dallio: pianos, teclados
• Gérard Hourbette: viola, violin, pianos, teclados, percusión
• André Mergenthaler: cello, sax alto, bajo, voz
• Thierry Zaboitzeff: cello, bajo, voz, cintas, teclados, percusión

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Como sugerencia les dejo el link al sitio oficial de Art Zoyd para que conozcan más acerca de este colectivo.

Tortoise...nuevamente lo hizo ("The Brave an The Bold")

Al tener un espacio para escribir sobre música, no puedo dejar de comentar acerca de una de las bandas más importantes en la actualidad de Chicago y de su movimiento post-rock; me refiero a Tortoise. Este grupo, que más bien responde a una especie de colectivo, representa uno de los referentes activos más emblemáticos para aquel movimiento de música de vanguardia, uno de los más interesantes de la última década. Al estudiar la historia musical del siglo pasado, uno se puede dar cuenta de que algo similar le ocurrió, por ejemplo, a Soft Machine con el rock canterburiano, y a Henry Cow con el Rock in Opposition (RIO), en donde cada una de estas bandas actuó como pivote del resto en su ambiente musical. En el caso de Tortoise, en torno a esta banda también gira una infinidad de otras por las cuales se pasean los músicos de la agrupación, tales como Eleventh Dream Day, The For Carnation, Pullman, Isotope 217, The Eternals, Chicago Underground, Bastro y The Sea and Cake, entre tantas otras. Todas con un sello distintivo pero al mismo tiempo con una identidad de movimiento.

El primer disco que escuché de ellos fue su debut, que simplemente se llama "Tortoise" (1994). Recuerdo haber quedado muy prendido (hasta ahora incluso) por su inusual sonido que amalgama algo de krautrock, dub, y groove con una importante cuota de experimentación. Dicha experimentación es quizás el sello de esta banda, donde uno descubre ese timbre típico de guitarra jazzera mezclada con electrónica, teclados ambient y ritmos afro-americanos; estos últimos provistos principalmente por el líder del colectivo y productor de multiples agrupaciones John McEntire.

La historia discográfica de Tortoise se representa por cerca de una decena de álbumes, los cuales han ido reflejando la evolución natural que ha tenido su sonido desde aquellos trabajos iniciales más experimentales, hasta los más electrónicos actuales pasando por los más jazzísticos. Los trabajos cumbres de este período vienen a ser los geniales "Millions Now Living Will Never Die" (1996) y "TNT" (1998). El último de sus discos, "The Brave and The Bold" (editado en enero de este año en conjunto con el cantante Bonnie 'Prince' Billy), ha dejado nuevamente a la crítica boquiabiertos por su calidad en arreglos e interpretación, aunque muchos podrían decir que no aporta mucho a su carrera pues se trata de un disco enfocado completamente a reversionar temas de otros artistas; pero es justamente ahí donde radica la gracia de este trabajo: en el repensar temas clásicos de otros músicos de renombre y llevarlos al sonido de Chicago. Entre los reversionados se hallan Bruce Springsteen, Elton John, Devo, Richard Thompson y Milton Nascimento. Lo que aporto hoy es el conocido tema "Cravo é Canela" de Nascimento, en sus dos versiones (el de Tortoise y el original editado en 1972 por el músico brasileño) para que se puedan comparar. Es notable la asimilación de los ritmos de Brasil por parte de los muchachos de Chicago y de la entereza de esa voz carraspeada aportada por Bonnie.

Aquí van. Primero la versión de Tortoise:

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Ahora la original de Milton Nascimento:


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Revisar la historia y carrera de esta banda es de sumo interés para quienes siguen de cerca las tendencias de Chicago. A modo referencial sugiero visitar la página oficial de Tortoise y revisar los grupos del sello Thrill Jockey.

HELDON - Stand Up

El rock progresivo tiene muchas variantes y estilos que giran en torno a una complejidad musical compositiva e interpretativa cercana a los cánones dictados por la música contemporánea. Dentro de estas variantes se pueden hallar polos bastantes opuestos entre sí, que van desde el ácido minimalismo electrónico por un lado hasta el frío metal virtuoso por otro. Entiendo que muchas de estas tendencias se explican y manifiestan según el sello localista que le imprimen sus músicos y que tiene mucho que ver con su idiosincrasia, mitología y folclor de su pueblo. Así, se tiene, por ejemplo, el rock progresivo francés, que se caracteriza por ser muy cerebral, de carácter filosófico, pero al mismo tiempo muy apasionado y catártico en el que muchos de sus exponentes desarrollan temas en el que su leimotiv de aparente calma desemboca en una carrera cuesta arriba hacia el clímax. Uno de los referentes en este sentido que más me ha atrapado últimamemente es el grupo Heldon.

Heldon es un interesante proyecto creado por el guitarrista e innovador compositor electrónico Richard Pinhas a principios de los 70's, y que inauguró su discografía con el álbum Electrique Guerilla (1974); una muestra primitiva que representa una mezcla de rock y música contemporánea entre viejos sintetizadores y guitarras eléctricas que ya hacían sospechar la línea conceptual que trabajaría este grupo en sus discos futuros: una fuerte apuesta por el minimalismo en que se desarrollan conceptos de repetición, temporalidad, material y procesos para generar cambios y aperturas a otros mundos. En palabras del propio Pinhas ofrecidas en una entrevista para la revista "Margen" de España: "Estoy muy interesado en los procesos de repetición porque te dan cierta percepción del elemento particular. No hay que olvidar que la buena repetición hace una diferencia y abre otro mundo, y la mala repetición te aprisiona en el hábito. Por lo que todo proceso de repetición es un proceso de dos caras, una que es revolucionaria y abre la mente, y la otra, la mala, que imposibilita el cambio." Esta concepción acerca de la repetición se manifiesta permanentemente en los discos de esta agrupación al mismo tiempo que en algunos se hacen claras referencias políticas, concretamente hacia temas como el movimiento estudiantil de Mayo del '68, o la acción del grupo terrorista alemán Baader-Meinhof.

Como se aprecia, la temática y expresión intelectual de Heldon (y Pinhas) llega a ser muy particular dentro de la escena del rock progresivo al ir por una línea más filosófica y social, a diferencia de otros exponentes que se inclinan más por el desarrollo de temas mitológicos.

Uno los discos que considero más sobresalientes de esta agrupación es Stand By (1979), último álbum en estudio en su período 70-80's considerado por muchos como el más completo de la banda, y que en la actualidad es publicado (al igual que toda la discografía de Heldon / Pinhas) por el sello de música de vanguardia Cuneiform Records. Este trabajo es interpretado por el trío clásico de Heldon que se mantuvo durante los últimos cuatro discos de la agrupación en aquella etapa: Richard Pinhas en guitarra y efectos electrónicos; Patric Gauthier en Moog y sintetizadores, y François Auger en batería. A ellos se suman el bajista Didier Batard y la colaboración del vocalista de Magma, Klaus Blasquiz. Este disco, que sólo contiene 3 temas (2 extensos y uno intermedio de corta duración), presenta desde piezas de guitarra bastante sucias y distorsionadas que se superponen de manera amenazante al sonido hardcore del bajo y la batería (acercándose a lo que se denominaría sonido "zeuhl" de la banda compatriota Magma), hasta algunos leves atisbos de típicos ritmos españoles que derivan en largos espacios de "improvisación" para desembocar en fuertes secuencias de pulsos electrónicos (algo parecido a lo que hacía Klaus Schulze en su "kosmiche" música espacial). El tema que en esta oportunidad comparto es el interludio que separa los dos temas largos de este disco y que se titula "Une Drôle de Journée", compuesto esta vez no por Pinhas sino por el tecladista Gauthier, y donde se reconoce al inicio del tema la inconfundible voz de Blasquiz.


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Al escuchar a Heldon es posible percatarse un poco por qué Pinhas, tanto en Heldon como solista y en sus posteriores proyectos musicales, se ha convertido en uno de los mayores exponentes de la música experimental en Francia y en una de las figuras clave del desarrollo del rock electrónico (sobre todo dentro de los lineamientos progresivos).

Espero comentar pronto algo de Pinhas solista, mientras tanto les dejo el sitio oficial de Heldon, que si bien no resalta por su estética, contiene información relevante acerca de este músico y su banda.

Link a web oficial de Heldon / Pinhas