Ka-Spel & Silverman, una odisea maravillosa por el fin del mundo
Hoy estamos felices y de retorno en esta Corriente Alterna. Las fuerzas y el espacio de tiempo para escribir en esta oportunidad se han generado por sí solos a raíz de un cálido suceso musical y, por supuesto, personal. Se trata de la visita que acaban de realizar a nuestro país los tremendos maestros Edward Ka-Spel y Phil Knight (alias Silverman).
Fundadores de la extraordinaria y prolífica banda anglo-holandesa The Legendary Pink Dots (LDP), creadora de uno de los sonidos más auténticos en la historia musical de las últimas 3 décadas donde exploran elementos de la neo-sicodelia, la experimentación, el ambient y el synth pop, entre otros, estos músicos agarraron maletas y equipos para tomar una pausa en su actividad con la banda y realizar una verdadera aventura en estas lejanas tierras al extremo sur del orbe.
Invitados por nuestros connacionales Un Festín Sagital (impresionante grupo de RIO que se autodescribe como "una banda psico-experimental dispuestos a desgarrar tu sensatez"), Ka-Spel y Silverman cruzaron continente completo desde San Francisco, EE.UU., hasta Santiago sólo para tocar en Chile y de ahí retornar al hemisferio norte luego de una breve pero intensa agenda musical que incluyó paradas en el Bar Laduana (Valparaíso), El Living (Santiago) y Blondie (Santiago) los días 29 de noviembre, 30 de noviembre y 1 de diciembre, respectivamente. La iniciativa de esta mini-gira surgió de un hecho fortuito cuando MichelLeroy (compositor de Un Festín Sagital) había sido invitado a EE.UU. para estrechar lazos dentro del circuito del sello Beta-Lactam Ring Records (donde pertenecen su banda y los mismos LDP); por problemas de aprobación de su visa, Leroy no pudo viajar y ante esto, entonces, el músico chileno invirtió el camino convocando a los ingleses a venir hasta acá…¡y vaya que se le agradece!
Pese a la baja concurrencia de público en cada jornada, Ka-Spel y Silverman supieron entregar lo mejor de su música haciendo una selección precisa y variada de su extensa discografía entre un show y otro, y mantener siempre cautivos a sus seguidores que se hacían cada vez más incondicionales tanto por la riqueza sonora de sus obras como por su carisma y calidez humana que entregaban antes, durante y después de sus presentaciones compartiendo libre y distendidamente con ellos. Con escenografías sobrias y minimalistas, propiciaban una atmósfera única en que la increíble voz de Ka-Spel y el alucinante teclado de Silverman formaban un único cuerpo orgánico que a veces se movía cadenciosamente y otras con espasmos viscerales que estremecían a gusto la mente de los oyentes. Hubo interpretaciones de piezas solistas de cada uno como también de los LDP, de las cuales destacaron algunas como "Just a Lifetime", "Third Eye", "Belladona", "The Grain Kings" y en especial una versión muy hardcore de "Hellsville" junto a la participación de un saxo y una guitarra acústica a cargo de miembros de Un Festín Sagital que hizo recordar a ratos el sonido del downtown neoyorquino comandada por John Zorn mezclada con una sólida base rítmica que emanaba de los sintetizadores de Silverman.
La oportunidad de compartir con músicos chilenos (uno de los objetivos principales de su venida a nuestro país) se fue concretando en cada una de las jornadas en que se presentaron, sobre todo en la realizada en el Bar Laduana de Valparaíso, donde tocaron también Círculo 6, E-Men, Banco Mundial, Dayanandrea, Colectivo No y, por supuesto, Un Festín Sagital; todos dejando en claro que acá también existe una escena importante ligada a la neo-sicodelia y el avant-gard. Crucemos los dedos para que de estas jornadas salga a edición algún álbum o un trabajo audiovisual en DVD.
En definitiva, se trató de un ciclo de clases magistrales dictados por estos dos genios donde dejaron nos enseñaron por qué son uno de los músicos más importantes de la actualidad y, el por qué su estilo y carisma generan tanta afinidad con sus seguidores.
Como muestra de la visita de estos músicos les dejo algunas fotografías y un par de temas de Ka-Spel y Silverman juntos.
Video 1
Video 2
Aprovecho la oportunidad de reiterar mis agradecimientos a Michel, Claudio, Gonzalo y todos los amigos que hicieron posible la venida de estos grandes músicos y, por supuesto, a ellos mismos…los legendarios Edward y Phil.
Ka-Spel & Silverman, a wonderful odyssey to the end of the world
Today we are happy and return in this Corriente Alterna blog. The forces of time and space to write on this occasion have been generated for themselves after a warm and musical event, and of course, for a personal reason too. This is the visit to our country made by the tremendous teacher Edward Ka-Spel and Phil Knight (aka Silverman).
Founders of the extraordinary and prolific Anglo-Dutch band The Legendary Pink Dots (LDP), creators of one of the most authentic sounds in the musical history of the last 3 decades where they explores elements of the neo-sicodelia, experimentation, ambient and synth pop, among others, these musicians grabbed suitcases and equipment to take a pause in their activities with the band and make a genuine excitement in these distant lands in the south end of the world.
Invited by our compatriots Un Festín Sagital (RIO impressive group that autodescribe as a "psycho-experimental band willing to rip your wisdom"), Ka-Spel and Silverman crossed continent from San Francisco, USA, to Santiago only for playing in Chile and then come back to the northern hemisphere after a brief but intense musical agenda that included stops at the Bar Laduana (Valparaiso), The Living (Santiago) and Blondie (Santiago) on November 29, November 30 and 1 December, respectively. The initiative of this mini-tour came from a fortuitous event when Michel Leroy (composer Festín Sagital) had been invited to the U.S. to strengthen ties within the circuit of the stamp Beta-Lactam Ring Records (where his band members and the same LDP), because problems for approval of his visa, Leroy was unable to travel so before that, then, the chilean musician spent the way calling the British to come up here ... and so we are very grateful!
Despite the low attendance of the public each day, Ka-Spel and Silverman were able to deliver the best of their music making an accurate and varied selection of his extensive discography between a show and another, and always keep captives to their followers who became more unconditional by the richness of his works as the same time for their charisma and human warmth that gave before, during and after their presentations and distendeddly free sharing with them. With a sober and minimalist scene, invoking a unique atmosphere in which the incredible Ka-Spel`s voice and Silverman`s amazing keyboards making a single professional body which sometimes moved with cadence and other visceral spasms that shuddered at ease the minds of listeners. There were pieces of solo interpretations of each as well as the LDP, of which highlighted some as "Just a Lifetime," "Third Eye", "Nightshade", "The Grain Kings" and especially a very hardcore version of "Hellsville" together with the participation of a saxophone and an acoustic guitar by members of Un Festín Sagital he did at times recall the sound of downtown New York led by John Zorn mixed with a strong rhythmic foundation that emanated from the synthesizer Silverman.
The opportunity to share with Chilean musicians (one of the main goals of his coming to our country) was realized in each of the days when they were presented, especially the one held at the Bar Laduana of Valparaiso, where they also played Círculo 6, E-Men, Banco Mundial, Dayanandrea, Colectivo No, and of course Un Festín Sagital, all making it clear that here`s also an important scene linked to the neo-sicodelia and the avant-gard. Cross our fingers for to this conference comes to editing any album or a DVD audio-visual work.
Ultimately, it was a series of master classes taught by these two geniuses which left more than clear why they are one of the most important musicians today, and why their style and charisma generate much affinity with his followers.
As it`s shows the visit of these musicians, I will leave you some photographs and a couple of items of Ka-Spel and Silverman together. (See the post in spanish).
I take this opportunity to reiterate my thanks to Michel, Claudio, Gonzalo and all the friends who made possible the coming of these great musicians and, of course, to themselves ... the legendary Edward and Phil.
En esta oportunidad comentaré sobre uno de los músicos que más me ha acompañado últimamente durante las mañanas de camino al trabajo en mi fiel MP3 player. Se trata de Prefuse 73, uno de los artistas más prolíficos y brillantes de la escena electro-hip-hopera actual.
Al igual que como lo hacen otros grandes de dicha escena, tal como Otis Jackson Jr. (alias Madlib, Quasimoto, entre otros), Prefuse 73 resulta ser uno de los tantos alter egos que utiliza el productor y músico experimental estadounidense Guillermo Scott Herren según el enfoque musical que dedique en su obra (otros de sus nombres son Piano Overlord, Ahmad Szabo, y Delarosa & Asora). Nacido en Atlanta, este músico comenzó allí su carrera trabajando en estudios comerciales de grabación y como DJ en un club nocturno, lo que le valió la experiencia suficiente como mezclador y editor de complejos samples y extractos musicales. Estos años laborales constituyeron la base ideal con la cual fue configurando su propio estilo acercándolo al glitch, IDM y al hip-hop de vertiente experimental desde su primer álbum “Vocal Studies & Uprock Narratives” (2001); un trabajo lleno de ideas que van y vienen que confunden al auditor de manera fascinante al descolocarlo en cada tanto con sus abruptos cambios de ritmo, y donde ya se hizo asistir por reputados músicos como MF Doom, Sam Prekop, y Dose One.
Desde aquél debut a la fecha, Prefuse 73 ha editado varios discos, destacándose “Extinguished: Outtakes” y “One Word Extinguished” (ambos de 2003), “Security Screenings” (2006), “The Class of 73 Bells” (2007) y una pequeña gran obra donde reinterpreta en su estilo obras del magnífico dúo estadounidense The Books, “Prefuse 73 Reads The Books” (EP de 2005). Todas estas obras editadas bajo la etiqueta del ecléctico sello inglés Warp.
Con una música que invoca los sentimientos pero por sobre todo apela al ejercicio cerebral, pues en las primeras escuchas exige un mayor grado de atención y digestión de sus complejos condimentos “cut&paste”, Prefuse 73 no duda en darle un toque lúdico y envolvente por medio de atractivos beats que nos llaman inevitablemente a mover nuestras articulaciones. Es así como a su ya desarrollada base musical se agregan algunos sabores del funky, acid jazz, y el minimalismo que nos convierte en comensales agradecidos.
Lo anterior, a su vez, queda reflejado en el interesante trabajo audiovisual que conforman sus videos promocionales donde la edición de corte-pega se hace acorde a la música, lo que recrea una atmósfera única. La mayoría de éstos, sin embargo, son de corta duración de acuerdo a los diminutos temas que constituyen sus discos, lo cual puede dejar a algunos con gusto a poco. Por ello recomiendo oir sus discos completos, donde la veintena de temas posibles son unidos inteligentemente no por una idea conceptual evidente sino más bien por un hilo conductor lleno de variados tonos y ritmos con una preponderante: la fusión del hip-hop con la electrónica.
Lo último que se ha editado hasta ahora de Guillermo Scott Herren como Prefuse 73 es el tema “Libertat” junto a Soarce Spoken en un EP de varios artistas titulado “Arepaz Immigrante Orchestra Greencard” aparecido bajo la etiqueta Arepaz en enero de 2008 en una edición limitada de 500 copias.
De muestra de la obra de este músico radicado en Barcelona, les dejo 2 videos (igualmente les pido sigan mi consejo con sus discos). El primero es “Point to B” perteneciente a su primera placa “Vocal Studies & Uprock Narratives” del 2001.
Point to B (G. Scott Herren)
El segundo corresponde al tema “Perverted Undertones” de su disco “One Word Extinguisher” (2003).
Mañana se inaugura una nueva versión (la séptima) del tan esperado Festival Internacional de Jazz de Providencia (ProviJazz); y como cada año, y para placer de nuestros oídos, los organizadores traen a verdaderos maestros de la música sincopada, manteniendo el equilibrio entre las distintas vertientes que de ella nacen.
Sindicado como uno de los festivales latinoamericanos más importantes en esta categoría, en esta oportunidad tendrá dentro de su programa a los siguientes exponentes:
Miércoles 16 de Enero:
Abre The Western Jazz Quartet (Universidad de Michigan, USA)
Cierra Tito Puente Jr & Band (USA)
Jueves 17 de Enero:
Abre el bandoneonista Enrique Tellería (Uruguay) junto a la Orquesta Sinfónica del Instituto Cultural de Providencia
Cierra Ravi Coltrane Quartet (USA).
Viernes 18 de Enero:
Abre Mario Feito Trío (Chile)
Continúa la cantante Solveig Slettahjell acompañada del trompetista Sjur Miljeteig (ambos de Noruega)
Cierra Dave Holland Quintet (USA).
Los precios están a la venta bajo el sistema Ticketmaster, y fluctúan entre los $18.000 y los $ 3.000 por cada función (…así es, definitivamente este evento dejó de ser gratis).
Y para que nos vayamos preparando, les dejo unos videos promocionales que tomé prestado (adivinen de dónde…claro, de YouTube) de algunos números que se presentarán cada día: los geniales Tito Puente Jr., Enrique Tellería y nuestros compatriotas del Mario Feito Trio. Demás está decir que Tito es el retrato vivo de su padre; sino, juzguen Uds. mismos por las imágenes.
Tito Puente Jr.
Enrique Tellería
Mario Feito Trio
Por obsequio de mi amada novia, yo tengo la suerte de ir las 3 noches, así que espero comentarles alguna de estas prometedoras presentaciones prontamente. ¡Gracias, linda!...Y por supuesto, quienes puedan ¡vayan!
Como link les dejo mientras tanto mi post acerca de la presentación de Al di Meola en el ProviJazz del año pasado.
Muchachos, se nos fue el año y con ello lo bueno, lo malo y lo feo de aquél. En la materia que nos ocupa en este blog, uno de los últimos hechos buenos y destacables para mí fue la realización del 4to Festival de Documentales Musicales “In-Edit” entre el 12 y el 16 de diciembre pasados, acá en Santiago de Chile. Este evento, que corresponde a la internacionalización de la versión original que se realiza cada año en Barcelona, España, en esta oportunidad presentó un notable crecimiento sorprendiendo gratamente por las salas de cine dispuestas, la producción y nivel de auspiciadores, y por sobre todo lo más importante: la cantidad y calidad de documentales en exhibición, donde destacan películas sobre Sonic Youth, Joe Strummer, Luca Prodan, Gepe y Javiera Mena, Los Prisioneros, Exsimio, y una serie de otras basadas en temáticas que agrupan a varias bandas como “Sincopado” (Jazz en Chile), “Canciones de Libertad”, “Ruidos Molestos” (rock underground chileno), “Cuba Mía” (retrato de una orquesta de mujeres de Cuba), entre otros tantos.
Dentro del contexto de este festival, vi un film maravilloso sobre uno de los conjuntos islandeses más brillantes del último tiempo: Sigur Rós. El documental en cuestión, titulado “Heima” (“hogar”), del año 2007 y dirigido por el francés Dean DeBlois, nos muestra la gira que esta banda, acompañados además por sus amigas del cuarteto de cuerdas Amiina, realizó en su país natal en distintas localidades asombrosas tanto por su belleza natural (¡vaya que es hermoso Islandia!) como por la historia y costumbres de la gente que las habita. La hazaña de esta gira no sólo se justifica por recorrer estos sitios, sino por el valioso gesto que Sigur Rós hace con su gente al querer regalarles su música (sí, de forma totalmente gratuita) yendo a recónditos pueblos y parajes naturales donde en contadísimas ocasiones (en algunos casos, nunca) ha pisado suelo alguna banda de rock y ofrecido un concierto. Se aprecia claramente que el obsequio fue muy bien recibido en cada uno de estos lugares poco acostumbrados a este tipo de eventos, con una alta convocatoria de gente que en la mayoría de los casos se enteraba de boca en boca y que se notaba gustosa y totalmente abierta a percibir los a veces delicados y otras estruendosos sonidos que emanaban de cada uno de los instrumentos tradicionales y no-tradicionales que estos ocho músicos (Sigur Rós más Amiina) tocaban “flotando en el aire”, como el propio vocalista Jón Þór Birgisson (alias “Jónsi”) describe aludiendo al estado de trance en el cual se sumergían en cada tocata.
El documental, que comienza en una localidad que no recuerdo (creo que en Öxnadalur; favor corríjanme si me equivoco) y finaliza en la capital Reykiavik, gira completamente en torno a este país del nororeste de Europa, y muestra la forma de vida apacible y armónica de sus poco más de 300 mil habitantes. En cierta manera, este film podría decirse que es un documental sobre Islandia y no tan solo sobre Sigur Rós; sin embargo, hablar de Sigur Rós es al mismo tiempo hablar sobre Islandia, pues su música se sumerge en sus desiertos, montañas y glaciares, y en el estilo de vida que estoicamente ha sobrevivido en este territorio único en el mundo. Por algo los integrantes de la banda se sienten en casa, con la tranquilidad que sólo el refugio hogareño puede dar, siendo acompañados desde cerca por los familiares y amigos de barrio en varias oportunidades.
Musicalmente, el documental es espléndido, donde el post-rock desarrollado por estos músicos se alimenta tanto de indie-rock, jazz, música docta, folk y el Rimur, una forma que tienen los poetas de poner música tradicional a los poemas medievales islandeses. De lo totalmente enchufado a lo acústico pasan con una total fluidez, siempre con esa postura intimista que ofrecen sus introvertidos integrantes. Cada cuerda pulsada, cada toque de piedra volcánica, cada canturreo e incluso cada momento de silencio suenan para conformar un todo lleno de ensoñaciones gélidas y profundas que penetran permanentemente en nuestro sistema límbico provocándonos con frecuencia sentimientos de pena, apacibilidad y afecto…¿hacia qué o quiénes?, no se muy bien, probablemente hacia los integrantes, el pueblo islandés, la naturaleza o nosotros mismos; una mezcla de sentimientos que no son fáciles de concebir juntas y que en este caso se potencia aún más con la sincronización de las imágenes del documental. Así, la enorme calidad interpretativa de este octeto queda de manifiesto de punta a cabo, y no es para menos cuando todas sus presentaciones son en directo.
Desde el punto de vista de las imágenes mostradas, este documental me recuerda a ratos el clásico “Live at Pompeii” de Pink Floyd; sin embargo, la intención de ellas y su contexto son absolutamente distintas, por lo que no se justifica una comparación aparte de este dato anecdótico. Los primeros planos, los paneos, los tilt up/down, travelling y todos los movimientos de cámara imaginables más sus composiciones y las habilidades de edición en un formato de 16:9 nos ofrecen una obra genial con la que nadie sale indiferente.
En suma, una pieza documental absolutamente recomendable y que, por sí sola, hace valer cualquier festival de cine, tal como lo hizo con el “In-Edit”.
Lo que les dejo son 3 videos: el trailer de esta película; el tema que le da el título, compuesto para el film; y el tema “Olsen Olsen” tocado en Öxnadalur (ésta sí).
'Heima' Film Trailer
Heima (Sigur Rós)
Olsen Olsen (Sigur Rós)
Como dato adicional, les cuento que a raíz de esta gira también salió el disco doble en vivo "Heima" (2007). Deben escucharlo.
El viaje a la eternidad de Josef Zawinul (1932-2007)
Al parecer este mes de Septiembre está empeñándose en ser un luto permanente para el mundo de la música. Como si no bastase con la muerte del gran tenor italiano Luciano Pavarotti la semana pasada, este martes 11 de septiembre acaba de ocurrir el deceso de otro gran ícono y maestro de la música contemporánea y uno de los mayores artífices del jazz-rock: el tecladista austriaco Josef Zawinul.
La noticia me llegó por medio de una llamada que me hizo mi novia, quien sabe de sobra cuánto admiro a este genio del jazz, impactándome de lleno cuando me encontraba en pleno trabajo de escritorio. Una gran lástima la ida de este hombre que hasta a principios de este año aún estaba de gira por Europa frente a su Zawinul Syndicate para celebrar el vigésimo aniversario de esta banda. Un corazón que dio hasta lo último por la música, sobrellevando los tremendos problemas de salud que le propinaba un maldito cáncer a la piel que a la postre se lo llevó a su 75 años de edad.
Parece que el recambio generacional ya es un hecho, y los músicos que tanto nos han emocionado con su arte principalmente desde los años sesentas, ya han decidido volar de este mundo con la tranquilidad de habernos dejado tamañas herencias en sus respectivos géneros melódicos.
Sin duda, Zawinul no es la excepción en este sentido, y su legado es inconmensurable para el jazz. Signado como el responsable de incorporar a éste el piano eléctrico y el sintetizador, este intérprete de formación clásica fue quien indujo al propio Miles Davis a experimentar en esta nueva vertiente que nacía en la "música sincopada" y que fue plasmada en el legendario disco "In a Silent Way" (1969) del señor Davis, cuyo corte homónimo surgió de puño y letra del tecladista. Pero su obra naturalmente es mucho más que eso. Desde sus inicios cuando ganó la beca de la Berklee School of Music (en 1959) y se trasladó desde su natal Viena al desconocido Boston, empezó a trabajar para célebres cantantes del momento como las mismísimas Ella Fitzgerald y Dinah Washington. Pronto sus dotes como compositor lograron notoriedad al escribir para Cannonball Adderley el famoso “Mercy, Mercy, Mercy”, de 1961 (con el cual llegó a ganar un Grammy), y con ello su pase para insertarse en el epicentro del jazz, donde conocería al trompetista Davis y, entre otros tantos músicos coetáneos, a los miembros de su clásico Quintet conformado por el pianista Herbie Hancock, el contrabajista Ron Carter, el baterista Tony Williams, y el saxofonista Wayne Shorter; éste último se convertiría en su gran compañero en la odisea musical que ambos emprenderían más tarde como una de las duplas compositivas más emblemáticas que marcaría el paso en el acontecer del jazz-fusión: el grupo Weather Report. Con esta legendaria agrupación, en compañía de otros grandes que dejaron su huella como los bajistas Miroslav Vitous y Jaco Pastorius, y los percusionistas Airto Moreira y Alex Acuña, el austriaco dio a luz monumentales discos como ''Black Market'', ''I Sing the Body Electric'' y ''Heavy Weather'' (donde se encuentra su archifamoso tema “Birdland”).
La historia post Weather Report se concentraría en su trabajo como solista y con otros conjuntos como el Weather Update y el mentado The Zawinul Syndicate, que contaban entre sus filas con antiguos “reporteros” como Victor Bailey y Peter Erskine. Entre los trabajos más destacados que aparecen con su firma individual se encuentran “Dialects” (1986), “Lost Tribes” (1992), “Stories of The Danube” (1996) y “Brown Street” (2006).
En fin, datos y testimonios hay por miles en Internet sobre la vida de este genio, y esta breve reseña de su prolífica y maravillosa carrera (bastante comprimida por lo demás), no intenta más que invitarlos a seguirla; un estudio que sin duda vale la pena realizar, sobre todo para comprender y valorar algunos de los hitos y pasajes más importantes del Jazz moderno en los cuales fue un actor fundamental nuestro querido Joe Zawinul; este músico, que como reza su sitio web en palabras de su propio hijo Erich, “was born in Earth time on 07 July 1932 and was born in Eternity time on 11 September, 2007. He, and his music, will continue to inspire!”
A modo de homenaje, les dejo lo siguiente: un vídeo junto a Weather Report interpretando dos de sus clásicos temas, “Black Market” (original del disco del mismo nombre de 1976) y “Scarlet Woman” (del álbum “Mysterious Traveller” de 1974); ambos temas son interpretados en el mítico Rockpalast en una presentación hecha en 1978 por el gran cuarteto conformado por Alex Acuña en batería, el también desaparecido Jaco Pastorius en bajo, Wayne Shorter en saxofón, y Joe Zawinul en teclados.
Black Market / Scarlet Woman
(J. Zawinul / A. Johnson, W. Shorter, J. Zawinul)
Y lo segundo que les dejo es su tema “Unknown Soldier” del disco solista “Stories of The Danube” de 1996. Acá el tecladista explora una fusión con la música docta, con cierta cercanía hacia el período romántico, donde plasma los traumas de su vieja Austria y con un subtítulo bien claro, “a stream of blood and violence: the Second World War”.
Aunque no soy muy amigo de estos posteos cortos, no puedo dejar la oportunidad de compartir la excelente noticia que me ha alegrado el día de hoy: la venida del estupendo grupo estadounidense que ha hecho de la fusión del indie rock con el sonido mariachi y la chanson un verdadero deleite, Calexico (¡gracias a la productora que los trae!...y gracias Marco por el dato).
El aviso es presentado en el sitio del colectivo Super45 (con entrevista a Joey Burns incluida) y anuncia que el esperado encuentro con los oriundos de Tucson es el día domingo 7 de Octubre en el Teatro Novedades (ex Oz) con precio único en las entradas, a $14.000.
La entrevista exclusiva que presentan estos muchachos del Super45 la pueden encontrar acá.
Les dejo el link de un comentario que hice en una oportunidad sobre esta banda, aquí en Corriente Alterna, y unos videos que tomé prestados del inconmensurable servicio YouTube para que nos vayamos preparando: para empezar el videoclip del tema “Cruel”; a continuación una presentación del tema “Roka” en la Radio-Canada TV en Julio del año pasado junto a la cantante española Amparanoia, más algunos integrantes del Mariachi Luz de Luna; y por último un cover del tema de 1968 del grupo Love titulado “Alone Again Or”, interpretado en el Rock Werchter ‘06. Las dos primeras piezas aparecen originalmente en el disco de Calexico“Garden Ruin” (2006), y la última en el Maxi-Single homónimo aparecido el 2003.
Así es, para quienes me daban por perdido, tenían razón: me perdí de la blogósfera unos cuantos meses sin otra causa que la desidia obrada por el cada vez mayor empuje que implica mantener activo un blog como éste (o al menos de la manera como lo quisiese hacer, sin tantas palabras fútiles y volátiles, ni escrito a la rápida como por mero cumplimiento). Pero en fin, aunque este esfuerzo en muchas ocasiones parece no justificarse al percibirse una bajísima lectura de mis escritos, en el “horizonte de mi mente” le encuentro un sentido al saber que no soy el único sino que miles los que luchan contra la apatía por el noble objetivo de comunicar y compartir día a día en este mundo virtual; en el fondo, es como sentir y acogerse a una especie de esfuerzo mancomunado, donde el solo hecho de que un alma descubra estas intenciones desde el otro lado del monitor ya es suficiente para dar por cumplido el objetivo.
Bueno, y cuando hay algunos entusiastas compañeros bloggers y gente cercana que me rodea que reclaman la presencia de este modesto servidor por estas latitudes de la Corriente Alterna, la motivación vuelve al cuerpo nuevamente y me tiene (o retiene) acá, de vuelta.
He querido retomar este blog compartiendo la maravillosa experiencia que tuve la suerte de vivir, en compañía de mi amigo Julio y su camarada chileno-alemán Roberto, hace un par de semanas atrás con uno de los conjuntos más emblemáticos e importantes de la música popular chilena: Congreso. Se trata de la celebración de los ¡38 años! de existencia de esta gran agrupación, realizada el viernes pasado 17 de agosto, en el Centro Cultural Estación Mapocho, de Santiago de Chile.
38 años oficiales (iniciados además con el lanzamiento de su primer disco “Congreso”, en 1969) de una enriquecedora carrera musical de esta banda oriunda de la “Ciudad del Sol” (Quilpué), en la que han sido artífices de uno de los sonidos más auténticos del rock chileno en su clave de fusión latinoamericana. Una historia que comienza a partir de la unión de 2 agrupaciones: Los Masters, de donde provenían los hermanos Sergio (batería), Patricio (guitarra) y Fernando González (guitarra); y los porteños Los Sicodélicos, de donde surgió el carismático vocalista Francisco “Pancho” Sazo; a ellos se une también el bajista Fernando Hurtado. Como antecedente, ambos conjuntos por separado ya son dignos de estudiar al reconocerse en el trabajo de ellos hechos fundacionales del rock chileno (incluso mundial) como, por ejemplo, en el caso de Los Masters, ser una de las agrupaciones primitivas con un ingenioso sonido estridente y potente dentro del rock nacional, y en el caso de Los Sicodélicos ser el primer grupo beat chileno en incorporar instrumentos folclóricos como el charango y la quena, como también los primeros en interpretar una Misa-rock en el año ’67 antes de que cualquier otra banda anglosajona y mundialmente conocida lo hiciese. (Aprovecho de pasar el dato: recomiendo sobremanera leer el libro de nuestro estimado Fabio Salas “La Primavera Terrestre: Cartografía del Rock Chileno y la Nueva Canción Chilena”, editado por Cuarto Propio el 2003; de acá tomé prestado algunos datos).
Volviendo a lo nuestro, el concierto en cuestión fue emotivo de principio a fin. Un encuentro denominado “Todos estos años” que concilió a la gran mayoría de los integrantes que han sido parte de la gran familia de Congreso. Claramente eran inevitables algunas ausencias, las que se sintieron, como las del flautista Renato Vivaldi, el bajista Carlos Gana y el guitarrista Claudio “Pajaro” Araya (ambos con pasos efímeros pero no por ello menores en la agrupación), el bajista Jorge Campos y, por supuesto, el fallecido tecladista Jaime Vivanco, quien si bien no estuvo físicamente, su ángel permaneció durante todo el festejo incluso con un conmovedor solo musical suyo que se exhibió en pantalla en su homenaje.
El programa de este verdadero Congreso musical, que fue presentado por el inconfundible Sergio “Pirincho” Cárcamo y que duró cerca de 3 horas, fue una verdadera retrospectiva plagada de recuerdos (más alguno que otro adelanto del material nuevo que vendrá en su próximo disco) en un formato que nos hizo comprender aun más no sólo la evolución de las armonías que componen el tremendo acerbo cultural de esta banda, sino también el contexto político social en que fueron construidas a lo largo de su trayectoria. Así, se fueron sucediendo melodías enraizadas en el rock sicodélico, canto nuevo, folclor latinoamericano, jazz, música docta, entre otras, según las distintas etapas que ha vivido la agrupación como la época de las flores “a lo chilensis”, el Golpe Militar del ’73, la profesionalización musical de los integrantes, la campaña antipinochetista y el retorno a la democracia, la reivindicación de los derechos de los indígenas, la Convención Internacional de los Derechos del Niño, la Exposición Mundial de Sevilla ’92, entre otros tantos hitos que han marcado la carrera de estos tremendos músicos.
Lo más emocionante del encuentro fue que los temas eran interpretados en el escenario por las mismas conformaciones que le dieron vida: una hermosa y conmovedora peregrinación de los cerca de 20 maestros “congresistas” y que fue acompañada intensamente por el fiel y entusiasta público que coreó y bailó cada pieza musical que nos regalaban estos “viejos lindos”, como les llamaba cariñosamente Pirincho. Una situación que además confirmaba los fuertes sentimientos de unión y fraternidad que existe en el grupo (imaginen cuando al final de la presentación se unen todos en el tablado para interpretar el clásico "Hijo del Sol Luminoso"...uff, muy emotivo) y que además trasciende más allá de su círculo de integrantes, hacia la gente común y silvestre, a quien Congreso siempre ha acompañado en las buenas y en las malas con una cuota de alegría, esperanza, apoyo y solidaridad genuinos, tal como lo expresaron en esta oportunidad para con el pueblo hermano del Perú que acababa de sufrir el terrible terremoto en las localidades de Pisco, Ica, Chica y Cañete.
En definitiva, creo no equivocarme si asevero que he sido testigo de uno de los conciertos más memorables que ha brindado esta banda últimamente (y por su carácter, probablemente también de toda su historia), lleno de magia, de emoción, de identidad cultural, de amistad, de recuerdo; y que al mismo tiempo se convierte en uno más de aquellos hechos que se nos quedan grabados en la retina por siempre, como aquella primera vez que vi un afiche de estos Congreso pegado en la pieza de mi hermano Aldo, uno que por aquel entonces hacía referencia a la celebración de sus 18 años de vida y que fue la imagen responsable de acercarme a su música y que hoy sea un fiel seguidor.
Para el concierto que, entre paréntesis, fue la culminación de una semana dedicada a este grupo donde también se realizó un foro de discusión a cargo de Fabio Salas y una muestra fotográfica de retratos históricos de la banda captada por el saxofonista de Congreso Jaime Atenas (más otros invitados), se hizo la presentación musical en base a las siguientes alineaciones (para conocer los instrumentos que tocan cada uno indaguen en los links que les recomiendo al final):
1969 – 1974: Sergio “Tilo” González, Francisco Sazo, Fernando González, Patricio González y Fernando Hurtado.
1974 - 1976: Sergio “Tilo” González, Francisco Sazo, Fernando González, Patricio González, Fernando Hurtado y Renato Vivaldi (reemplazado por Hugo Pirovich).
1976 - 1979: Sergio “Tilo” González, Francisco Sazo, Fernando González, Patricio González, Fernando Hurtado y Hugo Pirovich.
1980 – 1983: Sergio “Tilo” González, Joe Vasconcellos, Ernesto Holman, Hugo Pirovich, Anibal Correa, Fernando González, Patricio González, Ricardo Vivanco.*
1984 – 1986: Sergio “Tilo” González, Hugo Pirovich, Ernesto Holman, Anibal Correa, Fernando González, Patricio González, Ricardo Vivanco, Jaime Atenas.**
1986 – 2002: Sergio “Tilo” González, Francisco Sazo, Hugo Pirovich, Fernando González, Patricio González, Jaime Atenas, Ricardo Vivanco, Jorge Campos (reemplazado por Federico Faure), Jaime Vivanco (reemplazado por Sebastián Almarza)
2003 – 2006: Sergio “Tilo” González, Francisco Sazo, Hugo Pirovich, Jorge Campos (reemplazado por Federico Faure), Jaime Atenas, Raúl Aliaga, Sebastián Almarza.***
2006 – 2007: Sergio “Tilo” González, Francisco Sazo, Hugo Pirovich, Jaime Atenas, Raúl Aliaga, Sebastián Almarza y Federico Faure
Lo que les dejo a modo de muestra de Congreso son dos videos y un tema musical. El primer video fue registrado por mi pocket camara (disculpen la calidad) en este gran concierto “Todos estos años” y que corresponde al tema “Canción Didáctica Nº1” del disco “Ha Llegado Carta” (1982); una pieza con los característicos cambios percutidos del sonido “congresista”. (Ver alineación *)
El siguiente video fue filmado en su gira por EEUU y Canadá en el 2003 y que muestra parte de las actividades de integración cultural que ellos realizaron, un claro ejemplo del espíritu de compromiso social de estos embajadores de nuestra música; el tema de fondo es “En todas las esquinas”, del álbum “Para los arqueólogos del futuro” (1989). (Ver alineación ***, que es la que viaja en la gira)
“En todas las esquinas” (Sergio “Tilo” González, Francisco Sazo)
Y por último, comparto con Uds. el tema “Alas Invasoras” del disco “Pájaros de Arcilla” (uno de mis preferidos). Éste es el único álbum que no ha sido editado autorizadamente en Chile hasta el día de hoy (fue grabado en 1984 por CBS Agentina, porque CBS Chile lo consideró poco comercial); curiosamente también el único disco donde no hay vocalista oficial (no están Sazo ni Vasconcellos), donde ejerce de cantor en algunos temas el notable flautista Hugo Pirovich. (Ver alineación **)
Hoy estamos felices y de retorno en esta Corriente Alterna. Las fuerzas y el espacio de tiempo para escribir en esta oportunidad se han generado por sí solos a raíz de un cálido suceso musical y, por supuesto, personal. Se trata de la visita que acaban de realizar a nuestro país los tremendos maestros Edward Ka-Spel y Phil Knight (alias Silverman).
, EE.UU., hasta Santiago sólo para tocar en Chile y de ahí retornar al hemisferio norte luego de una breve pero intensa agenda musical que incluyó paradas en el Bar Laduana (Valparaíso), El Living (Santiago) y Blondie (Santiago) los días 29 de noviembre, 30 de noviembre y 1 de diciembre, respectivamente. La iniciativa de esta mini-gira surgió de un hecho fortuito cuando Michel Leroy (compositor de Un Festín Sagital) había sido invitado a EE.UU. para estrechar lazos dentro del circuito del sello Beta-Lactam Ring Records (donde pertenecen su banda y los mismos LDP); por problemas de aprobación de su visa, Leroy no pudo viajar y ante esto, entonces, el músico chileno invirtió el camino convocando a los ingleses a venir hasta acá…¡y vaya que se le agradece!
