Corriente Alterna

Ka-Spel & Silverman, una odisea maravillosa por el fin del mundo

2008-12-05T22:29:00.027-03:00

Hoy estamos felices y de retorno en esta Corriente Alterna. Las fuerzas y el espacio de tiempo para escribir en esta oportunidad se han generado por sí solos a raíz de un cálido suceso musical y, por supuesto, personal. Se trata de la visita que acaban de realizar a nuestro país los tremendos maestros Edward Ka-Spel y Phil Knight (alias Silverman).

Fundadores de la extraordinaria y prolífica banda anglo-holandesa The Legendary Pink Dots (LDP), creadora de uno de los sonidos más auténticos en la historia musical de las últimas 3 décadas donde exploran elementos de la neo-sicodelia, la experimentación, el ambient y el synth pop, entre otros, estos músicos agarraron maletas y equipos para tomar una pausa en su actividad con la banda y realizar una verdadera aventura en estas lejanas tierras al extremo sur del orbe.

Invitados por nuestros connacionales Un Festín Sagital (impresionante grupo de RIO que se autodescribe como "una banda psico-experimental dispuestos a desgarrar tu sensatez"), Ka-Spel y Silverman cruzaron continente completo desde San Francisco, EE.UU., hasta Santiago sólo para tocar en Chile y de ahí retornar al hemisferio norte luego de una breve pero intensa agenda musical que incluyó paradas en el Bar Laduana (Valparaíso), El Living (Santiago) y Blondie (Santiago) los días 29 de noviembre, 30 de noviembre y 1 de diciembre, respectivamente. La iniciativa de esta mini-gira surgió de un hecho fortuito cuando Michel Leroy (compositor de Un Festín Sagital) había sido invitado a EE.UU. para estrechar lazos dentro del circuito del sello Beta-Lactam Ring Records (donde pertenecen su banda y los mismos LDP); por problemas de aprobación de su visa, Leroy no pudo viajar y ante esto, entonces, el músico chileno invirtió el camino convocando a los ingleses a venir hasta acá…¡y vaya que se le agradece!

Pese a la baja concurrencia de público en cada jornada, Ka-Spel y Silverman supieron entregar lo mejor de su música haciendo una selección precisa y variada de su extensa discografía entre un show y otro, y mantener siempre cautivos a sus seguidores que se hacían cada vez más incondicionales tanto por la riqueza sonora de sus obras como por su carisma y calidez humana que entregaban antes, durante y después de sus presentaciones compartiendo libre y distendidamente con ellos. Con escenografías sobrias y minimalistas, propiciaban una atmósfera única en que la increíble voz de Ka-Spel y el alucinante teclado de Silverman formaban un único cuerpo orgánico que a veces se movía cadenciosamente y otras con espasmos viscerales que estremecían a gusto la mente de los oyentes. Hubo interpretaciones de piezas solistas de cada uno como también de los LDP, de las cuales destacaron algunas como "Just a Lifetime", "Third Eye", "Belladona", "The Grain Kings" y en especial una versión muy hardcore de "Hellsville" junto a la participación de un saxo y una guitarra acústica a cargo de miembros de Un Festín Sagital que hizo recordar a ratos el sonido del downtown neoyorquino comandada por John Zorn mezclada con una sólida base rítmica que emanaba de los sintetizadores de Silverman.

La oportunidad de compartir con músicos chilenos (uno de los objetivos principales de su venida a nuestro país) se fue concretando en cada una de las jornadas en que se presentaron, sobre todo en la realizada en el Bar Laduana de Valparaíso, donde tocaron también Círculo 6, E-Men, Banco Mundial, Dayanandrea, Colectivo No y, por supuesto, Un Festín Sagital; todos dejando en claro que acá también existe una escena importante ligada a la neo-sicodelia y el avant-gard. Crucemos los dedos para que de estas jornadas salga a edición algún álbum o un trabajo audiovisual en DVD.

En definitiva, se trató de un ciclo de clases magistrales dictados por estos dos genios donde dejaron nos enseñaron por qué son uno de los músicos más importantes de la actualidad y, el por qué su estilo y carisma generan tanta afinidad con sus seguidores.

Como muestra de la visita de estos músicos les dejo algunas fotografías y un par de temas de Ka-Spel y Silverman juntos.

Video 1

Video 2

Aprovecho la oportunidad de reiterar mis agradecimientos a Michel, Claudio, Gonzalo y todos los amigos que hicieron posible la venida de estos grandes músicos y, por supuesto, a ellos mismos…los legendarios Edward y Phil.

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Links:
MySpace de Ka-Spel
Sitio de Silverman
Sitio Oficial de LPD
MySpace de Un Festín Sagital
Sitio del sello Beta-Lactam Ring Records

Lean la versión en inglés de este artículo aquí.

Ka-Spel & Silverman, a wonderful odyssey to the end of the world

2008-12-05T22:29:00.023-03:00

Today we are happy and return in this Corriente Alterna blog. The forces of time and space to write on this occasion have been generated for themselves after a warm and musical event, and of course, for a personal reason too. This is the visit to our country made by the tremendous teacher Edward Ka-Spel and Phil Knight (aka Silverman).

Founders of the extraordinary and prolific Anglo-Dutch band The Legendary Pink Dots (LDP), creators of one of the most authentic sounds in the musical history of the last 3 decades where they explores elements of the neo-sicodelia, experimentation, ambient and synth pop, among others, these musicians grabbed suitcases and equipment to take a pause in their activities with the band and make a genuine excitement in these distant lands in the south end of the world.

Invited by our compatriots Un Festín Sagital (RIO impressive group that autodescribe as a "psycho-experimental band willing to rip your wisdom"), Ka-Spel and Silverman crossed continent from San Francisco, USA, to Santiago only for playing in Chile and then come back to the northern hemisphere after a brief but intense musical agenda that included stops at the Bar Laduana (Valparaiso), The Living (Santiago) and Blondie (Santiago) on November 29, November 30 and 1 December, respectively. The initiative of this mini-tour came from a fortuitous event when Michel Leroy (composer Festín Sagital) had been invited to the U.S. to strengthen ties within the circuit of the stamp Beta-Lactam Ring Records (where his band members and the same LDP), because problems for approval of his visa, Leroy was unable to travel so before that, then, the chilean musician spent the way calling the British to come up here ... and so we are very grateful!

Despite the low attendance of the public each day, Ka-Spel and Silverman were able to deliver the best of their music making an accurate and varied selection of his extensive discography between a show and another, and always keep captives to their followers who became more unconditional by the richness of his works as the same time for their charisma and human warmth that gave before, during and after their presentations and distendeddly free sharing with them. With a sober and minimalist scene, invoking a unique atmosphere in which the incredible Ka-Spel`s voice and Silverman`s amazing keyboards making a single professional body which sometimes moved with cadence and other visceral spasms that shuddered at ease the minds of listeners. There were pieces of solo interpretations of each as well as the LDP, of which highlighted some as "Just a Lifetime," "Third Eye", "Nightshade", "The Grain Kings" and especially a very hardcore version of "Hellsville" together with the participation of a saxophone and an acoustic guitar by members of Un Festín Sagital he did at times recall the sound of downtown New York led by John Zorn mixed with a strong rhythmic foundation that emanated from the synthesizer Silverman.

The opportunity to share with Chilean musicians (one of the main goals of his coming to our country) was realized in each of the days when they were presented, especially the one held at the Bar Laduana of Valparaiso, where they also played Círculo 6, E-Men, Banco Mundial, Dayanandrea, Colectivo No, and of course Un Festín Sagital, all making it clear that here`s also an important scene linked to the neo-sicodelia and the avant-gard. Cross our fingers for to this conference comes to editing any album or a DVD audio-visual work.

Ultimately, it was a series of master classes taught by these two geniuses which left more than clear why they are one of the most important musicians today, and why their style and charisma generate much affinity with his followers.

As it`s shows the visit of these musicians, I will leave you some photographs and a couple of items of Ka-Spel and Silverman together. (See the post in spanish).

I take this opportunity to reiterate my thanks to Michel, Claudio, Gonzalo and all the friends who made possible the coming of these great musicians and, of course, to themselves ... the legendary Edward and Phil.

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Links:
Ka-Spel's MySpace
Silverman Site
LPD Official Web Site
Un Festín Sagital's MySpace
Beta-Lactam Ring Records Web Site

Los ritmos de Prefuse 73

2008-05-01T11:47:00.018-04:00

En esta oportunidad comentaré sobre uno de los músicos que más me ha acompañado últimamente durante las mañanas de camino al trabajo en mi fiel MP3 player. Se trata de Prefuse 73, uno de los artistas más prolíficos y brillantes de la escena electro-hip-hopera actual.

Al igual que como lo hacen otros grandes de dicha escena, tal como Otis Jackson Jr. (alias Madlib, Quasimoto, entre otros), Prefuse 73 resulta ser uno de los tantos alter egos que utiliza el productor y músico experimental estadounidense Guillermo Scott Herren según el enfoque musical que dedique en su obra (otros de sus nombres son Piano Overlord, Ahmad Szabo, y Delarosa & Asora). Nacido en Atlanta, este músico comenzó allí su carrera trabajando en estudios comerciales de grabación y como DJ en un club nocturno, lo que le valió la experiencia suficiente como mezclador y editor de complejos samples y extractos musicales. Estos años laborales constituyeron la base ideal con la cual fue configurando su propio estilo acercándolo al glitch, IDM y al hip-hop de vertiente experimental desde su primer álbum “Vocal Studies & Uprock Narratives” (2001); un trabajo lleno de ideas que van y vienen que confunden al auditor de manera fascinante al descolocarlo en cada tanto con sus abruptos cambios de ritmo, y donde ya se hizo asistir por reputados músicos como MF Doom, Sam Prekop, y Dose One.

Desde aquél debut a la fecha, Prefuse 73 ha editado varios discos, destacándose “Extinguished: Outtakes” y “One Word Extinguished” (ambos de 2003), “Security Screenings” (2006), “The Class of 73 Bells” (2007) y una pequeña gran obra donde reinterpreta en su estilo obras del magnífico dúo estadounidense The Books, “Prefuse 73 Reads The Books” (EP de 2005). Todas estas obras editadas bajo la etiqueta del ecléctico sello inglés Warp.

Con una música que invoca los sentimientos pero por sobre todo apela al ejercicio cerebral, pues en las primeras escuchas exige un mayor grado de atención y digestión de sus complejos condimentos “cut&paste”, Prefuse 73 no duda en darle un toque lúdico y envolvente por medio de atractivos beats que nos llaman inevitablemente a mover nuestras articulaciones. Es así como a su ya desarrollada base musical se agregan algunos sabores del funky, acid jazz, y el minimalismo que nos convierte en comensales agradecidos.

Lo anterior, a su vez, queda reflejado en el interesante trabajo audiovisual que conforman sus videos promocionales donde la edición de corte-pega se hace acorde a la música, lo que recrea una atmósfera única. La mayoría de éstos, sin embargo, son de corta duración de acuerdo a los diminutos temas que constituyen sus discos, lo cual puede dejar a algunos con gusto a poco. Por ello recomiendo oir sus discos completos, donde la veintena de temas posibles son unidos inteligentemente no por una idea conceptual evidente sino más bien por un hilo conductor lleno de variados tonos y ritmos con una preponderante: la fusión del hip-hop con la electrónica.

Lo último que se ha editado hasta ahora de Guillermo Scott Herren como Prefuse 73 es el tema “Libertat” junto a Soarce Spoken en un EP de varios artistas titulado “Arepaz Immigrante Orchestra Greencard” aparecido bajo la etiqueta Arepaz en enero de 2008 en una edición limitada de 500 copias.

De muestra de la obra de este músico radicado en Barcelona, les dejo 2 videos (igualmente les pido sigan mi consejo con sus discos). El primero es “Point to B” perteneciente a su primera placa “Vocal Studies & Uprock Narratives” del 2001.

Point to B
(G. Scott Herren)

El segundo corresponde al tema “Perverted Undertones” de su disco “One Word Extinguisher” (2003).

Perverted Undertones
(G. Scott Herren)

Links recomendados:
Sitio oficial de Prefuse 73
Sitio de Prefuse 73 en Warp Records
Prefuse 73 en MySpace

Y ya llegó el ProviJazz 2008

2008-01-15T23:02:00.000-03:00

Mañana se inaugura una nueva versión (la séptima) del tan esperado Festival Internacional de Jazz de Providencia (ProviJazz); y como cada año, y para placer de nuestros oídos, los organizadores traen a verdaderos maestros de la música sincopada, manteniendo el equilibrio entre las distintas vertientes que de ella nacen.

Sindicado como uno de los festivales latinoamericanos más importantes en esta categoría, en esta oportunidad tendrá dentro de su programa a los siguientes exponentes:

Miércoles 16 de Enero:

Abre The Western Jazz Quartet (Universidad de Michigan, USA)
Cierra Tito Puente Jr & Band (USA)

Jueves 17 de Enero:

Abre el bandoneonista Enrique Tellería (Uruguay) junto a la Orquesta Sinfónica del Instituto Cultural de Providencia
Cierra Ravi Coltrane Quartet (USA).

Viernes 18 de Enero:

Abre Mario Feito Trío (Chile)
Continúa la cantante Solveig Slettahjell acompañada del trompetista Sjur Miljeteig (ambos de Noruega)
Cierra Dave Holland Quintet (USA).

Los precios están a la venta bajo el sistema Ticketmaster, y fluctúan entre los $18.000 y los $ 3.000 por cada función (…así es, definitivamente este evento dejó de ser gratis).

Y para que nos vayamos preparando, les dejo unos videos promocionales que tomé prestado (adivinen de dónde…claro, de YouTube) de algunos números que se presentarán cada día: los geniales Tito Puente Jr., Enrique Tellería y nuestros compatriotas del Mario Feito Trio. Demás está decir que Tito es el retrato vivo de su padre; sino, juzguen Uds. mismos por las imágenes.

Tito Puente Jr.

Enrique Tellería

Mario Feito Trio

Por obsequio de mi amada novia, yo tengo la suerte de ir las 3 noches, así que espero comentarles alguna de estas prometedoras presentaciones prontamente. ¡Gracias, linda!...Y por supuesto, quienes puedan ¡vayan!

Como link les dejo mientras tanto mi post acerca de la presentación de Al di Meola en el ProviJazz del año pasado.

El regreso a casa de Sigur Rós

2007-12-28T23:21:00.001-03:00

Muchachos, se nos fue el año y con ello lo bueno, lo malo y lo feo de aquél. En la materia que nos ocupa en este blog, uno de los últimos hechos buenos y destacables para mí fue la realización del 4to Festival de Documentales Musicales “In-Edit” entre el 12 y el 16 de diciembre pasados, acá en Santiago de Chile. Este evento, que corresponde a la internacionalización de la versión original que se realiza cada año en Barcelona, España, en esta oportunidad presentó un notable crecimiento sorprendiendo gratamente por las salas de cine dispuestas, la producción y nivel de auspiciadores, y por sobre todo lo más importante: la cantidad y calidad de documentales en exhibición, donde destacan películas sobre Sonic Youth, Joe Strummer, Luca Prodan, Gepe y Javiera Mena, Los Prisioneros, Exsimio, y una serie de otras basadas en temáticas que agrupan a varias bandas como “Sincopado” (Jazz en Chile), “Canciones de Libertad”, “Ruidos Molestos” (rock underground chileno), “Cuba Mía” (retrato de una orquesta de mujeres de Cuba), entre otros tantos.

Dentro del contexto de este festival, vi un film maravilloso sobre uno de los conjuntos islandeses más brillantes del último tiempo: Sigur Rós. El documental en cuestión, titulado “Heima” (“hogar”), del año 2007 y dirigido por el francés Dean DeBlois, nos muestra la gira que esta banda, acompañados además por sus amigas del cuarteto de cuerdas Amiina, realizó en su país natal en distintas localidades asombrosas tanto por su belleza natural (¡vaya que es hermoso Islandia!) como por la historia y costumbres de la gente que las habita. La hazaña de esta gira no sólo se justifica por recorrer estos sitios, sino por el valioso gesto que Sigur Rós hace con su gente al querer regalarles su música (sí, de forma totalmente gratuita) yendo a recónditos pueblos y parajes naturales donde en contadísimas ocasiones (en algunos casos, nunca) ha pisado suelo alguna banda de rock y ofrecido un concierto. Se aprecia claramente que el obsequio fue muy bien recibido en cada uno de estos lugares poco acostumbrados a este tipo de eventos, con una alta convocatoria de gente que en la mayoría de los casos se enteraba de boca en boca y que se notaba gustosa y totalmente abierta a percibir los a veces delicados y otras estruendosos sonidos que emanaban de cada uno de los instrumentos tradicionales y no-tradicionales que estos ocho músicos (Sigur Rós más Amiina) tocaban “flotando en el aire”, como el propio vocalista Jón Þór Birgisson (alias “Jónsi”) describe aludiendo al estado de trance en el cual se sumergían en cada tocata.

El documental, que comienza en una localidad que no recuerdo (creo que en Öxnadalur; favor corríjanme si me equivoco) y finaliza en la capital Reykiavik, gira completamente en torno a este país del nororeste de Europa, y muestra la forma de vida apacible y armónica de sus poco más de 300 mil habitantes. En cierta manera, este film podría decirse que es un documental sobre Islandia y no tan solo sobre Sigur Rós; sin embargo, hablar de Sigur Rós es al mismo tiempo hablar sobre Islandia, pues su música se sumerge en sus desiertos, montañas y glaciares, y en el estilo de vida que estoicamente ha sobrevivido en este territorio único en el mundo. Por algo los integrantes de la banda se sienten en casa, con la tranquilidad que sólo el refugio hogareño puede dar, siendo acompañados desde cerca por los familiares y amigos de barrio en varias oportunidades.

Musicalmente, el documental es espléndido, donde el post-rock desarrollado por estos músicos se alimenta tanto de indie-rock, jazz, música docta, folk y el Rimur, una forma que tienen los poetas de poner música tradicional a los poemas medievales islandeses. De lo totalmente enchufado a lo acústico pasan con una total fluidez, siempre con esa postura intimista que ofrecen sus introvertidos integrantes. Cada cuerda pulsada, cada toque de piedra volcánica, cada canturreo e incluso cada momento de silencio suenan para conformar un todo lleno de ensoñaciones gélidas y profundas que penetran permanentemente en nuestro sistema límbico provocándonos con frecuencia sentimientos de pena, apacibilidad y afecto…¿hacia qué o quiénes?, no se muy bien, probablemente hacia los integrantes, el pueblo islandés, la naturaleza o nosotros mismos; una mezcla de sentimientos que no son fáciles de concebir juntas y que en este caso se potencia aún más con la sincronización de las imágenes del documental. Así, la enorme calidad interpretativa de este octeto queda de manifiesto de punta a cabo, y no es para menos cuando todas sus presentaciones son en directo.

Desde el punto de vista de las imágenes mostradas, este documental me recuerda a ratos el clásico “Live at Pompeii” de Pink Floyd; sin embargo, la intención de ellas y su contexto son absolutamente distintas, por lo que no se justifica una comparación aparte de este dato anecdótico. Los primeros planos, los paneos, los tilt up/down, travelling y todos los movimientos de cámara imaginables más sus composiciones y las habilidades de edición en un formato de 16:9 nos ofrecen una obra genial con la que nadie sale indiferente.

En suma, una pieza documental absolutamente recomendable y que, por sí sola, hace valer cualquier festival de cine, tal como lo hizo con el “In-Edit”.

Lo que les dejo son 3 videos: el trailer de esta película; el tema que le da el título, compuesto para el film; y el tema “Olsen Olsen” tocado en Öxnadalur (ésta sí).

'Heima' Film Trailer

Heima
(Sigur Rós)

Olsen Olsen
(Sigur Rós)

Como dato adicional, les cuento que a raíz de esta gira también salió el disco doble en vivo "Heima" (2007). Deben escucharlo.

Links recomendados:
Sigur Rós en Wikipedia
Festival In-Edit en Chile

¡Que tengan un muy buen año 2008 lleno de música!

El viaje a la eternidad de Josef Zawinul (1932-2007)

2007-09-12T22:55:00.003-04:00

Al parecer este mes de Septiembre está empeñándose en ser un luto permanente para el mundo de la música. Como si no bastase con la muerte del gran tenor italiano Luciano Pavarotti la semana pasada, este martes 11 de septiembre acaba de ocurrir el deceso de otro gran ícono y maestro de la música contemporánea y uno de los mayores artífices del jazz-rock: el tecladista austriaco Josef Zawinul.

La noticia me llegó por medio de una llamada que me hizo mi novia, quien sabe de sobra cuánto admiro a este genio del jazz, impactándome de lleno cuando me encontraba en pleno trabajo de escritorio. Una gran lástima la ida de este hombre que hasta a principios de este año aún estaba de gira por Europa frente a su Zawinul Syndicate para celebrar el vigésimo aniversario de esta banda. Un corazón que dio hasta lo último por la música, sobrellevando los tremendos problemas de salud que le propinaba un maldito cáncer a la piel que a la postre se lo llevó a su 75 años de edad.

Parece que el recambio generacional ya es un hecho, y los músicos que tanto nos han emocionado con su arte principalmente desde los años sesentas, ya han decidido volar de este mundo con la tranquilidad de habernos dejado tamañas herencias en sus respectivos géneros melódicos.

Sin duda, Zawinul no es la excepción en este sentido, y su legado es inconmensurable para el jazz. Signado como el responsable de incorporar a éste el piano eléctrico y el sintetizador, este intérprete de formación clásica fue quien indujo al propio Miles Davis a experimentar en esta nueva vertiente que nacía en la "música sincopada" y que fue plasmada en el legendario disco "In a Silent Way" (1969) del señor Davis, cuyo corte homónimo surgió de puño y letra del tecladista. Pero su obra naturalmente es mucho más que eso. Desde sus inicios cuando ganó la beca de la Berklee School of Music (en 1959) y se trasladó desde su natal Viena al desconocido Boston, empezó a trabajar para célebres cantantes del momento como las mismísimas Ella Fitzgerald y Dinah Washington. Pronto sus dotes como compositor lograron notoriedad al escribir para Cannonball Adderley el famoso “Mercy, Mercy, Mercy”, de 1961 (con el cual llegó a ganar un Grammy), y con ello su pase para insertarse en el epicentro del jazz, donde conocería al trompetista Davis y, entre otros tantos músicos coetáneos, a los miembros de su clásico Quintet conformado por el pianista Herbie Hancock, el contrabajista Ron Carter, el baterista Tony Williams, y el saxofonista Wayne Shorter; éste último se convertiría en su gran compañero en la odisea musical que ambos emprenderían más tarde como una de las duplas compositivas más emblemáticas que marcaría el paso en el acontecer del jazz-fusión: el grupo Weather Report. Con esta legendaria agrupación, en compañía de otros grandes que dejaron su huella como los bajistas Miroslav Vitous y Jaco Pastorius, y los percusionistas Airto Moreira y Alex Acuña, el austriaco dio a luz monumentales discos como ''Black Market'', ''I Sing the Body Electric'' y ''Heavy Weather'' (donde se encuentra su archifamoso tema “Birdland”).

La historia post Weather Report se concentraría en su trabajo como solista y con otros conjuntos como el Weather Update y el mentado The Zawinul Syndicate, que contaban entre sus filas con antiguos “reporteros” como Victor Bailey y Peter Erskine. Entre los trabajos más destacados que aparecen con su firma individual se encuentran “Dialects” (1986), “Lost Tribes” (1992), “Stories of The Danube” (1996) y “Brown Street” (2006).

En fin, datos y testimonios hay por miles en Internet sobre la vida de este genio, y esta breve reseña de su prolífica y maravillosa carrera (bastante comprimida por lo demás), no intenta más que invitarlos a seguirla; un estudio que sin duda vale la pena realizar, sobre todo para comprender y valorar algunos de los hitos y pasajes más importantes del Jazz moderno en los cuales fue un actor fundamental nuestro querido Joe Zawinul; este músico, que como reza su sitio web en palabras de su propio hijo Erich, “was born in Earth time on 07 July 1932 and was born in Eternity time on 11 September, 2007. He, and his music, will continue to inspire!”

A modo de homenaje, les dejo lo siguiente: un vídeo junto a Weather Report interpretando dos de sus clásicos temas, “Black Market” (original del disco del mismo nombre de 1976) y “Scarlet Woman” (del álbum “Mysterious Traveller” de 1974); ambos temas son interpretados en el mítico Rockpalast en una presentación hecha en 1978 por el gran cuarteto conformado por Alex Acuña en batería, el también desaparecido Jaco Pastorius en bajo, Wayne Shorter en saxofón, y Joe Zawinul en teclados.

Black Market / Scarlet Woman

(J. Zawinul / A. Johnson, W. Shorter, J. Zawinul)

Y lo segundo que les dejo es su tema “Unknown Soldier” del disco solista “Stories of The Danube” de 1996. Acá el tecladista explora una fusión con la música docta, con cierta cercanía hacia el período romántico, donde plasma los traumas de su vieja Austria y con un subtítulo bien claro, “a stream of blood and violence: the Second World War”.

Unknown Soldier
(J. Zawinul)

Los insto nuevamente a seguir conociendo de este músico visitando los siguientes links:
Sitio oficial de Joe Zawinul
Zawinul en Wikipedia
Obituario en The Times

JOSEF “JOE” ZAWINUL
(Viena, Austria, 1932 - Viena, Austria, 2007)

Se viene Calexico

2007-09-08T00:51:00.000-04:00

Aunque no soy muy amigo de estos posteos cortos, no puedo dejar la oportunidad de compartir la excelente noticia que me ha alegrado el día de hoy: la venida del estupendo grupo estadounidense que ha hecho de la fusión del indie rock con el sonido mariachi y la chanson un verdadero deleite, Calexico (¡gracias a la productora que los trae!...y gracias Marco por el dato).

El aviso es presentado en el sitio del colectivo Super45 (con entrevista a Joey Burns incluida) y anuncia que el esperado encuentro con los oriundos de Tucson es el día domingo 7 de Octubre en el Teatro Novedades (ex Oz) con precio único en las entradas, a $14.000.

La entrevista exclusiva que presentan estos muchachos del Super45 la pueden encontrar acá.

Les dejo el link de un comentario que hice en una oportunidad sobre esta banda, aquí en Corriente Alterna, y unos videos que tomé prestados del inconmensurable servicio YouTube para que nos vayamos preparando: para empezar el videoclip del tema “Cruel”; a continuación una presentación del tema “Roka” en la Radio-Canada TV en Julio del año pasado junto a la cantante española Amparanoia, más algunos integrantes del Mariachi Luz de Luna; y por último un cover del tema de 1968 del grupo Love titulado “Alone Again Or”, interpretado en el Rock Werchter ‘06. Las dos primeras piezas aparecen originalmente en el disco de Calexico “Garden Ruin” (2006), y la última en el Maxi-Single homónimo aparecido el 2003.

Cruel
(Joey Burns, John Burns)

Roka
(Joey Burns, John Convertino)

Alone Again Or
(Arthur Lee)

El gran Congreso del año

2007-09-02T02:06:00.001-04:00

Así es, para quienes me daban por perdido, tenían razón: me perdí de la blogósfera unos cuantos meses sin otra causa que la desidia obrada por el cada vez mayor empuje que implica mantener activo un blog como éste (o al menos de la manera como lo quisiese hacer, sin tantas palabras fútiles y volátiles, ni escrito a la rápida como por mero cumplimiento). Pero en fin, aunque este esfuerzo en muchas ocasiones parece no justificarse al percibirse una bajísima lectura de mis escritos, en el “horizonte de mi mente” le encuentro un sentido al saber que no soy el único sino que miles los que luchan contra la apatía por el noble objetivo de comunicar y compartir día a día en este mundo virtual; en el fondo, es como sentir y acogerse a una especie de esfuerzo mancomunado, donde el solo hecho de que un alma descubra estas intenciones desde el otro lado del monitor ya es suficiente para dar por cumplido el objetivo.

Bueno, y cuando hay algunos entusiastas compañeros bloggers y gente cercana que me rodea que reclaman la presencia de este modesto servidor por estas latitudes de la Corriente Alterna, la motivación vuelve al cuerpo nuevamente y me tiene (o retiene) acá, de vuelta.

He querido retomar este blog compartiendo la maravillosa experiencia que tuve la suerte de vivir, en compañía de mi amigo Julio y su camarada chileno-alemán Roberto, hace un par de semanas atrás con uno de los conjuntos más emblemáticos e importantes de la música popular chilena: Congreso. Se trata de la celebración de los ¡38 años! de existencia de esta gran agrupación, realizada el viernes pasado 17 de agosto, en el Centro Cultural Estación Mapocho, de Santiago de Chile.

38 años oficiales (iniciados además con el lanzamiento de su primer disco “Congreso”, en 1969) de una enriquecedora carrera musical de esta banda oriunda de la “Ciudad del Sol” (Quilpué), en la que han sido artífices de uno de los sonidos más auténticos del rock chileno en su clave de fusión latinoamericana. Una historia que comienza a partir de la unión de 2 agrupaciones: Los Masters, de donde provenían los hermanos Sergio (batería), Patricio (guitarra) y Fernando González (guitarra); y los porteños Los Sicodélicos, de donde surgió el carismático vocalista Francisco “Pancho” Sazo; a ellos se une también el bajista Fernando Hurtado. Como antecedente, ambos conjuntos por separado ya son dignos de estudiar al reconocerse en el trabajo de ellos hechos fundacionales del rock chileno (incluso mundial) como, por ejemplo, en el caso de Los Masters, ser una de las agrupaciones primitivas con un ingenioso sonido estridente y potente dentro del rock nacional, y en el caso de Los Sicodélicos ser el primer grupo beat chileno en incorporar instrumentos folclóricos como el charango y la quena, como también los primeros en interpretar una Misa-rock en el año ’67 antes de que cualquier otra banda anglosajona y mundialmente conocida lo hiciese. (Aprovecho de pasar el dato: recomiendo sobremanera leer el libro de nuestro estimado Fabio Salas “La Primavera Terrestre: Cartografía del Rock Chileno y la Nueva Canción Chilena”, editado por Cuarto Propio el 2003; de acá tomé prestado algunos datos).

Volviendo a lo nuestro, el concierto en cuestión fue emotivo de principio a fin. Un encuentro denominado “Todos estos años” que concilió a la gran mayoría de los integrantes que han sido parte de la gran familia de Congreso. Claramente eran inevitables algunas ausencias, las que se sintieron, como las del flautista Renato Vivaldi, el bajista Carlos Gana y el guitarrista Claudio “Pajaro” Araya (ambos con pasos efímeros pero no por ello menores en la agrupación), el bajista Jorge Campos y, por supuesto, el fallecido tecladista Jaime Vivanco, quien si bien no estuvo físicamente, su ángel permaneció durante todo el festejo incluso con un conmovedor solo musical suyo que se exhibió en pantalla en su homenaje.

El programa de este verdadero Congreso musical, que fue presentado por el inconfundible Sergio “Pirincho” Cárcamo y que duró cerca de 3 horas, fue una verdadera retrospectiva plagada de recuerdos (más alguno que otro adelanto del material nuevo que vendrá en su próximo disco) en un formato que nos hizo comprender aun más no sólo la evolución de las armonías que componen el tremendo acerbo cultural de esta banda, sino también el contexto político social en que fueron construidas a lo largo de su trayectoria. Así, se fueron sucediendo melodías enraizadas en el rock sicodélico, canto nuevo, folclor latinoamericano, jazz, música docta, entre otras, según las distintas etapas que ha vivido la agrupación como la época de las flores “a lo chilensis”, el Golpe Militar del ’73, la profesionalización musical de los integrantes, la campaña antipinochetista y el retorno a la democracia, la reivindicación de los derechos de los indígenas, la Convención Internacional de los Derechos del Niño, la Exposición Mundial de Sevilla ’92, entre otros tantos hitos que han marcado la carrera de estos tremendos músicos.

Lo más emocionante del encuentro fue que los temas eran interpretados en el escenario por las mismas conformaciones que le dieron vida: una hermosa y conmovedora peregrinación de los cerca de 20 maestros “congresistas” y que fue acompañada intensamente por el fiel y entusiasta público que coreó y bailó cada pieza musical que nos regalaban estos “viejos lindos”, como les llamaba cariñosamente Pirincho. Una situación que además confirmaba los fuertes sentimientos de unión y fraternidad que existe en el grupo (imaginen cuando al final de la presentación se unen todos en el tablado para interpretar el clásico "Hijo del Sol Luminoso"...uff, muy emotivo) y que además trasciende más allá de su círculo de integrantes, hacia la gente común y silvestre, a quien Congreso siempre ha acompañado en las buenas y en las malas con una cuota de alegría, esperanza, apoyo y solidaridad genuinos, tal como lo expresaron en esta oportunidad para con el pueblo hermano del Perú que acababa de sufrir el terrible terremoto en las localidades de Pisco, Ica, Chica y Cañete.

En definitiva, creo no equivocarme si asevero que he sido testigo de uno de los conciertos más memorables que ha brindado esta banda últimamente (y por su carácter, probablemente también de toda su historia), lleno de magia, de emoción, de identidad cultural, de amistad, de recuerdo; y que al mismo tiempo se convierte en uno más de aquellos hechos que se nos quedan grabados en la retina por siempre, como aquella primera vez que vi un afiche de estos Congreso pegado en la pieza de mi hermano Aldo, uno que por aquel entonces hacía referencia a la celebración de sus 18 años de vida y que fue la imagen responsable de acercarme a su música y que hoy sea un fiel seguidor.

Para el concierto que, entre paréntesis, fue la culminación de una semana dedicada a este grupo donde también se realizó un foro de discusión a cargo de Fabio Salas y una muestra fotográfica de retratos históricos de la banda captada por el saxofonista de Congreso Jaime Atenas (más otros invitados), se hizo la presentación musical en base a las siguientes alineaciones (para conocer los instrumentos que tocan cada uno indaguen en los links que les recomiendo al final):

1969 – 1974: Sergio “Tilo” González, Francisco Sazo, Fernando González, Patricio González y Fernando Hurtado.
1974 - 1976: Sergio “Tilo” González, Francisco Sazo, Fernando González, Patricio González, Fernando Hurtado y Renato Vivaldi (reemplazado por Hugo Pirovich).
1976 - 1979: Sergio “Tilo” González, Francisco Sazo, Fernando González, Patricio González, Fernando Hurtado y Hugo Pirovich.
1980 – 1983: Sergio “Tilo” González, Joe Vasconcellos, Ernesto Holman, Hugo Pirovich, Anibal Correa, Fernando González, Patricio González, Ricardo Vivanco.*
1984 – 1986: Sergio “Tilo” González, Hugo Pirovich, Ernesto Holman, Anibal Correa, Fernando González, Patricio González, Ricardo Vivanco, Jaime Atenas.**
1986 – 2002: Sergio “Tilo” González, Francisco Sazo, Hugo Pirovich, Fernando González, Patricio González, Jaime Atenas, Ricardo Vivanco, Jorge Campos (reemplazado por Federico Faure), Jaime Vivanco (reemplazado por Sebastián Almarza)
2003 – 2006: Sergio “Tilo” González, Francisco Sazo, Hugo Pirovich, Jorge Campos (reemplazado por Federico Faure), Jaime Atenas, Raúl Aliaga, Sebastián Almarza.***
2006 – 2007: Sergio “Tilo” González, Francisco Sazo, Hugo Pirovich, Jaime Atenas, Raúl Aliaga, Sebastián Almarza y Federico Faure

Lo que les dejo a modo de muestra de Congreso son dos videos y un tema musical. El primer video fue registrado por mi pocket camara (disculpen la calidad) en este gran concierto “Todos estos años” y que corresponde al tema “Canción Didáctica Nº1” del disco “Ha Llegado Carta” (1982); una pieza con los característicos cambios percutidos del sonido “congresista”. (Ver alineación *)

“Canción Didáctica Nº1”
(Mariela González, Sergio “Tilo” González)

El siguiente video fue filmado en su gira por EEUU y Canadá en el 2003 y que muestra parte de las actividades de integración cultural que ellos realizaron, un claro ejemplo del espíritu de compromiso social de estos embajadores de nuestra música; el tema de fondo es “En todas las esquinas”, del álbum “Para los arqueólogos del futuro” (1989). (Ver alineación ***, que es la que viaja en la gira)

“En todas las esquinas”
(Sergio “Tilo” González, Francisco Sazo)

Y por último, comparto con Uds. el tema “Alas Invasoras” del disco “Pájaros de Arcilla” (uno de mis preferidos). Éste es el único álbum que no ha sido editado autorizadamente en Chile hasta el día de hoy (fue grabado en 1984 por CBS Agentina, porque CBS Chile lo consideró poco comercial); curiosamente también el único disco donde no hay vocalista oficial (no están Sazo ni Vasconcellos), donde ejerce de cantor en algunos temas el notable flautista Hugo Pirovich. (Ver alineación **)

“Alas Invasoras”
(Sergio “Tilo” González)

Links recomendados:
Sitio oficial de Congreso
Discografía de Congreso
Congreso en Wikipedia
Congreso en La Piedra Feliz

Roger Waters - La genialidad no está en discusión

2007-03-27T00:00:00.000-04:00

Hace exactamanente 12 meses que Corriente Alterna vio la luz en su formato blog luego de varios años dormido tras su inicios como espacio musical en la radio de la Universidad Técnica Federico Santa María, en Valparaíso, por allá en 1995. Si bien este lugar que he dedicado en la blogósfera (gracias al empujón inicial que me diera Julio) ha sido bastante distinto del radial de antaño, el espíritu y su intencionalidad han sido los mismos: compartir “buena música” y disfrutarla; bueno, claramente desde mi punto de vista, que en este caso ha contado con la gracia de enriquecerse con los de otros compañeros blogguers. Y en este aniversario Nº 1 como blog, qué mejor que celebrarlo con uno de los responsables de mi melomanía iniciada cuando era un completo imberbe y cuya nueva visita musical a Chile ha coincidido con este aniversario: el compositor y ex–bajista de Pink Floyd, don George Roger Waters.

No cabe duda, sobre todo después de asistir a uno de sus grandiosos conciertos (y uno de los más impresionantes que se hayan interpretado en estas latitudes), que Waters brilla perfectamente por sí solo como figura gravitante de la historia del rock que ha marcado un antes y un después en la música popular luego de su intromisión en ella ocurrida hace más de cuarenta años atrás. Si bien su vínculo de por vida que tiene con Pink Floyd le hace y hará sombra permanente, su marca personal adquiere cada vez mayor independencia y reconocimiento como el mayor genio creativo detrás de la fascinante imaginería y concepción de los más emblemáticos discos de esta banda (luego de la corta era Bar rett, claro). Y cuando vemos y oímos un concierto tan espectacular como el que mostró el miércoles 14 de marzo pasado en el Estadio Nacional, en Santiago de Chile, en que salió a relucir todo su bagaje musical de notable riqueza y en el que revivió íntegramente el álbum superlativo “The Dark Side Of The Moon” (original de 1973), cualquier incertidumbre que haya podido haber al respecto en una de las cerca de 50 mil almas presentes quedó totalmente zanjada. Y es que pese a la ya antigua y estéril discusión de quién merece llamarse Pink Floyd (¿Waters o el resto de sus ex-compañeros?), la genialidad del bajista británico no está en discusión.

Durante su presentación hizo un recorrido por lo más representativo de su etapa floydiana y de su carrera solista (recordemos que ya tiene cerca de 10 discos firmados con su nombre), privilegiando claramente la reinterpretación de los éxitos con su cuarteto oriundo de Cambridge: “In the flesh”, “Mother”, "When the Tigers Broke Free", “The Final Cut”, “The Fletcher Memorial Home”, “Set the Controls for the Heart of the Sun”, “Shine On You Crazy Diamond”, “Have a Cigar”, “Wish You Were Here”, “Sheep”, “Another Brick in the Wall (part II)”, “Vera”, “Comfortably Numb”, entre otros (además del mentado disco “The Dark Side…”); de su sus trabajos en solitario destacaron “Southampton Dock”, “Perfect sense parts 1 and 2”, y la atingente “Leaving Beirut”.

Vale decir, fue una avalancha de grandes momentos creados entre él, su banda y el entusiasta público que vitoreaba cada pedazo de tema que Waters obsequiaba son ese carisma y vigor que le caracteriza. Así salieron a relucir emotivas dedicatorias a su recientemente fallecido compañero y figura inspiradora de la primera fase floydiana, Syd Barrett (¿cómo no?), y a su padre Eric Fletcher Waters, muerto en la batalla de Anzio (1944) en la II Guerra Mundial; además, no desestimó la oportunidad de lanzar duros dardos contra G.W. Bush y su improvisada y falsa guerra con Irak, como también de apuntar otras críticas hacia carniceras figuras del totalitarismo y del terrorismo del mundo moderno tales como Stalin, Hitler, Bin Laden e incluso Pinochet (de hecho, hace poco había comparado a Bush, Stalin y Pinochet declarando sobre ellos: "sabemos que son aberraciones, sabemos que son locos, su comportamiento es aberrante, es realmente anormal e inhumano"). En definitiva, hablamos de un hombre con un enorme sentido de lo humano y con un tremendo compromiso político y social que ha venido transmitiendo su mensaje con su mejor herramienta: la música.

Y este compromiso queda claro con la seriedad técnica y musical con que presenta su show: un sonido, proyecciones y puesta en escena de lujo. Luces coloridas que atraviesan el prisma; la nazistoide y escalofriante marcha de los martillos; el emblemático cerdo volador que en esta oportunidad fue intervenido por los poetas Nicanor Parra, Elicura Chihuailaf y Diego Maquieira con consignas como “Socialismo al servicio de las S.A”, “Va a nevar en el espacio y la NASA no lo sabe”, “Sorpresa en la democracia: la basura sale a flote”, y una muy acertada frase que se aprecia en pleno en la barriga del cerdo desde el momento en que éste es soltado para perderse en los surcos del cielo desatando la euforia del público: “Libres al fin”. A esto le podemos sumar uno de los momentos más emocionantes del concierto: cuando Roger Waters invita al escenario a un grupo de niños del colegio “Víctor Domingo Silva” de la populosa comuna de San Joaquín, de Santiago, a participar de la presentación del clásico temazo “Another Brick in the Wall, Part II” (¡increíble!). Algunos podrán llamarlo megalomanía, otros dirán que es política barata, y habrán quienes lo consideren una verdadera obra artística llena de mensajes conceptuales que nos hacen reflexionar. Yo me inclino por esto último, pues Waters y su discurso en escena no tienen nada que ver con la de falsos profetas como Bono ni con la de las hedonistas e interminables andanzas de los septuagenarios Rolling Stones. Hablo de algo más auténtico, más genuino que la pose de simples palabras vacías.

Lo que les dejo de aquel día que quedó marcado en mi calendario son 2 temas de Pink Floyd que pude grabar a lo lejos: en primer lugar, la sicodelia de Waters plasmada en su tema de 1968 “Set the Controls for the Heart of the Sun”, aparecido originalmente en el disco “A Saucerful of Secrets” (para quienes conocen la versión en estudio, noten el arreglo para saxofón y el sonido moderno que incorporó en ésta); y en segundo lugar, se trata de un extracto del tema “Sheep” (del álbum “Animals”, de 1977) donde se aprecia el momento cumbre en que el cerdo volador obtiene su libertad.

“Set the Controls for the Heart of the Sun”
(R. Waters)

“Sheep” – Extracto
(R. Waters)

Más información sobre Roger Waters y Pink Floyd en los siguientes links (hay muchísimos sitios más que éstos):

Sitio web oficial de “Ça Ira”, la ópera de Waters editada el 2005 tras 20 años de preparación.
Sitio web de fans.
En Wikipedia.
Sitio web oficial de Pink Floyd.
Sitio web de la Comunidad Floydiana Chilena.

ProviJazz 2007: Al di Meola en el Parque Las Esculturas, 17 de Enero 2007

2007-01-27T08:56:00.000-03:00

Tal como ya señalaba el clásico presentador de estos encuentros Jorge Aedo, nuevamente el Festival de Jazz de Providencia convierte a Santiago por unos días en la capital nacional y latinoamericana del jazz. Cada año que transcurre, ProviJazz crece como uno de los escenarios más importantes donde transitan figuras de lo más insigne de la música sincopada. Así ya hemos tenido en versiones anteriores a Micke Stern, Yellow Jackets, Pink Freud, Paquito D’Rivera, Lito Vitale, Jean-Luc Ponty, Leszek Mozdzer, Clifford Addams y los nacionales Christian Gálvez, El Cruce, Mediabanda, Agustín Moya Cuarteto, entre otros tantos exponentes. Para la versión de este año 2007, como diría un comentarista deportivo, el puntapié inicial fue dado por un verdadero crack: el guitarrista estadounidense Al Di Meola.

Las expectativas de dicho encuentro eran altísimas, luego de 10 años que el músico no tocaba en nuestro país; y eso se sentía con el tremendo despliegue mediático que hubo antes, durante y luego de su presentación. En ese sentido se ha notado una mayor cobertura del Festival de Jazz de Providencia (más sponsors, promotoras, merchandising, fotos para páginas sociales por aquí y por allá…); algo que contrasta con aquellos años en que el Festival era en cierta forma más “artesanal” y cercano a la gente (claro, si era gratis). Críticas negativas de la organización del evento aparte (como la vergonzosa manera de cobrar una incómoda ubicación en lo que antes era tradicionalmente libre y parte habitué para quienes gozaban del festival echados en el pasto al otro lado del río Mapocho), la noche en que Al pisó el escenario con su banda tuvo luz propia…pero con una lenta transición de tenue a brillante.

Con una primera parte eléctrica bastante aburrida (a mi gusto) que no alcanzaba a entusiasmar por completo al público, Di Meola se dedicó a relucir repertorio más actual que el público en general no conocía mucho y que tampoco admiró lo suficiente por sonar un tanto sintético y forzado, quizás un tanto relamido; algo que evidentemente se contrapuso al alto interés depositado en tan esperado y publicitado concierto. Así, el guitarrista se apareció con todo en el estrado mostrando aquel virtuosismo que lo ha caracterizado y que algunos admiran hasta el fanatismo, pero con un derroche de tecnicismo que a ratos pecó de frívolo e insustancial, y que decepcionó un poco tomando en cuenta la trayectoria de este hombre que ha deslumbrado a generaciones enteras con su genialidad y sensibilidad con sus 6 cuerdas. Como ya he declarado en varias ocasiones, soy contrario al virtuosismo acrobático.

Sin embargo, en una fase intermedia de la noche jazzera, el artista con rostro de erudito cogió guitarra “acústica” como queriendo salvar su noche, y en impresionantes duetos con sus músicos hizo revivir al adormecido público del Parque Las Esculturas, dando espacio a que sus acompañantes también mostraran sus dotes de eximios intérpretes mediante interesantes improvisaciones. Sin duda, esta fue la mejor parte del concierto, donde sobresalieron el argentino Mario Parmisano al piano, el puertorriqueño Antonio Escapa en la batería, el percusionista cubano Gumbi Ortiz, y el coterráneo del guitarrista Mike Pope en el bajo. Quizás uno de los momentos cumbres de esta fase estuvo dada por los fantásticos solos de percusiones que hicieron en conjunto Escapa y Ortiz, donde el conocimiento del ritmo y el espacio hacía que sus improvisaciones se intercalaran en forma natural dejándonos a muchos absortos por su capacidad creativa. Todo un espectáculo que reivindicó a Di Meola y su banda en el ProviJazz.

La tercera parte y final vuelve a ser eléctrica, pero revisando principalmente los excelentes arreglos que el guitarrista hizo de piezas de Astor Piazolla (aparecidos en su álbum "Di Meola plays Piazzolla", de 1996) y algunos clásicos de su época dorada en los 70’s y 80’s, los que, aprovechando la entusiasta respuesta durante el segmento acústico, finalmente hicieron que el público los ovacionaran de pié y con un Di Meola muy cercano diciéndoles que se acercasen a su tarima para concluir tocando con ellos bailando al son de una danza egipcia.

El tema que les dejo corresponde al de despedida en aquel encuentro musical, justamente aquella “Egyptian Danza”, en una grabación hecha humildemente por este servidor en una cámara pocket. Disculpen la calidad del video y del sonido, no es en absoluto profesional, pero sirve para percibir un poco el ambiente al término de la presentación de Al Di Meola en Chile este 2007 que recién ha empezado.

Al Di Meola - Egyptian Danza
(Di Meola)

Para mayor información sobre los músicos, les dejo los links a sus sitios oficiales:
Al Di Meola
Mario Parmisano
Gumbi Ortiz
Mike Pope

Más fotos las pueden hallar en la página web de los amigos VivoJazz

Galpón Matucana: el reencuentro. Viernes 5 de enero 2007.

2007-01-04T23:44:00.000-03:00

Hoy, mi posteo será conciso para dar un aviso. Mañana se celebra un tremendo y revividor encuentro, una cita a la que no hay dejar plantado ni dejarse plantar. Se trata de un espacio musical donde estarán 2 de las bandas más emblemáticas del rock chileno de los 80’s con tintes underground: los santiaguinos Electromésticos, y los penquistas Emociones Clandestinas. La idea, según reza el anuncio mediático, es recuperar los momentos vanguardistas que se vivieron en el famoso Galpón Matucana con estas bandas que participaron activamente en ese recinto por aquellos años y, al mismo tiempo, dar luz verde al resurgimiento del Garage Internacional (encargados de aquellos encuentros) como centro artístico.

Este evento tendrá lugar en el Museo de Historia Natural de Quinta Normal, este viernes 5 de enero, a las 21:00 hrs. y contará también con la presencia de Rolando Ramos, Álvaro España y Bure como DJs. Las entradas se pueden adquirir en la Feria del Disco o Almacenes Paris y su precio es de $9.000 general, $6.000 preventa.

Yo ya estoy inscrito, y los invito a que asistan porque la verdad promete mucho.

Para que nos vayamos poniendo a tono, les dejo los videos de los clásicos de siempre de ambas bandas. En primer lugar vemos a Electrodomésticos, la agrupación liderada por Carlos Cabezas junto a Silvio Paredes (Los Mismos) y a Ernesto Medina, con su desolador tema “Yo la Quería” de sus disco “¡Viva Chile!” (editado en 1986).

Electrodomésticos - Yo la Quería
(Electrodomesticos)

Y el segundo video, en este caso de Emociones Clandestinas, corresponde a “Un Nuevo Baile”, original de 1987 y aparecido en su única placa ochentera titulada “Abajo en la Costanera”. El tema del inadaptado personaje fue creado por su cabecilla Jorge Alvarado.

Emociones Clandestinas – Un Nuevo Baile
(J. Alvarado)

Más información la pueden obtener en www.feriaticket.cl

Y para saber más acerca de las bandas acá van unos links:
Electrodomésticos
Emociones Clandestinas

Magma…más que un mito y una leyenda, una realidad insoslayable

2006-12-28T23:59:00.000-03:00

Y hasta que prácticamente se fue este 2006. Un año bueno para algunos, malo para otros, e indiferente para la mayoría que vive el día a día. El plano musical no se escapa a estas percepciones, y al hacer el recuento pareciera que también hubo de todo. Muchos de sus hitos y noticias lamentablemente no pude siquiera nombrarlos, como ya sabrán (porque no soy el único al que le ocurre), por esas cosas en que la máquina sistémica nos absorbe a más no poder para dejarnos con un esmirriado hálito para estos cada vez más escasos y preciados momentos de ocio. Pero no seré resentido con ello, pues pese a todo este 2006 pude levantar este modesto blog que me ha dado ciertas satisfacciones y me ha permitido compartir e intercambiar interesantes opiniones con gente de similares inquietudes en el mundo y que nos hemos contactado gracias a las virtudes de estas bitácoras virtuales. Algo que sin duda ha ampliado enormemente mi bagaje musical y que, a la hora de medir con la báscula, ha inclinado este año hacia un balance positivo; así, aprovecho de agradecer en forma especial el apoyo de los amigos bloggers Julio, Alex, Adrián, Mary, los muchachos de Vivojazz, Andrea, y recientemente de Walt, como así también a mis siempre fieles lectores Marcelo y Cristóbal…y a quienes se han dado la molestia de dejar algún comentario como también de leer mis líneas en forma esporádica.

Entre aquellos hitos musicales a que hago referencia y que no quiero dejar pasar está el que tiene que ver con los franceses Magma, una de mis bandas predilectas y de las más auténticas y peculiares del orbe. El hito en sí es la edición en DVD de “Mythes et Légendes, Volume I”, otro de los tantos proyectos ambiciosos que ha liderado su apasionado baterista y compositor Christian Vander, y que esta vez tiene que ver con el plasmado audiovisual de la celebración de los 35 años de Magma, y que constó de una serie de conciertos realizados durante 4 semanas entre mayo y junio del 2005 en la sala Triton de París donde revisitaron en forma exhaustiva los trabajos musicales de la banda durante estas tres décadas y un lustro. El mentado DVD es la primera parte de 4 volúmenes que serán editados (uno para cada semana) y recorre fundamentalmente su período 1970-72 (sus discos “Kobaia”, “1001 Degrees Centigrade” y las versiones iniciales de “Mekanik Destruktiw Kommandoh”). Una de las mayores gracias de este primer encuentro es la reaparición de su vocalista más emblemático y que le imprimió un sello cardinal al sonido de Magma en los 70’s: Klaus Blasquiz.

Como siempre cantan en su intraducible pero sonoramente atractivo lenguaje "kobaiano", aquél que Vander creó como parte de su opus futurístico sobre la idea de que habitantes de la Tierra se instalarían en el planeta Kobaia (y por lo tanto hablarían en esa lengua) luego de nuestra debacle espiritual y ecológica, y que representa toda una cosmovisión que muchos han calificado rotundamente como sectaria; algo que en cierta forma se aprecia en las complejas estructuras musicales y en las situaciones catárticas que muchas veces se aprecian en sus interpretaciones en vivo como parte de una especie de adoración mística que resulta alucinante tanto para los propios kobaianos como para los que no lo somos y simplemente disfrutamos del espectáculo.

Con esto Magma demuestra que está plenamente vigente y que su inconfundible estilo, denominado por la crítica como “zeuhl”, ha sido objeto de culto de innumerables bandas en el mundo. Una resultante de una fascinante mezcla del jazz “coltraneano”, la ópera “wagneriana” y la música contemporánea de Bartók. Así tenemos un estilo plagado de cambios rítmicos (muy propios, por lo demás, de las composiciones de los bateristas), cánticos solistas y de coros que contrastan entre lo suave y lo estridente, bronces jazzeros y sincopados, guitarra y bajo distorsionados, y teclados muy minimalistas que dan ciertos aires apocalípticos en los momentos de tensa calma. En definitiva, un DVD absolutamente recomendable para todo aquel melómano adicto a lo más oscuro del rock progresivo galo.

Como dato adicional les cuento que ya salió el volumen 2 de esta serie, donde vuelve a reunirse para la ocasión otro grande: el bajista Jannick Top. Pero éste es otro capítulo dentro del blog.

Lo que les dejo de esta banda única y apasionante son dos videos aportados por el siempre sorprendente servicio YouTube. El primero de ellos se trata de un extracto del primer movimiento de su obra “Theusz Hamtaahk” presentada en este DVD.

La alineación que acá toca es:

Klaus Blasquiz: canto, percusiones
Stella Vander: canto, teclado
Rémi Dumoulin: saxofones
Yannick Soccal: saxofones, flauta
Fabrice Theuillon: saxofones
James Mac Gaw: guitarra
Emmanuel Borghi: piano, Fender Rhodes
Philippe Bussonnet: bajo
Christian Vander: batería, canto

El segundo video es un regalo a modo de cierre de este 2006. Se trata del tema “De Futura” en una presentación en la televisión francesa en 1977. Una interpretación de 10 minutos alucinante con un final vertiginoso que hace referencia a esa decadencia humana que Magma aborrece y desea superar en Kobaia. El baterista de polera blanca y rostro esquizoide es Vander; el otro calvo y de melena parada, también de rostro esquizoide, es Jannick Top. En esta oportunidad tocan:

Klaus Blasquiz: canto, percusiones
Stella Vander: canto, teclado
Lucille Cullaz: canto
Bernard Paganotti: bajo, guitarra
Michel Grallier: piano, Fender Rhodes
Benoit Widemann: piano, sintetizadores.
Jannick Top: bajo, batería
Christian Vander: batería, canto

Para más información pueden consultar en:
Sitio dedicado a Magma con interesantes entrevistas
Seventh Records, sello oficial de Christian Vander y Magma
Magma en Wikipedia

Ojo también con las agrupaciones Christian Vander Trio (y Quartet), Offering y Weidorje.

Desde ya les deseo un excelente año 2007... ¡¡y que esté lleno de buena música!!.
Un gran abrazo para todos.

KTU, la unión hace la fuerza

2006-12-11T23:50:00.000-03:00

En una de mis últimas incursiones por la disquería Triangel de Providencia, adquirí un disco bastante interesante que me atrajo por la nómina de sus músicos (bueno, esa es una de la garantías que tiene ese lugar…uno siempre encuentra cosas interesantes). Se trata de KTU (pronunciado como K-Two en inglés); un proyecto de música experimental formado por dos duplas que unieron sus fuerzas creativas de sus respectivas bandas de origen: los finlandeses Kimmo Pohjonen y Samuli Kosminen (ambos como dúo conformaban Kluster; no confundir con el antecesor de inicios de los 70s del grupo de krautrock Cluster) y los estadounidenses Pat Mastelotto y Trey Gunn (ambos del dúo TU, además de ser miembros actuales de King Crimson).

Indagando por la historia de KTU, me doy cuenta de su génesis a partir de la de sus dos mitades. La leyenda que circula por Internet cuenta que Kimmo y Samuli formaron Kluster en 2001 con una clara intención: construir un universo distinto con dos instrumentos pocas veces unidos en una misma pieza y mucho menos dentro del contexto de la experimentación; mientras Kimmo sacaba sonoridades espectaculares de su acordeón y su voz cruda, Samuli hacía arqueos con sus sampleadores sobre esas sonoridades. Este afán creativo, en el que logran transitar por recónditos e inexplorados sitios de la música moderna en que el instrumento de viento distorsionado crea sus parajes, es uno de los elementos fundamentales que caracterizan el sonido de KTU. La sonoridad de este dúo es tan potente y radical que ha atraído la atención de importantes músicos que han derivado en colaboraciones con los islandeses MUM, el Kronos Quartet y el Proton Quartet, entre otros.

Por el lado de la segunda mitad de KTU, los orígenes de TU se remontan a la época en que el percusionista Pat Mastelotto y el stickista-guitarrista Trey Gunn participaron juntos por primera vez en el tour de David Sylvian & Robert Fripp como músicos de sesión. La cohesión que desarrollaron en la base rítmica de dicha banda atrajo irremediablemente la atención de Fripp, quien los invitó a formar parte de una de las últimas alineaciones de King Crimson, una de las agrupaciones más importantes del mundo en la escena experimental y progresiva de las últimas décadas, y con quienes Mastelotto y Gunn han forjado una exitosa carrera que ha actuado como trampolín para hacer sus propios proyectos en solitario (uno de ellos trajo a Gunn a Chile junto al canadiense Joe Mendelson en octubre del año pasado) y como dúo con el propio TU. Después de la experiencia con los maestros Fripp y Sylvian, y de innumerables colaboraciones con otros músicos (John Paul Jones, XTC, Trail of the Dead, Julia Fordham, Vernon Ried, Hall & Oats, The Sugercubes, Jude Cole, Steve Hackett, por nombrar sólo algunos), ellos quedan claros de su potencial como estructura de bajo y percusión, lo que los lleva a afianzar su proyecto TU cuyo sonido explora la improvisación al máximo siempre con un toque distintivo, el que ya dejan como sello en las últimas producciones de King Crimson y en el primer disco como dupla editado en 2004.

Lo claro que uno descubre al oír a KTU es que ambas medias naranjas conjugan en perfecta simbiosis los elementos particulares que tanto Kluster como TU venían desarrollando por separado. El resultado es una explosiva e ingeniosa fusión instrumental con fuertes dosis de improvisación entre la batería, el stick, el acordeón, el sampler y la voz que obligan al oyente no entrenado a mutar de una personalidad apacible a otra totalmente delirante para poder digerirlos de buenas a primeras. Ojo que la mitad de su primer y único disco editado hasta la fecha (“8 Armed Monkey”, lanzado por el sello finlandés RockAdillo en 2005) no es apto para oídos sensibles.

Lo que les dejo a continuación es el tema “Optikus”, escrito por Pohjonen, y que corresponde a una presentación de KTU en el festival FMM de Sines, Portugal, en julio del 2005; una de las composiciones más fascinantes del primer trabajo discográfico del cuarteto. El diseño del sonido surround y los efectos adicionales de la interpretación están a cargo de otro finlandés, Heikki Iso-Ahola.

"Optikus" (Pohjonen)

Más información en:
Sitio web oficial de Kimmo Pohjonen
Sitio web oficial de Trey Gunn
Sitio web oficial de Pat Matelotto

El baterista de Canterbury, Pip Pyle (1950 - 2006)

2006-11-19T00:17:00.000-03:00

El tiempo ha sido implacable por estos días a la hora de osar escribir una línea en este humilde blog. Como un “recurso” cada vez más escaso, he tenido que conformarme con poco para dar rienda suelta a mis viajes musicales cibernáuticos y darme el gusto de compartirlo con quien se tope con esta Corriente Alterna. Y como la vida es dúctil y cambiante, mientras hace una semana tenía pensado comentar una cosa - las dos jornadas del festival SUE (Santiago Urbano Electrónico), que se realizó los días jueves 2 y sábado 4 de noviembre y donde participaron, entre otros, DJ Shadow, Daft Punk, Chancho en Piedra y los legendarios Beastie Boys…todos fascinantes, siendo a mi gusto los franceses Daft Punk lo mejor como espectáculo en música y performance –, termino escribiendo sobre otro hecho musical totalmente disímil. Y es que dos razones me han hecho cambiar drásticamente de opinión para este posteo en particular: la primera, pero no por ello la más relevante, es que como se dice “ya pasó la vieja” con este festival; con todo el boom mediático que tuvo este encuentro antes e inmediatamente después de haberse realizado, un comentario mío a estas alturas ya parece redundante, aburrido y poco interesante. La segunda razón sin duda es de mucho mayor peso para mí, y es que me acabo de enterar, con un cierto retraso, de otra lamentable pérdida para el mundo de la música moderna (…again); se trata del fallecimiento del selecto y siempre inquieto baterista británico Phillip “Pip” Pyle, uno de los personajes más activos e ilustres del “movimiento canterburiano”. Y aunque no quisiera convertir este sitio en un obituario permanente, mi aprecio a este músico me obliga volver a homenajear a un artista de forma póstuma.

¡Qué terrible!...qué amargura saber que el tiempo no sólo es implacable en un par de semanas para nimiedades y gustillos, sino también lo es en la vida misma, en la existencia de las personas, y que cada vez con mayor frecuencia se nos están yendo emblemáticas figuras del gran espectro que la música nos ofrece (ya he comentado en este año a Syd Barrett y a Boz Burrell)…y la afamada escena canterburiana no ha sido la excepción. Es así como esta generación musical, una de las más importantes de los últimos tiempos, se ha visto mermada por lo que tendemos a llamar “el proceso natural de la vida”; ya nos han dejado el tecladista Peter Bardens (Camel; aunque no pertenece propiamente tal al movimiento, sí se relacionó con él) en enero del 2002, el percusionista Pierre Moerlen (Gong, Mike Oldfield…) en mayo del año pasado, el saxofonista Elton Dean (Keith Tippett, Soft Machine, Soft Works…) en febrero del presente y ahora nuestro querido Pip, apodado “el baterista de Canterbury”.

Pip Pyle, para quienes no sepan de él, fue uno de los intérpretes de la batería más pretendidos por los músicos de aquel movimiento inglés. Su extensa e inagotable carrera le hizo ser partícipe de innumerables bandas musicales y dejar registros en más de sesenta discos. Aprovechando la cronología ofrecida por su página web oficial, les transcribo las agrupaciones más destacadas y los períodos correspondientes en que participó:

Delivery (1966-70), Chicken Shack (1970-71), Gong (1971), Paul Jones Group (1972), Hatfield and the North (1972-75), Weightwatchers (1975-76), National Health (1977-83), Soft Heap (1978-88), Rapid Eye Movement (1980-81), In Cahoots (1982-2001), Pip Pyle's Equip'Out (1984-95), Patrice Meyer Trio/Quartet (1985-87), Mimi Lorenzini Trio (1987), Faton Cahen Trio (1987-88), John Greaves Band (1990-91), Short Wave (1991-96), Gong/Shapeshifter (1992-93), Hugh Hopper Band (1994), Richard Sinclair/RSVP (1994), Gong (1994-96).

Los grupos donde él tocó hasta su muerte fueron Pip Pyle's Bash, Absolute Zero, y el renacido Hatfield and the North, siendo este último uno de sus más interesantes proyectos iniciados en los 70’s en que compartió aventuras junto a Phil Miller (guitarra), Richard Sinclair (bajo, voz) y Dave Stewart (teclados).

La sensibilidad y eclecticismo musical de Pyle era realmente asombrosa, con una capacidad de transitar libremente por la psicodelia, el blues, el avant-garde jazz, y el rock progresivo. Su timbre musical era difícil de emular, caracterizado por una polirritmia expresiva en que alternaba bombos rockeros y platillos jazzísticos con una consistencia envidiable, haciéndonos sentir el estilo que emanaba del pleno corazón del río Stour de Canterbury, donde él se desenvolvió mayormente. Ante esta quizás escuálida descripción de técnica instrumental (sin duda un verdadero baterista o percusionista podría explicarla mucho mejor), lo que queda claro una vez que se le oye en sus distintas agrupaciones es ese aspecto que siempre he resaltado de un bueno músico: su pasión por tocar y transmitir la música, su entrega hacia el auditor que le escucha envasado y aquél que le sigue en vivo. Esto fue algo que Pyle demostró hasta el día lunes 28 de agosto de 2006, fecha en que emprendió un nuevo rumbo.

Entre los discos más alegóricos en los que él plasma dicha pasión se encuentran “Camembert Electrique” (1971) de Gong, “Banana Moon” (1971) de Daevid Allen, “The Rotter’s Club” (1975) de Hatfield and the North, “D.S. Al Coda” (1982) de National Health, y “Live In Japan” (1993) de Phil Miller/In Cahoots.

Lo que les dejo en su homenaje son 2 temas que ejemplifican la expresividad interpretativa de Pyle. El primero de ellos corresponde a los excelentes Nacional Health, considerada por muchos como la última de las grandes bandas del fenómeno sonoro de Canterbury. Su nombre: “The Apocalypso”; y aparece en su compilatorio doble “Complete” de 1990. Los músicos que tocan son:

Dave Stewart: órgano, pianos eléctrico y acústico, Minimoog, generador de tonos.
Phil Miller: guitarra.
Neil Murray: bajo.
Pip Pyle: baterías, percusión, glockenspiel, timbales, shaker, campanas, sonidos de manos.

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El segundo tema es un lúdico medley junto a los carismáticos Gong, en una presentación en Nottingham en 1990 y que salió originalmente como “Live on TV” ese mismo año (luego se re-editó dentro de la serie “Classic Rock Legends”). Los músicos que en esta oportunidad aparecen son:

Daevid Allen: voz, guitarra, glissando guitar
Gilli Smyth: space whisper, voz
Didier Malherbe: saxos tenor y soprano, flauta
Steffe: guitarrra, voz
Twink: sintetizadores, teclados, coros
Keith tha Bass: bajo, voz
Pip Pyle: batería

Nótese que mientras todos tocan bajo disfraces, Pyle es el único con pinta de “normal”.

Los sitios recomendados son:
Sitio oficial de Pip Pyle
Pyle en Calix (sitio dedicado al movimiento en Canterbury)
Pyle en Wikipedia

PHILLIP “PIP” PYLE
(Sawbridgeworth, Hertfordshire, Inglaterra, 1950 – París, Francia, 2006)

Raymond “Boz” Burrell (1946-2006)

2006-10-25T00:06:00.000-03:00

Hace poco me enteré, mientras visitaba la página de El ephant Talk (de newsletters acerca de King Crimson y sus músicos asociados), del lamentable fallecimiento de uno de sus integrantes más fugaces pero intensos que haya tenido esta legendaria agrupación y que ocaeció hace un mes atrás: se trata del bajista y vocalista inglés Boz Burrell, quien tocó en el período 1971-72. Paralelamente, mediante la página del diario británico The Ind ependent, me entero de su triste obituario:

“Raymond Burrell (Boz Burrell), bass guitarist: born Holbeach, Lincolnshire, 1 January 1946; married; died 21 September 2006.

Boz Burrell was a singer and bass player who played with the progressive rock band King Crimson and was a founder member of the stadium band Bad Company. Although Bad Company had considerable UK success, it was in the United States that they became a major force with such songs as "Can't Get Enough", "Feel Like Makin' Love" and "Rock'n'Roll Fantasy" in the mid-1970s.”

Pese a reconocérsele principalmente por su contribución en la famosa banda de blues-rock y hard-rock Bad Company (que fundó, entre otros, junto al vocalista Paul Rodgers, el mismo que salió de gira con la forzosa y penosa reaparición de Queen), mi gusto por su aporte musical se inclina fuertemente hacia su aparición en la agrupación del Rey Carmesí, donde dejó una huella indeleble como uno de los miembros catalizadores de una de sus etapas más ácidas y psicodélicas, y que ha sido objeto de culto hasta ahora para los miles de seguidores crimsonianos.

Y no es para menos si es que escuchamos los dos discos oficiales que grabó en la época: el exquisito y relajante “Islands” (1971), y el brutal y escalofriante “Earhtbound” (1972) grabado en vivo durante la gira del ’71. Si bien en el primer disco Boz no brilló demasiado debido principalmente, por un lado, a que aún permanecía la sombra dejada por Greg Lake y, por otro, al personalísimo estilo impuesto por su líder y eximio guitarrista Robert Fripp (lo que llevó al quiebre de la sociedad entre Fripp y el letrista Pete Sinfield, quién se unió posteriormente en dicha tarea a Emerson, Lake and Palmer), su suave forma de cantar le imprimió aquella melancolía y calidez ideal para el concepto marino del álbum basado en los memorables parajes de las Islas Baleares. Para entonces Boz, que se había incorporado sólo como vocalista, debió aprender rápidamente a tocar el bajo de la mano del propio maestro Fripp a falta de un integrante estable que lo tocase (…vaya, yo creo que ni él mismo se habría imaginado en ese momento que continuaría el resto de su carrera musical abrazando ese instrumento), llevando dignamente ese rol en perfecta armonía con los bellos vientos que le imprimían el resto de sus compañeros (oboe, saxo, corno).

En “Earthbound”, en tanto, Boz saca a relucir lo más fuerte y consistente de su registro vocal, al igual que lo hace el resto de la banda en sus respectivos instrumentos (potente interpretación del clásico “21st Century Schizoid Man”). Con esta placa el vocalista demuestra su capacidad de transitar desde un estilo interpretativo frágil y sublime (en estudio) hacia otro realmente intenso y duro donde se da el lujo de vociferar como un blues-man descarriado (en vivo), lo que genera desde ya una tremenda admiración por aquella fascinante aptitud de saltar de un estado a otro y que ha sido uno de los elementos característicos de la propuesta de King Crimson en todas sus etapas.

A modo de homenaje a Boz y agradeciendo su legado a una de mis bandas favoritas, les dejo uno de los temas que más me gusta del disco “Earthbound”, el que se titula “Peoria” y que es una completa improvisación que venía haciendo la banda en escenario. En ella el vocalista canta al estilo scat, que es esa manera tarareada de poner la voz que tienen los cantantes de jazz. El sonido no es de lo más limpio, pues, pese a estar remasterizado en su tardía edición en CD (recién en 2002), fue registrado originalmente con una grabadora portátil; pero no importa, ya que contribuye a ese sonido oscuro que les mencionaba (se dice que es uno de los primeros discos piratas editados oficialmente en la historia del rock).

A saber, la agrupación que toca en este disco es la siguiente:

Robert Fripp: guitarra eléctrica
Mel Collins: saxos alto, tenor y barítono, melotrón
Boz: bajo eléctrico y voz
Ian Wallace: batería

Para conocer más sobre Boz, les dejo los siguientes links:
Biografía en Answers.com
Entrevista a Raymond "Boz" Burrell (en inglés)
Otro obituario-biografía

RAYMOND "BOZ" BURRELL
(Lincolnshire, Inglaterra, 1946 - Marbella, España, 2006)

Anathema: Santiago, 10 de octubre 2006

2006-10-11T23:20:00.000-04:00

Este martes 10 de octubre recién pasado, se cumplió uno de los sueños que tuvimos muchos de poder apreciar en vivo y en directo a uno de los grupos más cautivantes del metal emotivo de estos tiempos: los ingleses Anathema. Un sueño que fue postergado hace un par de años atrás cuando luego de bastante promoción se había anunciado su arribo por estas tierras y, por fuerza mayor, debieron suspender su paso por Mexico y Chile dejando a muchos seguidores con la ilusión truncada. Pese a ello, la paciencia tuvo su recompensa para los cientos de ellos, entre los que me incluyo, que se apostaron en el Teatro Caupolicán, en la calle San Diego de Santiago. Y los mismos Anathema se encargarían de dejarlo en claro desde un inicio cuando su vocalista, Vincent Cavanagh, declaraba luego de terminar el potente tema “Fragile Dreams” en perfecto español: “¡finalmente llegamos!...finalmente”.

Con una clara intención de entablar una simbiosis desde un comienzo con el público chileno, como queriendo compensar el tiempo transcurrido que esperamos verlos, los hermanos Cavanagh y compañía dieron toda la potencia y energía que caracteriza el sonido de Anathema con esa fuerte dosis de emotividad que los hace especialmente queridos dentro de la escena del hevy metal. Ocupando las precisas palabras del prólogo de una de las entrevistas ofrecidas por la banda (y publicadas en el sitio web chileno dedicado a ella), su concierto estuvo marcado por sus inconfundibles “riffs monolíticos y atomósferas asfixiantes”. Sumergidos en ello sacan a relucir temas de su último disco “A Natural Disaster” (2003), de los clásicos “Eternity” (1996) y “Alternative 4” (1998) y de sus primeros trabajos en que recordaban sus tiempos de black metal y doom metal (espectacular la interpretación de “Sleepless” de su quinto álbum “Serenades”, de 1993), entre otros valiosos elementos de su discografía.

De esta forma, la banda oriunda de Liverpool hizo una completa muestra de su historia musical y demostró por qué tras una una progresiva transformación de su sonido, desde aquel oscuro black metal de sus orígenes hasta desarrollar una especie de rock alternativo en la actualidad, se han permitido contar con el respeto y admiración de prosélitos de ambos extremos; un fenómeno que resulta atípico (al igual que el de los holandeses The Gathering) en el mundo del rock extremo donde proliferan los intransigentes y los que no perdonan este tipo de cambios. La clave estaría, aparentemente, en su sello melancólico y depresivo pero a la vez positivo que le han impuesto a sus atmósferas y letras, atrayendo a unos y a otros fuertemente por un mensaje en común. Así, temas viejos y temas nuevos, todos daban pié al cabeceo, a los saltos al son de los bajos, al clásico baile slam y a su disfrute catártico con una emoción escalofriante de estar presenciando a uno de los conjuntos más importantes del heavy metal (y sus derivados) que hayan pisado suelo chileno.

Y para rematar la jornada, luego de dos horas tocando de manera ininterrumpida, ofrecen un cover de Pink Floyd (quizás la banda más referenciada por Anathema dentro de sus influencias) original de su disco “The Wall” de 1979 (¿que otro podría ser?)…era nada menos que su clásico “Confortably Numb”. Así, no quedaba más que agradecer la contundencia de su concierto y el cariño que demostraron hacia el público.

En esta oportunidad, a modo de acercarnos un poco a lo que se vivió en aquella grandiosa noche, les dejaré dos temas en vivo interpretados por la misma alineación que vino a Chile y que fue la siguiente:

Vincent Cavanagh - Voces, Guitarra
Daniel Cavanagh - Guitarra principal
Jamie Cavanagh - Bajo
Les Smith - Teclados
John Douglas - Batería
Lee Douglas - Voces

El primer tema es el clásico “Sleepless” en una presentación aparecida en su DVD “Were you there?” (2004) donde muestran toda su potencia en este tema de su primera etapa.

Sleepless
(Anathema)

And I often sigh
I often wonder why
I'm still here and I still cry

And I often cry
I often spill a tear
Over those not here
But still they are so near

Please ease my burden

And I still remember
A memory and I weep
In my broken sleep
The scars they cut so deep

Please ease my burden
Please ease my pain

Surely without war there would be no loss
Hence no mourning, no grief, no pain, no misery
No sleepless nights missing the dead... Oh, no more
No more war

El segundo tema se titula “A Natural Disaster”, interpretada con la maravillosa voz solista de Lee Douglas y que fue registrada para su último trabajo audiovisual, “A Moment in Time”, editado este año.

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A Natural Disaster
(Daniel Cavanagh)

It's been a long cold winter without you
I've been crying on the inside over you
Just slipped through my fingers as life turned away
It's been a long cold winter since that day

It's hard to find
Hard to find
Hard to find the strength now but I try
And I don't want to
Don't want to
Don't want to go on and speak now
Of what's gone by
Cos no matter what I say
No matter what I do
I cant change what happened
No matter what I say
No matter what I do
I cant change what happened

You just slipped through my fingers
And I feel so ashamed
You just slipped through my fingers
And I have paid

Cos no matter what I say
No matter what I do
I cant change what happened
No matter what I say
No matter what I do
I cant change what happened
No no I can't change

Just slipped through my fingers
And I feel so ashamed
You just slipped through my fingers
And I have paid.

Los links de siempre:
Sitio web oficial de Anathema
Sitio web no oficial de Anathema en Chile
Completo sitio en Chile dedicado a Anathema
Anathema en Wikipedia (en español)

Los ojos del alma de Mal Waldron

2006-10-01T00:57:00.000-04:00

El haber presenciado este martes pasado el extraordinario concierto ofrecido por el gran contrabajista inglés Dave Holland y su quinteto en el Montercamelo de Providencia, Santiago, me dejó con muchísimas ganas de retomar algunos de mis queridos discos de jazz de la línea más tradicional. El álbum compilatorio “Soul Eyes: The Mal Waldron Memorial Album” (2003) del desaparecido pianista estadounidense Mal Waldron es uno de ellos y aunque musicalmente no se relaciona mucho con el estilo de Holland, ambos poseen la misma intensidad y distinción para componer e interpretar sus temas.

Debo reconocer que el disco enunciado fue una sorpresa para mí al conocerlo gracias a las siempre certeras sugerencias de mis estimados amigos Juan Pablo y Sergio de la disquería B Music de Providencia. El descubrimiento surgió apenas cuando el disco sonaba como música promocional en el local y “paré la oreja” para prestarle mayor atención y darme cuenta de la delicadeza musical que emanaba del piano de Malcolm Earl Waldron (como es su nombre completo). Al leer las referencias que aperecen en el inserto del CD, me percato que la música que en él se retrata se registró principalmente en su etapa de colaborador y músico de sesión desde fines de los cincuentas hasta mediados de los sesentas; pese a este rol más “secundario”, el compilatorio resalta sus obras como compositor para emblemáticos artistas del mundo del jazz tales como Charles Mingus, John Coltrane, Webster Young, Teddy Charles y Eric Dolphy, entre otros tantos (de hecho en el disco figura una contundente lista de consagrados músicos que supera la veintena). De esta forma, se aprecia la capacidad de Waldron para construir melodías conforme a ritmos y estilos diversos según el instrumento y el intérprete, pasando por el saxo tenor, el corno francés, el saxo alto, el vibráfono y, por supuesto, el propio piano. La constante en este caso es la elegancia y frescor de su música, eso sí con un toque bastante introvertido que plasma en su sonido, sin caer en absoluto en la ligereza ni en la futilidad que en no pocas ocasiones nos encontramos en este tipo de compilados y que nos hacen sentir que más bien estamos en la típica consulta médica o en los actuales resto-bar que pretenciosamente quieren darle un toque “cool” a su ambiente con ese insulso jazz sintético.

Con este trabajo tenemos el privilegio de escuchar interpretaciones del Prestige All Stars, del Prestige Jazz Quartet, del Mal Waldron Trio, y del Dolphy Quintet, por nombrar unos cuantos; algo que deja en claro el “colaboracionismo” del pianista en aquel período y que heredó desde sus inicios en New York como piano-man de numerosos grupos de rythm&blues y posteriormente de Billie Holiday y del grupo de Charles Mingus. En definitiva, este recopilatorio de Waldron es un disco sumamente aconsejable, sobre todo para quienes se interiorizan por primera vez en su música.

La pieza musical escogida, como casi siempre, resultó difícil de escoger. La de esta oportunidad se titula “Dear Elaine”, una hermosa balada de más de ocho minutos que se construyó básicamente sobre la figura minimalista de dos tonos, y que fue dedicada a la primera esposa del músico. Esta obra fue registrada originalmente en Junio de 1957 para el álbum “The Prestige Jazz Quartet” lanzado por el cuarteto homónimo liderado por el vibrafonista Teddy Charles. La alineación que aquí interpreta es:

Teddy Charles: vibráfono
Addison Farmer: contrabajo
Jerry Segal: batería
Mal Waldron: piano

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Links:
Entrevista a Waldron en 1977
Waldron en Wikipedia
Waldron en The Jazz Pages (en alemán, con extensa discografía)

MAL WALDRON

(New York, EEUU, 1925 - Bruselas, Bélgica, 2002)

El pié de cueca de Los Jaivas

2006-09-16T01:11:00.000-04:00

Habiendo sido inauguradas ya estas largas y merecidas fiestas patrias, nada mejor que empezar a ambientarse con la música folclórica de uno de nuestros más insignes y queridos representantes de la cultura popular chilena: el grupo Los Jaivas. Y qué mejor aún que hacerlo asistiendo al concierto que estos carismáticos músicos nos ofrecerán este sábado 16 de septiembre en la Quinta Vergara, en Viña del Mar (ciudad originaria de la banda), donde interpretarán por primera vez en Chile continental el concierto “Rapa Nui, los ojos que miran al cielo” que estrenaron en mayo pasado en Isla de Pascua.

Y por lo que se promociona, este concierto tiene muy buena pinta (bueno, lo mínimo que se podría esperar de Los Jaivas); y así es como lo señala, por ejemplo, el Mercurio de Valparaíso en su página web: “Un gran Concierto Rapa Nui ofrecerá la agrupación Los Jaivas el próximo 16 de septiembre en la Quinta Vergara de la Ciudad Jardín. El recital nació gracias a un Proyecto de integración promovido por este conjunto, para lo cual el grupo se trasladó a la Isla de Pascua por 15 días y culminó con un gran concierto en la Isla en presencia de autoridades y los habitantes de la Isla. Este concierto en el anfiteatro al aire libre de la Quinta Vergara contará con la presencia de músicos y bailarines oriundos Rapa Nui, quienes interactuarán con Los Jaivas, repitiendo la mágica experiencia del concierto en la Isla con sus instrumentos, vestuarios y pinturas corporales, una ambientación polinésica de moais y plantas ornamentales, la sección de bronces de la Banda de la Armada de Chile y una sección de cuerdas sinfónicas juveniles. Además el concierto estará acompañado de hermosas proyecciones en pantallas gigantes, del grupo en Rapa Nui e imágenes inéditas de su próximo DVD. El espectáculo será animado por Sergio “Pirincho” Cárcamo y el actor y actual diputado Álvaro Escobar.” Además, a esto hay que agregar que el concierto se realizará el mismo día en que el municipio viñamarino habrá inaugurado un monumento en homenaje a Eduardo "Gato" Alquinta, en la misma Quinta Vergara…o sea, un momento imperdible.

Y cuando entramos a hablar de Los Jaivas, ya estamos hablando de palabras mayores. Este conjunto no por nada ha durado más de cuatro décadas en los escenarios (para ser precisos, 43 años según ellos mismos declaran) desde sus orígenes como The High & Bass y con una discografía que cuenta más de una veintena de trabajos oficiales. Y pese a los embates que la vida les ha propinado al llevarse consigo a integrantes emblemáticos como el eximio baterista Gabriel Parra, a la voz de Gato Alquinta y, más recientemente, a su propio hijo Eloy (que llegó a Los Jaivas luego de la muerte de su padre, falleciendo lamentablemente él mismo al poco tiempo), Los Jaivas siguen en pié de cueca…¡¡y en qué pié!!

Recuerdo que la primera vez que los presencié en vivo fue en mi más temprana niñez cuando familia completa fuimos a verlos al Coliseo de la lluviosa ciudad de Valdivia. En aquella oportunidad venían promocionando directo desde París (lugar donde residian en ese entonces) su obra maestra “Alturas de Macchu Picchu” (editado en 1981) con un Gabriel Parra haciendo un tremendo solo de batería con aquella máscara típica de las diabladas nortinas; objeto que vendría a convertirse en uno de los símbolos más utilizados dentro de la imagen del grupo (junto con el hombre-cóndor) y que hasta ahora, como parte de aquella presentación, es uno de los recuerdos más vívidos que tengo.

Y no sólo yo quedé marcado con este legendario grupo, sino que también lo han quedado varias generaciones de chilenos (y por qué no decir, también de otros países vecinos) que han visto reflejado en Los Jaivas el alma musical del pueblo latinoamericano, al tocar piezas enraizadas en su folclor que al mezclarlas de manera exquisita con los intrumentos tradicionales del rock han conformado un sonido original y característico que sólo Los Jaivas pudieron concebir. Es así como esta banda chilena fusiona ritmos típicos como la cumbia, el candombe, la cueca, el huayno, el salto, y el mambo entre tantos otros, con elementos claves del rock progresivo y hasta de la música docta (es notable la presencia de clavecines en algunos temas), haciendo que su estilo sea prácticamente inclasificable pero tan único a la vez que en Europa llegaron a denominarle como “inca rock” (principalmente por su mentado disco “Alturas…”).

En concreto, nos estamos refiriendo a una banda que se ha transformado con los años en una verdadera institución en Chile, cuya influencia en nuestra cultura musical se ha manifestado desde las clases en las escuelas y colegios (clásicos de estudio son los temas “Mira Niñita” y “Todos Juntos”; además fueron los que popularizaron la flauta dulce en el país) hasta las cortinas de importantes programas y documentales de televisión.

Para ponernos a tono con la celebración de este 18 y para el espectáculo que se viene en la Quinta Vergara, hagámoslo con 2 cuecas interpretadas por este grupo (entiéndase que son cuecas al estilo “jaiviano”): la primera se titula “Me encontré al diablo”, grabado en agosto de 1998 y que aparece por primera vez en el disco compilatorio “En el bar-restaurant ‘Lo que nunca se supo’” (2000); podría decirse que esta pieza es de lo más cercana a una verdadera “pata de cueca” que les he oido. Y la segunda se llama “En la quebrá’ del ají”, original del álbum “Todos juntos” (también conocido como "La Ventana") de 1972, pero esta vez en su versión en vivo correspondiente a una presentación en abril de 1988 en el Teatro Teletón de Santiago; en ésta se nota la extrordinaria forma de tocar de los músicos, en especial Gabriel Parra que, a la sazón, era considerado uno de los máximos exponentes de la batería en la escena rock en el mundo. Acá van ambas con sus respectivas letras, dando una pequeña muestra de la versatilidad que este grupo tiene.

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Me encontré al diablo
(Los Jaivas)

Pasando por Rancagua una noche al diablo me encontré.
Que andaba cesante, me dijo, oliendo al alcohol.
Su capa elegante un travesti en Talca se la robó.

Bien cañoneao’, mal encachao’, y en cueros no más.
Lo llevé a su casa, le encendí fuego, ¡Sí Señor!
Ya tiró los guantes, anda cesante. Pena me dio.

¡De tanto darle aquí y de ponerle acá!
Diablo pa’ mal encachao’ andaba cabreao’ ¡Sí señora!
Diablos hay pa’ la historia lo digo yo. ¡Claro que sí!

Conce lo maltrató, en Pancho le fue peor.
Allá en Santiago lo acusan de comunista, ¡Hay señora!
Le rasparon los cachos, señora, pa’ estimulante.

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En la quebrá’ del ají
(Los Jaivas)

En la quebrá del ají,
vive la gente feliz,
las velas nunca se apagan
salvo cuando hay luna llena,
las gallinas ponen torillas al amanecer.

Los paltos dan paltalones,
las ranas lavan las flores,
llueve cuando hay sopaipillas,
las arañas tejen chalecos
de un dos por tres.

En la quebrá del ají,
los días pasan por siaca,
el sol es padre y señor,
las mañanas salen al alba
a caminar.

Las tardes llegan temprano,
saltan los niños contentos,
y como si fuera poco
el Diablo vuela juntando leña
para el fogón.

Corren los vientos sin nombre,
y suenan las flautas solas,
los gallos cantan en coro,
el buey toca en su panza el bombo
con emoción.

Bajan las nubes de tinto,
suben los cantos pa'l cielo,
tiembla la tierra al compás
entre soles y lunas llenas
se vive allí.
¡Aurora!

La formación que toca en ambos temas es:

Eduardo "Gato" Alquinta: Voz, Guitarra, Instrumentos de cuerda y viento, Percusión
Mario Mutis: Bajo, Instrumentos de cuerda y viento, Percusión, Coros
Claudio Parra: Piano, Acordeón, Teclados, Sintetizadores, Percusión
Eduardo Parra: Órgano, Teclados, Sintetizadores, Percusión
Gabriel Parra: Batería, Percusión, Instrumentos de cuerda y viento, Coros; en “La quebrá’ del ají”
Juanita Parra (hija de Gabriel): Batería, Percusión, Coros; en “Me encontré al diablo”.

Los links que les dejo son bastantes completos para conocer más acerca de la vida y obra de Los Jaivas:
Sitio oficial de la agrupación
Los Jaivas en Wikipedia

Los “oriundos” de Calexico

2006-09-09T12:33:00.000-04:00

En mi última visita a mis antiguos barrios de Viña del Mar, me desvié un poco del trayecto habitual para ir a visitar a mi estimado amigo Bernardo, de la selecta disquería Orangedays. Entre conversa y conversa, y escucha y escucha de discos, me enseñó un grupo con el que quedé gratamente sorprendido y que ha sido una completa revelación para mí. Se trata del conjunto estadounidense Calexico.

Indagando por la Red, descubro que esta banda, oriunda de Tucson, Arizona, (…al revés de lo que podría pensarse por su nombre) tiene su seno en el dúo conformado por los músicos Joey Burns y John Convertino, dos ex integrantes del proyecto experimental de country rock Giant Sand, y que desde sus inicios en los tempranos ‘90s ya cuentan con cerca de una decena de discos entre álbumes de estudio y compilatorios. Pero esto es sólo una parte ínfima de su gracia, la cual viene dada, ciertamente, por su contenido musical: una exquisita mezcla de indie rock, spaghetti western, texmex, mariachis, música afro-peruana, jazz y algo de electrónica. Impensado, ¿no?...bueno, así como de impensado es, así de real es su música. Todo fruto de una intensa admiración y exploración de la cultura del Oeste Americano y del sello ecléctico y moderno que le imprimen a su sonido. No por nada le pusieron Calexico a su conjunto (que más bien es un colectivo), una ciudad de Estados Unidos en la frontera con México y que viene a simbolizar el cruce cultural que Burns y Convertino exponen.

Ante tal enseñanza musical, no me quedó otra cosa que llevarme algún trabajo de ellos para la casa; y éste fue el DVD titulado “World Drifts In: Live at the Barbican” (2004, Quaterstick Records). Una de las mejores presentaciones en vivo descritas por las cámaras filmadoras que tengo el honor de ver y escuchar. Sobria aparición (fondo negro, luces semi-estáticas, vestuarios oscuros pero elegantes) que focaliza la atención en la música de estos chicos que dejan en claro su perfecto conocimiento del mundo de origen anglosajón (indie rock) y del latino (mariachis). Y en esta cruzada se hacen acompañar por músicos de excelente calidad interpretativa que sacan sonidos del contrabajo, guitarrón, marimba, pedal steel, violines, vihuelas, acordeón, melódica, batería, y bronces…mucho bronce, entre otros. De esta forma aparecen en escena como invitados especiales la estupenda Françoiz Breut, una de las chanteuses más célebres de la canción francesa contemporánea (…imaginen, además de todas las influencias que les señalé, temas cantados en el idioma galo), y la tremenda banda de mariachis Luz de Luna que hacen vibrar a todo un teatro lleno que termina aclamándolos.

En definitva, lo que se ve acá es un proyecto único y bellísimo de fusión cultural que es digno de apreciar en vivo y que nos hace preguntarnos, como tantas otras veces, por qué este tipo de espectáculos no llegan aún por estos lares; en fin, al menos tenemos el DVD.

Lo que les dejo es el tema de despedida que figura en esta presentación que les comento. Se titula “Crystal Frontier” (original del ábum “Aerocalexico” de 2001), una versión de 10 minutos que viene a concluir el concierto ofrecido por Calexico en noviembre de 2002 en el teatro londinense dentro del marco del Beyond Nashville Festival, el cual se realiza durante varias semanas en la capital inglesa y que tiene por objeto promocionar el nuevo country. Si les suenan conocidos los primeros acordes del tema se trata de una pequeña referencia al famoso “Ghost Town”, compuesto por Jerry Dammers y David Hounsell.

Los músicos que aparecen en “Crystal Frontier” son:

Calexico:

John Convertino: batería
Joey Burns: voz, guitarras eléctrica y acústica
Paul Niehaus: pedal steel, guitarras eléctrica y acústica
Jacob Valenzuela: trompeta, vibráfono, teclados, coros
Martin Wenk: trompeta, vibráfono, teclados, acordeón, melódica, guitarra barítono, guitarra acústica, sampler, coros
Volker Zander: contrabajo, coros

Músicos invitados:

Matt Dowse: trombón
Mariachi Luz de Luna (8 integrantes)

Crystal Frontier
(J. Burns)

Marco's shadow falls on the door
To the seven lost cities of gold
Finds a raven's head and rattler's tail
Dead in his tracks, this godforsaken soul's
Unwanted here and his ghost lingers for years

Amalia's face hides behind the mask
Sweating on the tv factory line
That smile on her face is starting to crack
While welding back the pieces of shattered heart
That's scattered out here, with the ghosts of her peers
Searched for her lost love along the river of tears
The river of tears

The end of the working week
When drunken worlds meet
Both sides keeping a close eye
For a break in the line here
On the crystal frontier
The crystal frontier

The ground is shaking it's starting to crack
Can't find the pieces of shattered heart
That's scattered out here
With the ghosts that never disappear
Searched for the lost child along the river of tears
The river of tears

Blood spills out on the streets
And bodies are missing for weeks
Both sides keeping a close eye
Watching the bullets fly here
On the crystal frontier
The crystal frontier

Ramón tightens up his leather belt
And slips through a hole in the fence
He can get you anything you want
Might cost you a life, might cost you
The whole price of freedom here
On the crystal frontier

Los links de rigor son los siguientes:

Sitio web oficial (se puede bajar un tema acústico del nuevo disco “Garden Ruin”)
Entrevista a Calexico

Si les gustó esta banda, la pueden encargar en la disquería Orangedays:

- Dirección: Calle Quinta #258, Local 4 (ex #270), Viña del Mar (al lado de chocolates Sausalito y el cine Olimpo)
- Teléfono: 32-680025
- e-mail: comercial.liucura@gmail.com

El Gran Stanley...anoche en el Teatro Oriente

2006-09-02T13:23:00.000-04:00

Este septiembre que ya ha llegado se inició “con tutti”; y no fue para menos ya que ayer viernes 1º nuestro mes patrio se condimentó con lo mejor del jazz-rock estadounidense al presentarse en el ya reputado Teatro Oriente de Providencia, Santiago, uno de los máximos cultores de este movimiento iniciado a fines de los 60’s: el bajista Stanley Clarke.

El gran Stanley llegó justo para engrosar aún más una excelente lista de conciertos realizados en el último año por lo más granado del jazz contemporáneo: los legendarios Billy Cobham, Wayne Shorter, Jean-Luc Ponty, Michael Brecker, Mike Stern, Paul Wertico y los más jóvenes MMW, Pink Freud, entre otros. Y ya nos adelantaron nuestros estimados Julio, Alex y los muchachos de VivoJazz (…grandes, los felicitos por su campaña y por haber ingresado al munco “.cl”) las presentaciones de Dave Holland, Al Di Meola y John Scofield que se vienen pronto.

En el caso del bajista, su visita (la tercera a nuestro país en materia musical) comenzó con un Stanley solitario en escena tocando diestras improvisaciones de bajo distorsionado y que luego de un rato empezó a llamar uno a uno a los magníficos músicos que le acompañarían en esta odisea y que iban apareciendo en el estrado tocando sus solos correspondientes: Raúl Aliaga (batería de Congreso), Christian Gálvez (segundo bajo), Sebastián Almarza (teclados, también de Congreso), y Emilio García (guitarra); todos ellos apoyados por un joven segundo tecladista. Mientras eso sucedía el tema derivaba colectivamente en un clásico del bajista de la década de oro del jazz-rock, “Lopsy Lu”, donde el imponente músico ya hacía entrever lo que sería su show cargado de aquella energía y vituosismo siempre característicos.

La noche estuvo llena de recuerdos, y Stanley lo dejaba claro a cada momento (“this is an oldies night”, diría); pero también tuvo muchos redescubrimientos que se aparecían sorpresiva y gratamente con las interpretaciones de formidables arreglos de obras de Charlie Parker, John Coltrane y Janet Jackson; incluso dedicó una pieza a su suegro, el cantante chileno Antonio Prieto, llamada “Canción de Sofía” (es decir, para su hija y esposa del bajista) y que fue un tremendo homenaje a este músico nacional con retro-proyecciones de fotos suyas y un Teatro Oriente aplaudiéndole de pie.

Como usualmente ocurre en estos conciertos, hay unos intervalos eléctricos y otros acústicos. En lo personal los segundos fueron los más gratificantes, donde se mostró una faceta menos conocida de Stanley y en que nuestros músicos que les acompañaban confirmaron su extraordinaria calidad musical donde el corazón y el virtuosismo eran uno solo al son de evocadoras melodías, confirmando que la destreza instrumental por sí sola no es nada sin esa sensibilidad que debe emanar de cada uno…¡¡brillante!!. Ahí tuvimos a un tremendo Christian Galvez que conversaba de igual a igual entre bajos con el maestro, a un Emilio García delicado y emotivo en sus solos y acompañamientos de guitarra, y a un Raúl Aliaga siempre rítmico y preciso en sus golpes con el cajón peruano; en tanto, Sebastián Almarza, quien no participó de la propuesta acústica, se lució en la eléctrica con unos solos monumentales que reflejaban su extraordinario manejo de las armonías que le hacían colgarse y descolgarse como quería de la melodía principal… como diría mi hermano Aldo haciendo analogía con el fútbol: su manejo del espacio para dar pases precisos sin mirar.

Una de las cúspides del concierto de anoche (bueno, en estricto rigor, el primero de dos que se hicieron seguidos anoche) fue indudablemente el hit de los 70’s “School Days”, donde Stanley, como buen director de la banda, empujó a los músicos a que dieran todo de sí en el escenario hasta los clímax mismos ocurridos en sus solos; qué decir…increíbles músicos una vez más.

En definitva, pudimos gozar de una de las mejores y reavivantes dosis del clásico jazz-rock provista por este músico que tiene un largo currículum por grupos emblemáticos como Return to Forever, The Clarke-Duke Band, y Animal Logic, entre otras, además de innumerables colaboraciones y composiciones para soundtracks de películas.

Los temas que les dejo son, al igual que anoche, dos grandes recuerdos: en primer lugar el clásico “Lopsy Lu” con el que dio inicio al primer concierto y que aparece en su segundo disco solista titulado simplemente “Stanley Clarke” (1974).

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Y el segundo tema es su clásico de siempre “School Days” (original de 1976) pero esta vez en una presentación para la BBC a fines de los 70’s junto a la Clarke-Duke Band donde se aprecia también a este increíble tecladista ex-Fran Zappa. Una presentación que tomé prestada del servicio YouTube (…gracias Julio por la idea).

PD: lamentablemente la cámara fotográfica no me acompañó mucho esa noche (como ha sido últimamente), pero de seguro VivoJazz les ofrecerá unas buenísimas.

Links de rigor:
Sitio Web Oficial de Stanley
En Wikipedia

LOS MISMOS y su viaje por Caspana

2006-08-19T14:14:00.000-04:00

El jueves 17 de agosto recién pasado se concretó unos de los momentos más esperados en la escena electrónica criolla: el lanzamiento del nuevo disco de nuestros queridísimos LOS MISMOS, que tiene por título “Caspana”, y que tuvo lugar en el Centro Cultural Alameda de Santiago.

Aquel encuentro, que estaba convocado para las 21.00 hrs, empezó con más de una hora de retraso, pero la música de relleno, más el bar y el cálido ambiente que ofrecían el recinto eran suficientes para amenizar la espera, la cual concluyó cuando aparecieron sobre el estrado los encargados de llevarnos a un viaje nocturno que sería inolvidable: el sampleador y sonidista Gabriel Vigliensoni (ex LUCYBELL), el multi-instrumentista Cuti Aste (LOS IMPOSIBLES de Javiera Parra, y HERMANOS MARTÍNEZ INTERNACIONAL) y el cabecilla del trio, bajista/stickista Silvio Paredes (precursor de la música electrónica en Chile y uno de los fundadores de los míticos ELECTRODOMÉSTICOS).

La muestra musical comenzó de lleno con uno de los temas más intensos de su nueva y cuarta placa, en que el Chapman stick de Paredes sacaba chispas junto a los sonidos crudos y potentes que emanaban de los teclados Nord Lead 2 de Vigliensoni y Aste, sintetizadores que no por nada les llaman los “diablos rojos”, como me comentaría mi amigo Claudio, y que paródijamente le dan una importante dosis de humanismo a su sonido. La tendencia de ahí en adelante fue en ascenso, en que banda y público fuimos adquiriendo más entusiasmo al punto que el baile se hacía difícil de evitar (sobretodo para los que estábamos en primera fila) al son de los ingeniosos acoples de sonidos sintetizados con los bajos eléctricos, el siempre acertado vibráfono que tocaba Aste (como el que aparece en el excelente tema “Bigbit”) y la sincronizada proyección de imágenes y video en el telón de fondo. En el intertanto hubo algunas interpretaciones de su disco anterior “Picnic”, del 2002, en el que desempolvaron temas como los ya clásicos “Taxi” y “Hong Kong”, donde nuevamente Aste se lució en su rol multifacético al tocar el difícil shamisen, o laúd de tres cuerdas japonés. De regreso a la nueva placa en la segunda mitad del concierto incluyeron un tema cantado junto a la voz invitada de Javiera Mena, titulado “Pepper”, concluyendo más adelante con un bis demoledor.

Una vez escuchados los temas lanzados en aquel encuentro, se aprecia que su disco “Caspana” resulta bastante más duro que “Picnic” y que viene a completar una evolución que partió con sus dos primeros álbumes “Trip-o-matic” (1995, en vivo…se dice que es el primer disco de música electrónica “popular” editado en Chile) y “City Tour” (1998), desde tendencias más experimentales de estudio cercanas al jungle, el drum’n bass y el trip-hop hacia una mixtura actual más orgánica de trance, house e IDM, con algunos cantos y rapeos.

Con esto, al hacer esta comparación evolutiva, recuerdo de inmediato la sensación experimentada la primera vez que los vi en vivo con su primera formación que incluía a Michel Durot, Ernesto Medina (otro ex ELECTRODOMÉSTICOS) y Silvio Paredes (el único miembro original que permanece) en la versión Earthdance’98 que se realizó en los parajes neogóticos de la casa central de la Universidad Santa María, y que a la sazón venían promoviendo su segundo disco “City Tour”. Entre aquella presentación y la que acaban de realizar esta semana queda claro que, con cambio de formación y más de diez años de trayectoria como banda, estos tipos no son un mero espectáculo de laptops y de “plug & play” donde se podría poner en duda la calidad interpretativa del grupo, sino muy por el contrario, son músicos en serio que tocan con soltura cada uno de sus instrumentos (los que no son pocos) haciéndonos ver que son la punta de lanza de lo que ellos mismos llaman nuestra “nueva música chilena”, para descolgarse de los siempre manoseados apelativos “vanguardista” y “underground” que la prensa arcaica nacional denomina a todo lo que no suena como hit radial. En definitiva, una tremenda banda que no tiene nada que envidiar a otros grandes exponentes de la escena electrónica mundial tales como Mouse On Mars, Orb y Autechre, y hacen música de hoy…la nueva música chilena actual.

El temazo que les dejo perteneciente a su nueva placa se titula “Chilly Willy”, en honor al siempre recordado pingüino animado, y que demuestra en parte la atmósfera que impera en “Caspana”. Totalmente recomendada su adquisición.

Un dato adicional para quienes desean escuchar música en vivo hoy y que tiene mucho que ver con estos músicos: en la Batuta se presentará Carlos Cabezas (frontman de ELECTRODOMÉSTICOS) a las 23:00 hrs.

Los años azules de Medeski, Martin & Wood

2006-08-06T23:39:00.000-04:00

Como si se tratara de una moda o de una fórmula comprobada de buenos dividendos comerciales, los sellos cada vez más se empecinan en lanzar ediciones de discos en doble formato CD+DVD. Para bien de los fans o para mal de los puristas anticomerciales, esta nueva forma de lanzar álbumes llegó para quedarse un buen tiempo. Yo, al menos, disfruto cuando salen trabajos en este doble formato, sobre todo cuando el material del CD y del DVD son complementarios entre sí y no una mera réplica del otro en que la única diferencia entre el DVD y el CD es que el primero trae imagen y el segundo no (debo confesar que eso es lo único que no me agrada mucho de la edición especial de la celebración de los 100 discos del sello Klang Elektronik que comenté en mi posteo anterior). Con todo, replicado o no, el hecho de tener alguna parte del formato (CD o DVD) ya puede valer bastante por sí sólo.

Una de estas ediciones que vuelven a alegrar mi búsqueda musical es la que acaba de sacar nuestro siempre bien ponderado sello Blue Note para recopilar los pasos emprendidos por los magníficos Medeski, Martin & Wood (MMW) en esa casa discográfica luego de que este trio dejasen Gramavision (Rykodisc), su antiguo hogar establecido en el seno del downtown de Manhattan y que les albergó durante la primera etapa de su carrera. Este ábum en concreto se titula “Note Bleu: Best of the Blue Note Years 1998-2005” y vió la luz en abril de este año. Mientras el CD reúne temas de los ya clásicos discos “Combustication” (1998), “Tonic” (2000), “The Drooper” (2000), “Uninvisible” (2002) y “End of the World Party (Just in Case)” (2004), más 3 bonus tracks inéditos, el DVD ofrece mucho material audiovisual interesante, desglosado en documentales, conciertos, video-clips, fotografías y algunos links en la web.

Uno de los documentales que más me atrajo de este DVD es “The Medeski, Martin & Wood’s Drooper”, realizado y dirigido en 2002 por la francesa Marie-Pierre Jaury. En él se reseñan las biografías individuales de los músicos, los orígenes de la banda, y sus influencias, entre otras cosas; siempre intercalando las entrevistas a los músicos con interpretaciones en vivo, donde muestran sus dotes musicales. Entre las anécdotas relatadas figura la creación del logo de este trio creado por el baterista Billy Martin, el cual, según los propios integrantes, no representa nada en particular salvo la confluencia de elementos característicos de sus instrumentos “dispuestos armónicamente como si se tratase de una composición visual de Andy Warhol” y que contribuye a identificar y asociar más rápidamente en nuestras mentes al grupo dado que su nombre largo resulta difícil de memorizar para muchos (…la verdad, estos tipos se la piensan todas y el manejo de los detalles de los diseños y su imagen se notan).

Por otro lado, existen los video-clips que nos evocan permanentemente a la agitada New York, centro operativo de MMW, y a los años 60’s, que es donde estos músicos vivieron su niñez. Las características visuales son algo que podría llamarle “efecto deja-vu” (no sé su nombre técnico y me declaro totalmente ignorante en esta materia), que en el fondo es la repetición permanente en ciertos intervalos de tiempo de una secuencia de imágenes al ritmo de la pieza musical; esta repetición incluso se da nuevamente más avanzados en el video-clip, creando una sensación de deja vu a la primera mirada del video.

Por último, al ver las grabaciones de los conciertos uno no deja de quedar asombrado con la calidad creativa e interpretativa de estos tipos y de moverse con su contagiante música que remueven hasta la misma arteria aorta. Con ello, también resulta inevitable recordar la grandiosa presentación que rindieron en el Teatro Oriente, Santiago, el 24 de marzo de este año, y la sensación de tener la suerte de ser testigos de uno de los grupos que están marcando la pauta de la música jazz (y sus derivados) en el presente y que, con seguridad, será una influencia difícil de soslayar para las bandas de acid-jazz del futuro.

El tema pertenenciente a esta edición que les he comentado se llama “Toy Dancing”; pieza inédita que da término al CD y que se grabó en una de la sesiones previas al registro de su disco “End of the World…”. La música hace honor a su nombre y se percibe el disfrute de John Medeski (piano, órganos, teclados), Billy Martin (batería, percusión) y Chris Wood (bajo) en una de las piezas más “afro” que hayan hecho.

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La sugerencia final es estar atentos a las noticias de estos músicos que están ad portas del lanzamiento de un nuevo disco junto al notable guitarrista John Scofield bajo la sigla MSMW. Para ello les dejo los links oficiales:

Link a sitio web oficial de MMW.
Link a noticia de disco con Scofield.

Link en Wikipedia.

El festejo de los 100 discos de Klang Elektronik

2006-08-03T23:26:00.000-04:00

Hace poco, buscando material de video de exponentes de música electrónica, me encontré con un interesante disco que, si bien no era precisamente del tipo de electrónica que deseaba, resultó ser un agradable descubrimiento como material gráfico.

El material en cuestión se trata del disco doble (CD+DVD) titulado “Freestyle Candies II” y que corresponde a la celebración de la edición de los 100 primeros discos lanzados por el sello alemán Klang Elektronik, fundado en 1993 por los productores y DJ’s Heiko Schäfer (alias M/S/O) y Atanasios Christos Macias (alias ATA). Este trabajo acaba de salir en mayo de este 2006 y al parecer se trata de una edición limitada que, como dice el sitio web del sello, fue destinado a sus “leales fans” (…bueno, no me declaro un fan del sello, pero admito que con esto me interesa bastante seguir pesquisando otros de sus trabajos).

Lo interesante de este compilado (hecho por otro productor y también DJ, ALTER EGO) no es sólo su música sino también lo que yo andaba buscando; vale decir, su contenido audiovisual. Indagando por Internet y según lo que dice la propia carátula del disco, me entero que los video-clips fueron ralizados enteramente por estudiantes de la Universidad HFC (Hochschule für Gestaltung) de Offenbach, una institución enfocada a la innovación en el diseño, y cuyos óptimos resultados saltan a la vista con este material (también pueden hacerse una pequeña idea con su página web). Estos videos van desde el más introspectivo minimalismo, pasando por el clásico video-collage hasta las más graciosas situaciones fílmicas (una de ellas que es muy buena es la selección de grabaciones de partidos de fútbol donde la pelota es borrada y se aprecia a los jugadores corriendo y haciendo sus jugadas sin el balón, lo cual es muy surrealista).

La música pertenece a variados exponentes de la electrónica, quienes abarcan una gama interesante de diferentes estilos. Entre estos artistas se encuentran ELECTRONICAT, CLOSER MUSIK, DONNA REGINA, REWORK y SIKØRA; se trata de 14 pistas musicales, una de cada artista, repitiéndose el plato solamente ALTER EGO (…ni tonto ni perezoso el compilador). Los videos son muy acordes a la música y por ende encontramos minimal-techno, micro-house, IDM y glitch, entre otras variantes del amplio género de la electrónica.

En definitiva, un compilatorio altamente recomendable y por lo cual se agradece al sello por su esfuerzo en desarrollar este innovador material audiovisual.

La pieza musical que les dejo pertenece a FARBEN, uno de los múltiples proyectos del productor germano Jan Jerlinek, y es una mezcla entre lo minimalista y el glitch (un estilo que elabora un collage mediante la técnica de corte-y-pega y cuya estética se basa en el concepto de “error”). Su título es “Stuck”.

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Link a sitio de compra del disco.

Fulanito, ¡No!...FULANO

2006-07-29T14:37:00.000-04:00

El haber visto en vivo, junto con mi estimado amigo Julio, a Jorge Campos en su emotivo concierto de despedida “Andate Campos” antes de irse a la capital inglesa, me hizo inevitablemente recordar una de sus facetas musicales que encuentro más fascinantes y emblemáticas: al grupo chileno FULANO.

Resulta que el concierto de Campos nos dejó con unas ganas tremendas de revivir a este grupazo que fue uno de los precursores y estandartes del jazz-rock y del avant-garde nacional, sobre todo con la noticia de que la mitad de esta agrupación (Campos, Crisosto, Jequier) tocará con el connotado baterista Paul Wertico este martes 1º de agosto (uff…¡imperdible!).

Desde su formación por allá en 1984-85, FULANO nos cautivó hasta hace no mucho con una serie de conciertos y discos de cultos que siguen siendo referentes de la música chilena. Cuando la escena nacional aún estaba fuertemente ligada a la "Nueva Canción Chilena", FULANO irrumpió con una propuesta más transgresora como parte de un creacionismo más sólido, de mayor nivel. Con marcadas influencias de genios y bandas cónclaves del movimiento RIO europeo como Henry Cow, Cassiber, Aksak Maboul y Art Bears, entre otros, estos compatriotas supieron mezclarlas de morma magistral con nuestra realidad criolla. Es así como construyen temas que incorporan elementos de la música de nuestros pueblos indígenas (en especial de la cultura mapuche-huilliche), la cueca, bailes nortinos y también del más descarriado free-jazz y de la música contemporánea del Viejo Mundo.

El primer disco que escuché de ellos fue “En el Bunker” (1989) en su formato doble en cassette. Me llamó mucho la atención su espíritu inteligentemente anti-sistémico (o mejor dicho “anti-dictadura”), cuando oía letras alusivas al régimen militar y algunos coros muy directos como “Adolfo, Benito, Augusto y Toribio” en referencia a dos pares poco queridos; todo con un tono bastante satírico que generaba una perfecta simbiósis con su base musical. Esto me hizo comprender que esta banda no sólo era musicalmente exquisita, sino también que su mensaje era muy contingente y atrevido por entonces, lo que creo que ha sido uno de los factores que la hecho más rescatable por sus todavía fervientes seguidores (digo “todavía”, pues persisten pese a la disolución de FULANO). Y si hablamos de la historia musical de estos grandes, es imposible dejar de pensar en el motivo de la separación de la banda: el repentino fallecimiento de su integrante Jaime Vivanco; tecladista, compositor y pieza fundamental del alma de FULANO…una verdadera lástima su muerte, la que aún se siente.

Otra de las virtudes que tuvo esta banda es su mirada cohesionada y única, la que se manifiesta en sus piezas musicales donde, en general, ningún instrumento sobresalía sobre otro o, más bien, todos figuraban con la misma fuerza y pasión. Es así como tenemos a una Arlette Jequier que solfeaba al más puro estilo de las auténticas intérpretes del vocal-jazz, jugando con su espléndida voz (una de las mejores que deben haber en el escenario nacional); unos saxos que transitaban entre lo melodioso y lo estridente de un “abrir y cerrar de orejas” dado por los eximios en vientos Cristián Crisosto y Jaime Vásquez; un teclado atmosférico y arpegioso que salía reluciente de las manos de Jaime Vivanco; un bajo contrapunteado y contundente del virtuoso Jorge Campos (el futuro “George Fields” como dijeran en su concierto de despedida del jueves pasado), y unas baquetas precisas que transitaban entre el jazz y heavy rock manejadas por Guillermo Valenzuela en una primera etapa y por el percusionista de Congreso, Raúl Aliaga, en una segunda.

El tema que les dejo es un clásico. Se trata de la “Suite Recoleta”, compuesta por el desaparecido Vivanco, y que aparece originalmente en el primer álbum de esta banda (“Fulano”, 1987). La grabación corresponde al disco “Vivo” (último registrado por el grupo) que fue editado el 2004 en memoria del tecladista que nos dejó en febrero de ese mismo año y que contiene grabaciones de los conciertos realizados en 2002 bajos sus giras “FULANO…silencio…grabando” y “FULANO en gira”. En su carátula, el mismo Vivanco con unos de sus rostros graciosos.

La formación que interpretaba era:

Jaime Vivanco: teclados, voz.
Arlette Jequier: voz, clarinete.
Cristián Crisosto: flauta, clarinte bajo, saxos, voz.
Jorge Campos: bajo, voz.
Raúl Aliaga: batería, marimba, percusiones.
Rafael Chaparro: saxos, voz.

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¡No olviden ir a ver a Campos, Crisosto, Jequier y Wertico este martes 1º en la sala SCD del mall Plaza a las 20:00 hrs!

Los links de rigor:
sitio web de FULANO
sitio tributo a FULANO
sitio sello Alerce

Erik Truffaz y su ingenio cosmopolita

2006-07-21T14:00:00.000-04:00

Por una petición especial que me hicieron, hoy me referiré acerca de uno de los músicos más connotados dentro del ámbito del “jazz contemporáneo” y que se ha trasformado en uno de mis predilectos últimamente: el francés Erik Truffaz. Escribo entre comillas “jazz contemporáneo” pues ya resulta bastante difícil de catalogar la interesante amalgama musical que desarrolla este genial trompetista, la cual, si bien se basa en el jazz, ha resultado ser un verdadero escupitajo (me imagino que concebido inconcientemente) para los más acérrimos puristas que aún no asumen la ductilidad de la música.

Este trompetista, compositor y productor me lo recomendó hace unos cuantos años mi querido amigo Jorge, quien, imbuido en sus estudios de música aquí y en el extranjero, ha descubierto una hornada de intérpretes que desde hace un tiempo están dando mucho que hablar en el escenario galo. Recuerdo que luego de su primer viaje a Francia, él me comentaba la experiencia alucinante de haber disfrutado en vivo y en directo a Truffaz (…la suerte de algunos, digo yo) y de su notable cambio hacia un estilo distinto, más potente y rockero con respecto a sus trabajos anteriores; era la época del genial álbum “The Walk of the Giant Turtle” (2003). Y es que resulta que el francés se reinventa en cada disco que elabora, pasando desde el post-bop en su debut como solista titulado “Out of a Dream” (1997) (antes tocaba en un grupo llamado Orange junto al baterista Marc Erbetta, compañero hasta hoy en sus odiseas musicales), por el hip-hop y el groove en “The Dawn” (1998), el drum’ bass en “The Mask” (2000), y hasta el rock, el rap, el reggae y la música arabesca en su último álbum en estudio llamado “Saloua” (2005)…sólo por nombrar algunos estilos y trabajos de este músico.

Escuchar a Truffaz resulta un verdadero y permanente descubrimiento en el que uno siempre se encuentra con gratas sorpresas musicales. Su facilidad de llevarnos de un concepto a otro resulta inapelable, trasportándonos con total soltura desde un sonido bien elaborado (con alta dosis de electrónica) hacia otro bastante crudo (cool jazz), cuyo origen más natural lo ha explicado el mismo trompetista en algunas entrevistas: “Me gustan los lugares parcos; montañas, desiertos, arquitectura japonesa, mi música es tal vez una metáfora de ello”. Un reflejo de su personalidad, como agregaría también: “Intento hacer música diferente, pero sobre todo, música que sea como yo”. En definitiva, estamos hablando de un hombre con infinitas inquietudes que las va plasmando en cada pieza musical que nos entrega. Me atrevería agregar que en ello también hay un reflejo de la mezcla cultural que se ha ido forjando cada vez con mayor intensidad en el país galo y sobre todo en París…esa metrópolis que no ha perdido sitial dentro de las más cosmopolitas del mundo.

Muchos afirman que Erik Truffaz es en el jazz hoy lo que fue Miles Davis en su época al integrar elementos no tradicionales dentro de este amplio género, moldeándolo con inusitadas y atractivas mezclas. Y no sólo se le compara en este sentido, sino también por su forma de tocar la trompeta, la cual resulta muy similar a la de nuestro querido y recordado Miles; cosa que no se le confiere peyorativamente, sino por el contrario, como un verdadero logro.

En esta oportunidad, para no ser menos con mis últimos posteos les dejo 2 piezas musicales de este grand musicien et trompettiste: el primero pertenece a su trabajo “Saloua”, editado el año pasado como siempre por el sello Blue Note junto al grupo Ladyland (el mismo con el grabó el también genial “Mantis” en el 2001), y se titula “Yabous”; quizás uno de los temas que más refleja la heterogeneidad musical de Truffaz que les he comentado y cuyo disco creo que sintetiza bastante los estilos acaparados por el francés en sus trabajos predecesores. El tema se inicia con la introducción clave de cinco notas del trompetista para entrar de lleno con un desgarrador y palpitante cántico árabe (…la voz del eximio tunecino Mounir Troudi) al compás de un absorvente drum’n bass provisto por el baterista Phillipe Garcia y el bajo de Michel Benita para intercalar el canto nuevamente con la trompeta de Truffaz y la intervención del rapero Nya, quien hace un fascinante diálogo a dos voces junto a Mounir; todo esto, por supuesto, con la guitarra de Manu Codjia a lo largo y ancho del tema…(leer también la interesante letra traducida al inglés que les dejo acerca del bien y el mal en el hombre que hace una clara referencia al permanente conflicto del Medio Oriente y que sobre todo en estos días nos tiene a todos preocupados en todo el orbe).

En resumen, Erik Truffaz Ladyland es:

Erik Truffaz: trompeta, melódica, electronics
Manu Cojia: guitarra, electronics
Michel Benita: bajo, samples
Phillipe Garcia: batería, percusión, samples
Mounir Troudi: voz, bendir
Nya: voz, rapeo

Yabous
(Truffaz / Troudi / Nya)

Maunir: Everybody has his own surray.
The rain does not only fall on roses and jasmines.
Dawn offers its light to the plains and its dew to the wheat and the forest.
At night, the stars shine for fertle and the arid fields as well.
If there is injustice, people themselves are responsible.
The evil they do extinguishes life and poisons the universe.
As for me, I am and will remain faithful to the ones that I have loved.
As well as to those that I have never met.

Nya: Welcome to the city of Yabous
Where one man’s joy is the other man’s blues
And one man’s obituary is the other’s good news
And everybody thinks they’re posessing the truth
Doing wicked things no religion could excuse
But God’s the only judge, everyone stands accused
Those who abuse the youth they confused
The ones who exploit those with nothing to lose
See, when it’s an eye for an eye, and a tooth for a tooth
Beware of the hate that hate produced
So people don’t sleep no more, they just snooze
Keep an eye wide open just in case shit breaks loose
At home, at school somewhere down the avenue
There’s a checkpoint every soul must pass thru
And I won’t be free and neither will you
Until each and every people will be free, too.

Maunir: The earth is not a jungle where people get slaughtered like prey.
Nobody will set the world on fire without being punished.
The sun shines for all.

Nya: How many kids must get killed, how much blood spilled
How many homes bulldozed, how many walls built
Haow many bombs must explode, how many graves filled
Before we live as one according to God’s will

Maunir: wna makhiés I kol el nas Inwaléfha wnhéb hata wjouh manaarafha

Nya: Hear this, y’all descendants of Abraham
And all y’all sons and daughter of Ibrahim
You gotta water the garden of Canaan
Before it’s gonna dry out like a desert dream
See, a tree has many branches that saher the same roots
No matter which branch it beras the same fruit
Now, Israeltes and Ishmaeltes have to have equal rights and justice

El segundo tema corresponde a una interpretación aparecida en su último álbum editado (doble en vivo más DVD) “Face a Face” (2006), que recopila varias presentaciones en las últimas giras de Truffaz. El tema en cuestión es llamado “Wilfried”, el que es compuesto e interpretado por el Erik Truffaz Quartet. El tema originalmente pertenece al disco “The Walk of the Giant Turtle” (2003), y pese a que éste se caracteriza por ser más rockero, el tema ofrece una melodía muy suave y cadenciosa con un solo de trompeta espectacular…en vivo, lo es más aún.

El Erik Truffaz Quartet está compuesto por otros músicos igualmente admirables:

Erik Truffaz: trompeta
Marcello Giuliani: bajo
Marc Erbetta: batería
Patrick Muller: fender rhodes y piano

Por último, esperemos que ojalá se concrete la visita que haría este músico a nuestro país dentro del marco del proyecto de promoción de la cultura gala que desarrolla la Asociación Francesa de Acción Artística (AFAA), esta vez en Latinoamérica, y que fué la que trajo en febrero de este año al también notable Manú Chao a Chile.

El link de rigor es al sitio web oficial de Erik Truffaz.

Syd Barrett: 1946 - 2006…se ha ido un loco diamante

2006-07-12T00:26:00.000-04:00

Hoy estamos de duelo. Ayer me acabo de enterar de la lamentable noticia de la muerte del enigmático Roger Keith Barrett, quien fuese conocido mundialmente como Syd Barrett, guitarrista y compositor de los primeros Pink Floyd. Dejó de existir el viernes 7 de julio recién pasado a los 60 años de edad…una gran pena para el mundo del rock y sobre todo para sus seguidores, dentro de los cuales me incluyo.

Recuerdo haber empezado con todo este rollo de la música justamente con los Floyd cuando tenía cerca de 12 años (…aprovecho de pedir disculpas públicas a mi familia por molestarla tanto al obligarles, por un tiempo nada despreciable, a escuchar a este grupo con el afán de que siguieran “mi volada”). El catalizador en aquel entonces fue el notable “The Wall” (1979). Ante tal descubrimiento me abalancé de lleno para conseguirme otras grabaciones del grupo (en aquel tiempo sino eran los cassettes eran vinilos), y el paso siguiente, sin querer, fue nada más ni nada menos que el extraordinario “The Piper At The Gates Of Dawn” (1967), obra prima del conjunto británico y que refleja la imaginología que afloraba de la compleja mentalidad de Syd (…¡¡vaya disco!!). Aquél fue el que me capturó y llevó a interiorizarme por primera vez en la música de “difícil escucha”, que comúnmente no se emitía por las radios.

La imagen de Syd fue y sigue siendo un objeto de culto dentro de la psicodelia. A él le debemos mucho en la experimentación del rock y en la creación del concepto de banda como un conjunto musical y teatral; fue realmente un pionero del “art rock” al levantar conciertos llenos de luces de colores y proyecciones de imágenes que capturaban al público al son de las distorsionadas guitarras y alucinantes letras de sus canciones. Como él mismo declararía en su época (1967) en la prestigiosa revista “Melody Maker”: "Creemos que en el futuro los grupos van a tener que ofrecer mucho más que simples espectáculos musicales. Van a tener que ofrecer buenos y completos espectáculos teatrales."

Y esta importancia no es arbitraria; ya lo reconocen muchos músicos de renombre coetáneos suyo y de generaciones posteriores: David Bowie, Keith Richards, Lou Reed, Rober Wyatt, Voivod, Mercury Rev, Pulp…e incluso el mismo Paul McCartney reconoció su influencia en la grabación del clásico disco de los Beatles “Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band” de 1967; si no lo creen…escuchen y comparen éste con de “Piper…” (…algo tiene que haber ocurrido en los estudios de Abbey Road donde ambos grupos grababan paralelamente sus respectivos discos).

Barrett, después de su alejamiento, fue más que una simple leyenda viviente…fue un visionario de la música y del espectáculo. Fue el que le dio nombre y forma a unos de los grupos más importantes del mundo de la música rock contemporánea (adoptó el nombre de la conjugación de 2 bluesmen que él admiraba: Pink Anderson y Floyd Council), llevó la psicodelia a límites más allá de los conocidos y transportó nuestras mentes hacia un mundo nuevo y asombroso. ¿Qué sería de los Floyd sin este personaje?...¿de dónde habrían salido los posteriores y exitosos pasajes alusivos a su vida en “The Dark Side Of The Moon”, “The Wall” y sobre todo “Wish You Were Here”?

Si bien Syd ya hace mucho que no estaba activo en la escena musical dada su reconocida esquizofrenia que lo hizo abandonarla tempranamente, su breve pero intensa carrera fue suficiente para dejar tamaña huella en la música rock. Lástima que nunca pudo retomar, al menos en parte, su faceta musical…hubiese sido admirable una especie de retorno como el que logró el también díscolo Peter Green de los antiguos Fleetwood Mac. En fin, una gran pérdida.

Muchos sitios y blogs deben estar comentando esta lamentable noticia en estos días y varios de ellos continuarán alimentando el mito de Barrett en el futuro, pues Syd ya ha trascendido más allá del insconsciente colectivo musical.

Gracias Syd por tu fantasía musical, gracias por empujarme a mí y a otros tantos hacia la música…gracias loco diamante. De seguro éste buen viaje será el mejor que hayas tenido.

A modo de homenaje les dejo 2 temas de este genio: el primero corresponde al segundo single de los Pink Floyd compuesto por Barrett, el clásico titulado “See Emily Play” (1967), que en su época salió junto al tema “Scarecrow” y por primera vez en un disco recopilatorio en aquel titulado "Relics" (1971). Los integrantes que tocaron fueron:

Nick Mason: batería
Rick Wright: teclados
Roger Waters: bajo, voz
Syd Barrett: voz, guitarra y composición

See Emily Play
(Barrett)

Emily tries but misunderstands, ah ooh
She often inclined to borrow somebody's dreams till tomorrow
There is no other day
Let's try it another way
You'll lose your mind and play
Free games for may
See Emily play

Soon after dark Emily cries, ah ooh
Gazing through trees in sorrow hardly a sound till tomorrow

There is no other day
Let's try it another way
You'll lose your mind and play
Free games for may
See Emily play

Put on a gown that touches the ground, ah ooh
Float on a river forever and ever, Emily, Emily
There is no other day
Let's try it another way
You'll lose your mind and play
Free games for may
See Emily play

El segundo tema pertenece a su segundo y último álbum en solitario, “Barrett” de 1970 (después vendrían algunos recopilatorios famosos), el cual se titula “Rats” y que, como se sabe, fue grabado con mucha dificultad dado que Syd se comportaba erráticamente al ya estar consumido por el LSD. La siguiente es la alineación que interpreta:

Jerry Shirley: batería (ex- Humble Pie)
Rick Wright: teclados, producción
David Gilmour: guitarra, producción
Syd Barrett: voz, guitarra y composición

Rats
(Barrett)

Got it hit down
Spot knock inside a spider
Says: "That's love yeah, yeah, yeah, yeah, yeah, yeah!"
"That's love yeah, yeah, yeah, yeah, yeah, yeah!"
Says: "That's love - All know it
TV, teeth, feet, peace, feel it...
"That's love yeah, yeah, yeah, yeah, yeah, yeah!"
"That's love yeah, yeah, yeah, yeah, yeah, yeah!"

Like the fall that brings me to
I like the fall that brings me to
I like the cord around sinew
I make a cord around sinew

Duck, the way to least is less
Tea craving of the metal west
'ell tomorrow's rain and test
'ell tomorrow's rain and test
Love an empty son and guess
Love an empty son and guess
Pimples dangerous and blessed

Heaving, arriving, tinkling
Mingling jets and statuettes
Seething wet we meeting fleck
Seething wet we meeting fleck
Lines and winds and crib and half
Each fair day I give you half
Of each fair day I give you half
I look into your eyes and you,
Flathe in the sun for you...

Bam, spastic, tactile engine
Heaving, crackle, slinky, dormy, roofy, wham
I'll have them, fried bloke
Broken jardy, cardy, smoocho, moocho, paki, pufftle
Sploshette moxy, very smelly,
Cable, gable, splintra, channel
Top the seam he's taken off

Rats, rats lay down flat
We don't need you, we act like that
And if you think you're un-loved
Then we know about that...
Rats, rats, lay down flat!
Yes, yes, yes, yes, lay down flat!

Más información acerca de Barrett la pueden encontrar en los siguientes sitios, unos pocos de los tantos que hay en Internet dedicados a su figura:

MADLIB y su hip-hop azulado

2006-07-03T19:39:00.000-04:00

Descubrí a Madlib casi por casualidad en una de esas habituales excursiones por disquerías en que uno sospecha que el disco que tiene en sus manos puede gustarle y hace una apuesta por él al adquirirlo. Por fortuna, no me equivoqué…

Resulta que Madlib es uno de los tantos apelativos que utiliza el productor y rapero Otis Jackson Jr. y que alterna, según el estilo desarrollado en sus álbumes, con los de Quasimoto (un cartoon que tiene una voz muy aguda y que se pone a comentar en medio de numerosos cut & paste de diálogos de series basura de la TV estadounidense), Yesterday’s New Quintet (un quinteto imaginario de jazz donde todos los integrantes resultan ser el mismo Otis), Madvillain (junto al músico MF Doom) y The Looptack (su proyecto original donde se dio a conocer en el ambiente del rap), por nombrar algunos. Ya con esto, uno se puede hacer una idea de que este hombre se las trae con su versatilidad y capacidad de reinventarse.

El disco en cuestión que adquirí fue el excelente “Shades of Blue” (2003) editado por el sello Blue Note. Al leer la contraportada al principio no me atrajo mucho, pues se trata de un disco de remezclas de viejos y escondidos temas de la fonoteca del famoso sello de jazz, de los cuales ya hay bastantes trabajos editados y con un dejo de ligereza que me hacen sentir en una consulta médica o de compras en el supermercado. Sin embargo, algo me decía que este disco podría ser distinto de aquellos y al escucharlo lo comprobé; Madlib es un genio que sabe desarrollar sobre temas de grandes del jazz como Horace Silver, Wayne Shorter, Herbie Hancock y Donal Byrd, entre otros, un interesante cultivo de mezclas de hip-hop, jazzy, funky, scratch y hasta música docta. Se trata de una forma inteligente de fusionar las bases originales con las creadas por Otis del modo de dejarnos moviendo el cuello de manera hasta peligrosa con miras a una tortícolis. Es realmente atrapante, y la mística que él captura de los temas originales se muestra con mayor esplendor en sus remezclas, pese a que varios de estos mismos temas no se muestran totalmente reconocibles en esta colección.

La conclusión rescatable de este álbum es que no es un disco de rap propiamente tal; en él Madlib logra direccionar el hip-hop hacia el jazz de forma análoga como lo hizo St. Germain con el house también hacia el jazz, o GoTan Project con la electrónica hacia el tango, dándole con ello bastante crédito a este trabajo.

En esta ocasión les dejaré dos muestras de este “Shades of Blue”: en primer lugar se trata del tema “Funky Blue Note”, la única pieza original en este disco que figura compuesto por Otis Jackson Jr. (aparte de los interludios de diálogos y rapeos que hay entre medio de algunos tracks). En él se aprecia el juego instrumental que desarrolla Otis, sobre todo en la percusión; interpreta el Morgan Adams Quartet Plus Two con la siguiente conformación virtual:

James King*: flauta
Dan Ubick*: guitarra
Morgan Adams III: órgano
Derek Holman: juego de arpas
Monk Hughes: bajo eléctrico
Malcom Catto: percusión y batería

(de éstos sólo 2 músicos son reales, James King y Dan Ubick, mientras que el resto son alter egos de Otis…una muestra de la mente lúdica de este productor).

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El segundo tema se llama “Montara” y es una remezcla de una pieza original compuesta por el destacado vibrafonista Bobby Hutcherson (recordada originalmente en el álbum homónimo de este músico en 1975), y que emana una gran mística como oda hacia la cultura afroamericana. Los músicos que aparecen en la nómina son el mismo Bobby Hutcherson como vibráfono subliminal y el DJ Lord Duch en los cortes, que no es nada menos que otro alias de Otis.

Si les gustó, les recomiendo también el último trabajo editado por Madlib hace poco en este año 2006 titulado “Beat Conducta Vol.1-2: Movie Scenes”, el cual es buenísimo.

Por último, les dejo el link a una interesante página del sello Stone Throw Records que presenta bastante información acerca de la biografía y obra de Otis Jackson Jr. y sus "secuaces".

La Máquina Suave

2006-06-17T20:39:00.000-04:00

Tardó pero llegó…por fin se ha editado un DVD oficial y exclusivo de la leyenda del rock canterburiano y uno de los artífices del jazz rock británico; me refiero a Soft Machine. Y es que se trata de una de las bandas más importantes de este sonido particular que se forjó en torno a las iglesias y monumentos medievales de la sureña localidad de Canterbury, aunque su música no mucho grafica este entorno. ¡Si!…por fin podemos ver al cuarteto más emblemático en pleno conformado por el baterista Robert Wyatt, el tecladista Mike Ratledge, el bajista Hugh Hopper y el saxofonista Elton Dean (fallecido lamentablemente el 7 de febrero de este año).

Por primera vez podemos disfrutar de una presentación de este grupo en su mejor etapa con un sonido e imagen de excelente calidad (si sé…rondaban varios videos piratas por ahí y algunas apariciones en trabajos audiovisuales recopilatorios, incluso un DVD de una reunión en el 2005…pero nada como esto). Esta grabación, lanzada en disquerías recién en mayo pasado bajo el nombre de “Grides”, se conforma de un CD y un DVD, y se la debemos agradecer a la prestigiosa Radio Bremen (que se encargó de registrar buena parte de la gira de 1970-71 de Soft Machine) y su alianza con el no menos importante sello Cuneiform Records, quienes ya habían trabajado juntos en la edición de otro disco en vivo de esta banda en la misma época “Virtually” (salido en 1998). El CD corresponde a una aparición en el Concertgebouw de Amsterdam en octubre de 1970 y el DVD a una interpretación en marzo de 1971 en los estudios de TV de la emisora germana; ambos registros reflejan la intensidad e ímpetu de ese jazz sicodélico con fuertes tintes europeos que podrán descubrir en lo que les comparto hoy.

El botón de muestra, para serles franco, me costó muchísimo seleccionarlo…para mí se trata de un excelente disco, redondo por donde se le mire y oiga. Finalmente, me decidí por el clásico tema “Facelift” (compuesto por Hugh Hopper) que da inicio a la presentación que estos virtuosos ofrecieron en la grandiosa sala de conciertos holandesa y que puede reflejar aquella intensidad de las que les comentaba. Ésta parte con ese imponente bajo distorsionado de Hopper que abre espacio a un piano que marca la melodía base al compás de unos platillos y de unos trémolos de saxello; a continuación comienza la segunda parte de la melodía con el eximio Dean dándole a su instrumento de viento custodiado de una batería más acelerada del maestro Wyatt mientras en el fondo replica esta melodía el órgano de Ratledge que se descuelga del resto en una carrera y comienza un majestuoso y ácido solo con carácter épico…el jazz sicodélico en pleno desarrollo. Mientras, la base rítmica de Wyatt, Hopper y Dean (quien en esta fase cambia saxello por piano) está ahí haciendo de las suyas, y por momentos cada uno va por su lado (como usualmente ocurre en el free jazz), hasta que después de un buen e intenso rato Ratdledge vuelve a invocar la melodía inicial a la cual se suma nuevamente el saxello de Dean hasta bajar las revoluciones en un juego de toques aleatorios de todos los músicos…¡brillante!

Ahora, imagínense esto mismo en la experiencia de ver en video a estos genios, donde los efectos luminosos y colores sicodélicos juegan un rol importante…lo bueno es que Cuneiform anunció que prontamente lanzará más material audiovisual de esta banda.

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Si quedaron entusiasmados, les recomiendo totalmente los álbumes de este período: “Third” (1970) y “Four” (1971), además de cualquier disco en vivo de este cuarteto (…en realidad todas etapas de Soft Machine son buenas, pero en lo personal encuentro que ésta es la mejor).

El sonido familiar de Irmin Schmidt & Kumo

2006-06-03T14:56:00.000-04:00

Hoy he visto nuevamente una edición doble de DVD`s de CAN, una de mis bandas más queridas del movimiento musical llamado Krautrock. El entusiasmo inmediato que surgió cuando los escuché me empujó a escribir algo relacionado a ellos…pero no de ellos. Esta vez, preferí comentar acerca del alemán Irmin Schmidt (ex tecladista de este extraordinario grupo) y de su yerno, el inglés Jono Podmore (también conocido como Kumo). Comentar acerca del primero es hablar de un genio veterano de la experimentación electrónica y del avant-garde que ha dejado sendas huellas en la música contemporánea y en las últimas tendencias dentro de la escena musical actual; y hablar acerca del segundo es referirse a uno de los vínculos familiares más afortunados que se han dado dentro de la música.

El germano, durante su extensa y prolífica trayectoria, se ha caracterizado por su amplitud musical y la manera versátil de recoger las más variadas influencias para convertirlas en un sonido único que en gran parte es responsable del sello que tuvo CAN y que, naturalmente, también ha recogido en sus propios trabajos solistas. Desde sus tiempos como alumno de Stockhausen y Berio en la Academia de Música de Colonia (junto con Holger Czukay, bajista con quien fundaría CAN) Schmidt mostró una preocupación por utilizar y trascender todos los límites de la música electrónica, experimental, étnica, clásica y moderna. De esta forma, junto a sus inseparables compañeros de banda y en su carrera en solitario, ha transformado el rock convencional con instrumentos convencionales sin exclusión de estilo alguno; algo que refleja hasta el día de hoy: “La música actual es muy rica, y tan contemporáneo me parece Aphex Twin como Sonic Youth. Lo que pasa es que a veces los compositores nos obsesionamos tanto con el lenguaje que la manera de expresarse se vuelve incomprensible. Olvidamos que Dante, por ejemplo, utilizando el italiano vulgar creó una obra de arte suprema. La música contemporánea es un mundo exclusivo y excluyente. Yo intento no excluir nada, ni el jazz ni la música popular. Se trata de coger y experimentar con ello, como hacía Duchamp” (conferencia de prensa para su presentación en el festival Sónar 2001, Barcelona).

Su relación con Podmore se inició cuando buscaba un ingeniero de sonido para su notable ópera de fantasía “Gormenghast” (2000). Desde ese entonces el inglés ha sido parte importante de la definición del sonido de los álbumes de Schmidt (y también de CAN por medio de las actuales re-ediciones de sus discos en formato SACD), transformándose prácticamente en la mano derecha del maestro. Oriundo de la escena de Liverpool, Podmore dejó trazas en los 80’s en numerosos proyectos tanto como compositor como productor musical, realizando, entre otros, la música incidental para connotadas obras de teatro del absurdo llevadas a la TV (…ufff…ya me imagino lo esquizoide de estas piezas); incluso formó parte del grupo de culto indie The Corn Dollies. La lista de producciones de discos incluye trabajos de Jamiroquai, The Shamen, Robert Owens, José Padilla, Tim “Bomb” The Bass, D*Note y Republica, por nombrar sólo algunos. Musicalmente, bajo el apelativo de Kumo, sus discos solistas han derivado hacia una propuesta más drum’n’bass y trip-hop, algo que queda de manifiesto en el álbum conjunto que sacó con su suegro Schmidt, “Masters Of Confusion” (2001), y que es el propósito final de este comentario.

Lo que les muestro en esta ocasión es el tema “Fledermenschen” de este disco, registrado durante una presentación en vivo 1999 en el Crossing Border Festival, Den Haag, Holanda. En él se aprecia la conjunción de elementos étnicos, por un lado, y de drum’n’bass, por otro, que dan pie a una serie quebrazones de vidrios musicales coordinados bajo la complicidad de estos músicos.

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Más detalles relacionados con estos músicos pueden encontrarlos Spoon Records que se dedica a editar las obras de CAN y de sus miembros en solitario.

Santa Madre de Dios

2006-05-23T23:15:00.000-04:00

Lisboa, la capital de Portugal, para muchos no parece representar una referencia destacada a la hora de hablar de música rock o pop. Sin embargo, sí lo es, y con mucha propiedad, cuando nos referimos al folk europeo y en específico al "fado". El fado es una expresión musical muy popular en el país ibérico y en él, a través de su canto, se reflejan malos momentos de la vida (…algo así como la “tonada triste” acá en Chile o de frentón el “triste” que se interpretan en el folclor nortino y encarnan las emociones más profundas del alma andina). Generalmente el fado es cantado por una sola persona acompañada de una guitarra y de una viola, que en conjunto dan un ambiente triste y melancólico que escoltan los sentimientos de desengaño y de pesimismo que emanan de su interpretación y de sus letras. Probablemente el origen de este estilo musical provenga de una conjunción de influencias árabes, celtas (por el sonido de la guitarra) o incluso de la música búlgara (por las influencias gitanas), pero no hay un claro consenso al respecto por parte de los musicólogos y estudiosos (…y no me atrevo a adentrarme más en ello como simple oyente de esta música).

Uno de los exponentes más emblemáticos y únicos de este estilo musical es el conjunto Madredeus, aunque no uno de los más representativos en estricto rigor (debo decirlo, por respeto a figuras como la legendaria y ya desaparecida Amalia Rodrigues y la joven figura Dulce Pontes que sí lo son). La gracia de este grupo, más allá de la propia interpretación del fado, es la perfecta fusión que hacen entre éste con otras corrientes tan idóneas como la música clásica, el jazz y el tango, entre otras. En palabras de Teresa Salgueiro, la extraordinaria cantante del conjunto y según una entrevista ofrecida al periódico “La Jornada” de México: “…la música de Madredeus no es fado, no es música popular, no responde a una definición que la reduzca. Es una pasión muy grande, es una música que está muy cerca de las emociones verdaderas, del pensamiento de las personas”.

Al escuchar las hermosas composiciones de estos portugueses uno se da cuenta de lo realmente original que resulta su estilo, el cual comenzó a desarrollarse en 1987 cuando el compositor y bajista Pedro Ayres Magalhães se reúne con el tecladista Rodrigo Leão para conformar este proyecto y que al poco andar completan con el acordeón de Gabriel Gomes, el cello de Francisco Ribeiro, la guitarra de José Peixoto y la estremecedora voz de Salguiero (a quien, como muchas veces se repite en la historia de la música, descubren cuando tenía 17 años cantando en un bar). El disco debut se denominó “Os dias da Madredeus”, grabado ese mismo año en directo en la iglesia de Madre de Dios (de donde sacaron su nombre) y que entre sus anécdotas cuentan que fue registrado por los integrantes completamente descalzos, con sus pies sólo recubiertos en cojines para así reducir en gran parte los ruidos ambientales que proliferaban en el recinto. A la fecha, la discografía del conjunto ya supera la decena, entre material en estudio y en vivo, y refleja la madurez que ha adquirido su sonido sin igual a lo largo de todos estos años.

Lo que les comparto en esta oportunidad es la preciosa pieza que da inicio al disco “Ainda” (1995) que representa el soundtrack original de la película “Lisbon Story” de Wim Wenders, donde se narra en paisaje y sonido la búsqueda por parte del protagonista (cámara filmadora en mano) de un amigo suyo en las calles de Lisboa al compás de la música de Madredeus y de las lecturas de unos escritos del poeta portugués Fernando Pessoa. El tema se llama simplemente “Guitarra”…adivinen por qué.

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Guitarra
(L: de dos poetas de fado; popular. M: Pedro Ayres Magalhães & Rodrigo Leão)

Quando uma guitarra trina
Nas mãos de um bom tocador
A própria guitarra ensina
A cantar seja quem for

Eu quero que o meu caixão
Tenha uma forma bizarra
A forma de um coração
A forma de uma guitarra

Guitarra, guitarra querida
Eu venho chorar contigo
Sinto mais suave a vida
Quando tu choras comigo.

Por último les dejo, como ya es costumbre, el link al sitio web de Madredeus, esta vez acompañado de otro link a una videograbación de la interpretación del tema “O Sonho” en el Sava Center, en Belgrado, en mayo de 2000 y que interpretan maravillosamente estos ilustres hijos de Lusitania.

O Sonho
(Letra y música: Pedro Ayres Magalhães)

Quem contar
um sonho que sonhou
não conta tudo o que encontrou
Contar um sonho é proibido

Eu sonhei
um sonho com amor
e uma janela e uma flor
uma fonte de água e o meu amigo
E não havia mais nada...
só nós, a luz, e mais nada...
Ali morou o amor

Amor,
Amor que trago em segredo
num sonho que não vou contar
e cada dia é mais sentido

Amor,
eu tenho amor bem escondido
num sonho que não sei contar
e guardarei sempre comigo.

La bella tristeza de Tindersticks

2006-05-16T22:24:00.000-04:00

Al comunicarle a un amigo acerca de la existencia de este humilde blog, él me hizo una sugerencia acerca de uno de los grupos más auténticos y elegantes que surgieron en la escena británica de los 90`s: Tindersticks (¡gracias Alex por recordármelos y por el apoyo!). Al mismo tiempo me comunicó la noticia de su reciente disolución, cosa que lamento mucho de ser así, sobre todo por la magia y delicadeza de su particular sonido.

Tindersticks sin duda llegó desde Nottingham, por allá en 1991, para convertirse en uno de los más grandes exponentes del “pop adulto” que había sido demarcado por otros genios como Tom Waits, Leonard Cohen y Nick Cave. Le dio frescura a un movimiento de cantautores (pese a que ellos eran un grupo y no solistas) que buscaba transmitir sentimientos típicamente “oscuros” como la angustia, el abandono y la desesperación pero otorgándoles a la vez una importante cuota de aliento para salir adelante y sobreponerse a dichos estados anímicos. Al mismo tiempo, supieron darle a su sonoridad un toque de clasicismo por medio de una única mezcla de música de cámara acompañada de folk, rock tradicional y jazz, además del sello proporcionado por la inconfundible voz grave y trasnochada de su líder Stuart Staples.

Esta agrupación supo también mantenerse alejada pero a la vez lo suficientemente alineada con el ambiente indie inglés y el brit-pop, atrayendo la atención de los seguidores de uno y otro, lo cual logró no sólo con su música sino también con las introspectivas, obsesivas y hasta irónicas letras aportadas por Staples, sobre todo en sus primeros discos. Uno de aquellos es “The Second Tindersticks” (también conocido como “II”), editado en 1994; una obra maestra con pasajes orquestados brillantes que hacen recordar a ratos las baladas de grandes del vocal jazz como Tonny Bennett, Nat King Cole y Frank Sinatra, junto con la belleza murmurante y reposada del sonido que ha sido característico de esta banda europea.

Lo que les comparto hoy pertenece justamente a este álbum, a mi gusto uno de los más completos que he escuchado de Tindersticks (junto con el anterior, “I”, que siendo su trabajo debut fue declarado como disco del año por la prestigiosa revista Melody Maker). El tema seleccionado se titula “My Sister”, que posee una extraordinaria musicalización. En él colaboran Isabel Monteiro del grupo Drugstore con su susurrante voz, y Terry Edwards en los bronces; la agrupación la completan Al Macauley en batería, Dickon Hichcliffe en violín y guitarra, Dave Boulter en teclados, Neil Fraser en guitarra y, por supuesto, Stuart Staples en voz. Un dato adicional: en este álbum también colabora en la pieza central “Travelling Light” Carla Torgueson, vocalista del grupo estadounidense The Walkabouts, en un precioso dúo con Staples.

My Sister

(Tindersticks)

Do you remember my sister? How many mistakes did she make with those never blinking eyes? I couldn't work it out. I swear she could read your mind, your life, the depths of your soul at one glance. Maybe she was stripping herself away, saying

Here I am, this is me

I am yours and everything about me, everything you see...

If only you look hard enough

I never could.

Our life was a pillow-fight. We'd stand there on the quilt, our hands clenched ready. Her with her milky teeth, so late for her age, and a Stanley knife in her hand. She sliced the tyres on my bike and I couldn't forgive her.

She went blind at the age of five. We'd stand at the bedroom window and she'd get me to tell her what I saw. I'd describe the houses opposite, the little patch of grass next to the path, the gate with its rotten hinges forever wedged open that Dad was always going to fix. She'd stand there quiet for a moment. I thought she was trying to develop the images in her own head. Then she'd say:

I can see little twinkly stars,

like Christmas tree lights in faraway windows.

Rings of brightly coloured rocks

floating around orange and mustard planets.

I can see huge tiger striped fishes

chasing tiny blue and yellow dashes,

all tails and fins and bubbles.

I'd look at the grey house opposite, and close the curtains.

She burned down the house when she was ten. I was away camping with the scouts. The fireman said she'd been smoking in bed - the old story, I thought. The cat and our mum died in the flames, so Dad took us to stay with our Aunt in the country. He went back to London to find us a new house. We never saw him again.

On her thirteenth birthday she fell down the well in our Aunt's garden and broke her head. She'd been drinking heavily. On her recovery her sight returned, a fluke of nature everyone said. That's when she said she'd never blink again. I would tell her when she started at me, with her eyes wide and watery, that they reminded me of the well she fell into. She liked this, it made her laugh.

She moved in with a gym teacher when she was fifteen, all muscles he was. He lost his job when it all came out, and couldn't get another one. Not in that kind of small town. Everybody knew everyone else's business. My sister would hold her head high, though. She said she was in love. They were together for five years until one day he lost his temper. He hit her over the back of the neck with his bullworker. She lost the use of the right side of her body. He got three years and was out in fifteen months. We saw him a while later, he was coaching a non-league football team in a Cornwall seaside town. I don't think he recognised her. My sister had put on a lot of weight from being in a chair all the time. She'd get me to stick pins and stub out cigarettes in her right hand. She'd laugh like mad because it didn't hurt. Her left hand was pretty good though. We'd have arm wrestling matches, I'd have to use both arms and she'd still beat me.

We buried her when she was 32. Me and my Aunt, the vicar, and the man who dug the hole. She said she didn't want to be cremated and wanted a cheap coffin so the worms could get to her quickly. She said she liked the idea of it, though I thought it was because of what happened to the cat and our mum

Como siempre les dejo el sitio web oficial del grupo.

Evelyn Glennie nos enseña a tocar el sonido

2006-05-13T20:36:00.000-04:00

Hace bastante tiempo que no tenía una sensación de asombro y de encantamiento tan fuerte con una obra artística como la que experimenté hoy. He quedado realmente impresionado con, quizás, el mejor filme acerca de música que he visto hasta ahora. Se trata de “Touch the Sound” (2004), un documental único dirigido por Thomas Reiedelsheimer (el mismo de "Rivers and Tides"; reconocido filme del alemán que aún no he tenido la oportunidad de ver) y protagonizada por la maravillosa y genial percusionista escocesa Evelyn Glennie, que retrata la forma en que convivimos con los sonidos de nuestro rededor.

En esta película, Glennie no sólo muestra sus dotes como intérprete sino también como “oyente”…escribo entre comillas oyente pues resulta que ella es sorda (¡!), lo cual hace más meritoria su capacidad de percibir y transmitir la música. Asombroso también resulta conocer la manera cómo ella, a lo largo de su vida, fue desarrollando su sexto sentido que le permite “tocar el sonido” a través de las vibraciones que emiten los objetos que hace sonar, enseñándonos no sólo a disfrutar de los sonidos percutidos sino también del silencio, el cual describe en sus propias palabras como “probablemente uno de los sonidos más estruendosos y fuertes al que se está expuesto”.

“Touch the Sound” es una obra maestra en que Glennie toca y toca lo que fuese: desde platos de loza, latas de bebidas, botellas, wadaikos (los tradicionales y gigantescos tambores japoneses), xilófonos, y hasta la espalda del mismísimo Fred Frith, quien lo acompaña en esta odisea musical, interpretando varias piezas improvisadas en un antiguo y resonante galpón abandonado en Dormagen, Alemania. Por otro lado, el documental es también una maravilla visual en que las imágenes deslumbran en cada seguimiento que se hace de los elementos que emiten los sonidos cotidianos que escuchamos pero no prestamos atención y que, al enfocarnos en ellos, cada uno en sí mismo resulta atractivo para nuestro sentido auditivo. Este seguimiento se desarrolla en distintos escenarios callejeros de Nueva York, Berlin, Dormagen, Fuji, Tokyo y hasta Aberdeen (la ciudad natal de Glennie), y explican por qué esta obra ha sido ganadora en varios de los más prestigiosos festivales de cine y documentales del mundo.

Al terminar de ver este filme queda claro que lo importante no es la virtuosidad ni rapidez con que se toca música sino la sensibilidad con que se interpreta y transmite…y al hablar de música no sólo me refiero a las melodías sino también a los sonidos, ruidos y atonalidades que nos acompañan día a día. Y en eso Evelyn, Fred, Thomas y sus colegas nos invitan a vivirlo, descubriendo que no sólo nuestro entorno es sonido sino también nosotros mismos (…nuestra vida es un sonido y cada sonido es una vida).

Hermoso documental…creo que responde un poco a la solicitud que me hizo un amigo acerca de describir algun tipo de guía para comenzar a escuchar y digerir "música de no mucha difusión". Bueno, creo que esta película lo explica mejor que nadie (...¡ojalá la puedas ver Eric!)

Acá les dejo varias muestras para que se entusiasmen:

Uno de los video trailers de la película “Touch the Sound”

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Una pieza musical de Evelyn Glennie; una de las pocas que tengo de esta gran percusionista que tiene más de una docena de discos editados en solitario, además de un premio Grammy galardonado por su interpretación de la Sonata para Dos Pianos y Percusión de Béla Bartók, en 1989. La pieza en cuestión se denomina “Halasana”.

Link a sitio web oficial de “Touch the Sound”.

Link a sitio web oficial de Evelyn Glennie.

Y por último, como dato les señalo que “Touch the Sound” está siendo transmitido por cable en el canal Cinemax; la próxima emisión que encontré es el domingo 28 de mayo a las 10:45 hrs. (hora chilena). La recomendación final es verla concentrado dado que de eso se trata: concentrarse y percibir los sonidos.

Bugge Wesseltoft y su nueva mirada del Jazz

2006-05-02T22:05:00.000-04:00

Como todos los fines de semana en que nos vemos, mi hermano mayor y yo nos permitimos un buen espacio para comentar de actualidad, hartas trivialidades y, por supuesto, también de música. Esta vez quedé gratamente sorprendido con algunos de sus descubrimientos más recientes en el campo del jazz contemporáneo...o algo que se le ha tendido a denominar future jazz. Entre ellos, resalto a un músico noruego que ha venido a integrar la escasa pero poderosa estirpe de connotados exponentes de ese país escandinavo; su nombre: Bugge Wesseltoft (¡gracias Marceliño!).

El disco enseñado en cuestión se denomina, al igual que el grupo de Wesseltoft, "New Conception of Jazz" (1997); un título un tanto pretencioso si pensamos que se trata del primer disco de este joven músico bastante desconocido por aquellos años de su edición y tomando en cuenta la enorme variedad de vertientes que hay dentro del amplio género del jazz. No obstante, a medida que uno escucha detenidamente la obra en su conjunto, uno empieza a convencerse de que hay algo de razón en esta nueva concepción, pues la mezcla de jazz tradicional con la electrónica y ritmos del Medio Oriente no había tenido hasta entonces quizás la fuerza y notoriedad que tiene hoy, salvo por algunos nombres como los franceses Ludovic Navarre (con su proyecto St. Germain) y Laurent Garnier, y el colectivo alemán Jazzanova; exponentes que en realidad se dedicaban más a explotar la electrónica (en especial la música house) con remezclas de sonidos jazzeados en vez de darle un toque de electrónica avant-garde al jazz, como ocurre con Bugge Wesseltoft.

Otra gracia que tiene este disco es que es tocado en su mayoría por instrumentos tradicionales del jazz, vale decir contrabajo, batería y piano (algo parecido a MMW, pero menos intensivo en las teclas), además de notables secciones de viento y sintetizadores que le dan a su sonido una mixtura única, con algunos pasajes muy espaciales y fantasmagóricos que hacen pensar que la banda estuviese intentando entablar algún contacto del tercer tipo. Como en muchas de las piezas de jazz contemporáneas, hay una cuota importante de minimalismo y trance que hacen entrever la influencia de grandes jazzistas como John Coltrane, Pharoah Sanders y el grupo Codona en sus trabajos más vanguardistas y místicos.

El tema que les muestro hoy de este excelente disco se llama "Poem"; una obra muy concreta que comienza con un juego percutivo de teclados tipo moog (incluyendo uno muy parecido a pelotazos de tenis) para dar pié a una suave melodía en piano que se repite varias veces como prólogo de unos asomos intermitentes de bajo eléctrico, sección de vientos y sintetizadores (nuevamente con unos beats "tenísticos" muy concretos) que luego en su conjunto marcan el compás de la pieza. Algo extraordinario sucede al introducirse la batería y el saxo con gran fuerza para ser acompañados de solos de trompeta hasta llegar a la cúspide de la obra en la cual se entremezclan todos los instrumentos, luego de la cual viene la calma con un teclado lejano muy etéreo que abre camino nuevamente al piano principal, junto a los sonidos percutivos del inicio, para irse apagando de a poco hasta el fin del tema.

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Invito principalmente a quienes no conocían este músico, al igual que yo, a seguir descubriéndolo por medio de su página web aquí.

GLO...un viaje hacia lo enigmático

2006-04-23T20:27:00.000-04:00

Indagando entre las distintas formaciones del reconocido grupo multinacional Gong y las bandas derivadas de sus carismáticos músicos, me encontré hace algunos años con GLO ("Goddesses Love Oranges"); una agrupación que nació para completar la ruta natural que venía construyendo la gran familia Gong en el ámbito de la música espacial.

Para quienes han escuchado Gong en alguna oportunidad, se darán cuenta de su marcada influencia en GLO. Y no es para otra cosa, ya que GLO lo conforman nada más y nada menos que la legendaria cantante Gilli Smyth (fundadora de Gong junto a su marido y líder de la agrupación, el australiano Daevid Allen) y el multi-instrumentista Stephan Lewry (más conocido como Steffi Sharpstrings; guitarrista de Planet Gong y Here And Now). Pese a la presencia de este distintivo sonido gongiano, esta banda viene a desarrollar una especie de fusión entre éste y el ambient trance de principio de los noventas; algo que ha sido objeto de culto para muchos zippies hasta hoy y referente musical en las fiestas raves al aire libre (...bueno, no por nada GLO participó de estas festividades en el Whirligig de Londres, en el Bath Festival y en el Hanover Club en 1995).

El primer disco, y único hasta la fecha, que ha grabado este dúo se titula "Even As We" (1996). En él se plasma el misticismo de la inconfundible voz de Gilli con sus infaltables gemidos espaciales que transportan al oyente hacia los más enigmáticos paisajes mentales, al mismo tiempo que se despliegan notables sonoridades de los sintetizadores de Steffi, los cuales se pasean fluidamente desde el dub, el trance, el ambient y el drum & bass. Adicionalmente, estas sonoridades son reforzadas por la voz calma de ambos músicos, que a veces son distorsionadas con algunos efectos tipo "avión-jet" (algo que era muy utilizado por los DJs radiales cuando fusionaban sus temas en plena onda disco), a la vez que se remezclan algunos riffs característicos grabados en Gong por las guitarras de Steve Hillage y los saxos de Didier Malherbe. En definitiva, un álbum que de verdad considero magnífico y totalmente recomendable.

Como la mayoría de los proyectos paralelos a Gong, GLO termina fundiéndose en otro para terminar desapareciendo al poco tiempo. Es así como este dúo derivó en Goddess T (la "T" viene de trance), que se desarrolló en Australia y que incluyó en su formación a Orlando Allen en batería, Tony Wandella en bajo, Nick Spacetree en sintetizadores, Kavi en flauta y percusión, y FX Sonic Bloom (conocido también como Dr Tone) en efectos de sonido; en esta oportunidad ya no aparece Sharpstrings, pero sí continúa Smyth. Esta agrupación también ha editado un solo trabajo, el cual se registró en vivo en la fiesta de víspera de año nuevo de la Bahía de Byron en Australia al parecer en el cambio de 1997 a 1998; en dicho encuentro también colaboraron Daevid Allen (en voz y guitarra) y Taliesin (en congas). El resultado fue el disco denominado "Goddess Trance" (1998), y en él se desarrolla la misma línea musical que GLO pero con un énfasis mayor en el trance ambient, eso sí, con instrumentos de rock más tradicionales.

De cualquier forma, ambos proyectos Goddess son aconsejables.

El tema de rigor viene dado por "Walk the Streets", compuesto musicalmente por Steffi y escrito por Gilli, perteneciente al único álbum de GLO. Escuchen y los invito a que me den su opinión al respecto.

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Walk the Streets
(Sharpstrings / Smyth)

We walked through the streets as if they were snakes, but their skins never fell, and beneath gasped the children of our antiquity, the memory of our power.

We walked through the streets, we walked through the streets, like snakes with old scales, glued to our nakedness and tongues flicked into the oily syrup of air. the fear of vulnerability, the vulnerability of fear...

We walked through the streets as if we had always done so, and cold winds of forked tongues licked screams upon our lobes, perhaps our own.

The streets walked through us, and as we now gasped beneath water from our eyes washed our dead scales and the curled bone of a leather finger pointed to a moth, or perhaps the moon as the naked shadows of our indigina, our indigina, melted like alcohol into the wind...

The streets walked, the streets walked, and we rose off them like steam to curl onward, to forget.

And shells whispered spirals on the shores of our silence as the moons around our heart could be quiet no longer! they called, ullulated to their oceans, rivers, puddles, rains, clouds, blood, like a lobsters death cry, a planet cracking like an egg.

The sun cracked, the galaxy cracked, the universe scracked, curling our fingers of steam, with skins of leather, into embryos... and the streets ran, and the streets ran! shimmered, ran, shimmered, coiled, shimmered, steamed, into scales that fell like crystal tears, to shatter upon the earth, and become the mist it once was...

Father lies, mother cries, streetwise...

La vida, pasión y locura de la gran familia Gong y, por supuesto de GLO, la pueden descubrir en el sitio oficial de este fabuloso colectivo.

KINSKI...o cómo tocar en las montañas

2006-04-17T23:59:00.000-04:00

Hace un tiempo unos amigos de una disquería me recomendaron un grupo que ha sido una total sorpresa para mí y que ha revitalizado mi más dormido interés por el heavy rock de los setentas, con todo el respeto que se merecen y les he tenido siempre a sus intérpretes. Se trata de unos chicos de Seattle que realizan una suerte de mezcla del más intenso y tradicional rock duro de aquella década con lo más experimental del sonido noise de los 90's. Hablo de Kinski.

Indagando y escuchando más acerca de Kinski, me entero que esta banda se forma en 1998 a partir de una entusiasta conversación entre sus miembros acerca de qué formato de grabación tiene más meritos, el análogo o el digital (...¿qué melómano no ha tenido alguna vez una discusión al respecto?). La conclusión en esa oportunidad fue unánime a favor del sonido análogo y desde ese entonces estos músicos se han empecinado en demostrar aquello por medio de la espontaneidad, crudeza y sinceridad que caracteriza sus grabaciones, las cuales son registradas de corrido con el objeto de no manipular digitalmente el sonido. Pese a ello, la calidad interpretativa de estos chicos les hace alejarse bastante del concepto de low-fi, que es el extremo cuando nos referimos al deseo de registrar de la forma más pura el momento en que se toca y que tiene a otros exponentes entre sus filas.

El primer álbum de Kinski se titula "Space Launch for Frenchie" y fue editado un año más tarde de la formación del grupo, el cual parece más bien un EP que un LP por su corta duración. En esta oportunidad plasmaron un sonido muy noise-rock con algunos toques espaciales de una manera bastante original, rememorando un poco los trabajos de los neoyorquinos Sonic Youth. Por ese entonces la formación estaba constituida por el guitarrista Chris Martin (no confundir con el sobrexpuesto vocalista de Coldplay), la bajista Lucy Atkinson y el baterista Dave Weeks. La búsqueda de una mayor identidad en su sonido les hizo incorporar a un músico de apoyo para sus presentaciones en vivo, el multi-instrumentista Matthew Reid Schwartz, quien al poco andar pasó a formar parte oficial de la banda al impactar de lleno con sus guitarras, teclados y flautas en las texturas que le otorgaba a las nuevas composiciones.

Este nuevo sonido de Kinski, que ha ido creciendo en estos años, se consolida con su último disco editado hasta ahora: "Alpine Static" (2005; sello Sub Pop); en él se refleja una crudeza e intensidad visceral que abre paso entre los ritmos fuertes y duros a la experimentación, como también nos hace una invitación a la calma y a la meditación con temas como "All Your Kids Have Turned to Static" y "Waka Nusa". De esta forma, nos acercan a varios géneros que hace difícil su clasificación musical (¿power rock?, ¿space rock?, ¿stoner rock?...¿postrock?). Con todo, lo claro que queda de este trabajo es que no pasa indiferente para quien lo escucha, dejando la sensación de que quien lo interpreta es una agrupación que puede aportar mucho a la renovación del sonido hard rock.

Lo que les comparto hoy es justamente una pieza de este último álbum titulada "The Party Which You Know Will Be Heavy", el que creo representa uno de los puntos más altos del disco.

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Como de costumbre, dejo el link a la página oficial del grupo: Kinski.